Homeland (2014-2020), in-seguridad nacional

Homeland - poster

Homeland es una serie de televisión estadounidense desarrollada por Howard Gordon y Alex Gansa; está basada en la serie israelí Prisioneros de Guerra (aunque esto creo que solo valdría para las tres primeras temporadas), creada por Gideon Raff. A lo largo de sus ocho temporadas, ha recibido numerosos premios, incluyendo cinco Globos de Oro y ocho Emmy.

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Carrie Mathison, afectada por un trastorno bipolar, es miembro de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) y está especializada en combatir el terrorismo yihadista.

Hace siete años 😮 hice un breve comentario de las tres primeras temporadas con algún juicio de valor sobre el entonces futuro de la serie del que hoy me tengo que desdecir. Tardé mucho en ponerme con la cuarta temporada, de hecho me parece que cuando la empecé ya estaba terminando de emitirse la sexta, pero una vez me puse el resto vino casi todo seguido, con una pequeña pausa entre la 7 y la 8. NO voy a hacer SPOILERS, sino a contar muy por encima algunas impresiones que me llevo de la serie.

Homeland 02

La cuarta temporada empieza de forma vacilante, o eso parece, sin embargo es un recurso ya usado en temporadas anteriores y que se ha convertido casi en tónica habitual de la serie. Los primeros tres o cuatro episodios sirven de introducción, de colocar poco a poco las piezas sobre el tablero, de ir presentando situaciones o, incluso, de hacernos creer que la cosa va encarrilada en una dirección. A la altura del cuarto o quinto capítulo se da un golpe sobre la mesa, lo visto hasta ese momento cambia de rumbo radicalmente y todo se vuelve completamente caótico de forma adrenalítica y adictiva.

Evidentemente, hay temporadas que resultan mejores que otras, pero en líneas generales el nivel global es alto. Personalmente, la quinta y la sexta son brutales. La cuarta es una necesaria redefinición de la serie y tiene algunos momentos muy «pero qué c*jones es esto», y la séptima se hace un poco pesada porque, entre otras cosas, se dedica a explorar las consecuencias y ramificaciones de lo sucedido en las dos temporadas anteriores sin mayor interés. La octava es una especie de reflejo de las primeras, en esta ocasión con Carrie siendo la sospechosa de haber cambiado de bando.

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Después de la salida de Damian Lewis, el protagonismo se polariza entre Claire Danes y Mandy Patinkin, que mantienen una extraordinaria relación de colegas / discípulo-maestro, aunque no siempre estén de acuerdo, ni en el mismo bando, ni detrás de los mismos intereses, pero siempre demostrando un profundo respeto mutuo. A pesar de todo. Y, en este caso, ese «todo» acaba significando mucho.

No se descuida el tratamiento de los personajes secundarios, a pesar de que la mayoría son esporádicos todos tienen una personalidad bastante definida. Destacan especialmente: Rupert Friend (Peter Quinn), que pasa tener apariciones recurrentes en las temporadas 2 y 3, a casi coprotagonizar las temporadas 4 a 6, con un maravilloso desarrollo de su personaje; y, por supuesto, Maury Sterling (Max Piotrowski) que, sin apenas dejar de ser un secundario de los que salen de fondo, el amiguito que sabe más que nadie de ordenadores y medios de vigilancia y escucha, tuvo una participación destacada en las dos últimas temporadas.

Homeland 04

Y ya termino 😅 señalando la ambigüedad moral de la serie. Si bien las tres primeras temporadas tenían un ligero tufillo propagandístico yanqui (algo por otro parte «normal», teniendo en cuenta que aún coleaban las consecuencias del 11-S), este aspecto fue cambiando de forma gradual hasta llegar a cuestionarse el intervencionismo estadounidense en políticas extranjeras, sus abusos de poder y su necesidad de sacarse la chorra cada dos por tres para ver quién la tiene más larga (la colección de misiles, quiero decir).

Y aunque se dice mucho de otras producciones, en esta serie es mucho más patente la casi inexistencia de tonos blancos y negros extremos; los personajes, de un bando o de otro, son lo bastante humanos (dentro de lo que es una obra de ficción), con sus virtudes y sus defectos, para que sus decisiones y comportamientos se encuadren en una escala de grises donde es muy difícil elegir qué está bien y qué está mal. Por supuesto, muchas veces esas decisiones no son perfectas y difícilmente resultan satisfactorias para todo el mundo… o acaban siendo un acierto por un lado, pero destrozan alguna otra cosa.

Homeland en el Saturday Night Live

Os dejo con una parodia de la serie realizada en el Saturday Night Live con Anne Hathaway como protagonista

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La Seducción (2017), histeria y despertar sexual

La Seducción - poster

La Seducción es un drama romántico dirigido por Sofía Coppola (Lost in Translation, The Bling Ring, A Very Murray Christmas) con un impresionante elenco de estrellas formado por Nicole Kidman (Cold Mountain, Invasión, La Brújula Dorada), Kirsten Dunst (Todas las Cosas Buenas, Melancolía, Un Amor entre Dos Mundos), Elle Fanning (Somewhere, Maléfica, The Neon Demon) y Colin Farrell (El Imaginario del Doctor Parnassus, Total Recall: Desafío Total, Animales Fantásticos y dónde Encontrarlos). Es una adaptación de la novela «A Painted Devil» / «The Beguiled» de Thomas Cullinan, que ya fue objeto de una versión cinematográfica en 1971, con la dirección de Don Siegel y el protagonismo de un joven Clint Eastwood.

La Seducción 01

Año 1864. Durante la Guerra de Secesión, la tranquilidad del internado para señoritas de Martha Farnsworth se ve alterado por la llegada de un soldado de la Unión herido que removerá sentimientos entre sus integrantes.

Sofia Coppola enfoca esta versión de la historia en mostrarla desde el punto de vista de las mujeres, en contraposición a la adaptación previa en la que el protagonista era el hombre. Coppola ya ha demostrado en películas anteriores que entiende y sabe plasmar perfectamente a los personajes femeninos, en contraposición a algunos realizadores y realizadoras contemporáneos que no dudan en colgarse rápidamente inmerecidas medallas de feminismo (mal entendido).

La Seducción 02

La cinta recupera el tono optimista y luminoso de las primeras películas de la directora, algo de lo que se había alejado en trabajos anteriores a ésta. Ciertamente resulta muy bonita a nivel visual y técnico, llena de detalles y con una más que sobresaliente labor de fotografía, ambientación y vestuario. No obstante, la historia se queda muy endeble y plana, con un escaso desarrollo de personajes y sin llegar a profundizar demasiado en los temas que presenta.

Trailer de La Seducción

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La Seducción 03

Giallo (2009), un autohomenaje de Dario Argento

Giallo es un thriller de intriga y terror, es decir, un giallo (perdón por la redundancia cíclica). Está dirigido por Dario Argento, conocido por sus trabajos dentro de dicho género (El Pájaro de las Plumas de Cristal, El Gato de las 9 Colas, Cuatro Moscas sobre Terciopelo Gris) , y su influencia en películas de terror y slashers. Protagonizan Adrien Brody (El Pianista, Viaje a Darjeeling, Splice. Experimento Mortal), Emmanuelle Seigner (Frenético, Lunas de Hiel, La Novena Puerta) y Elsa Pataky (Beyond Re-Animator, Romasanta. La Caza de la Bestia, Serpientes en el Avión).

Celine, una top-model internacional, es secuestrada por un sádico asesino en serie conocido con el sobrenombre de “Amarillo” (o sea «Giallo») que tortura a sus víctimas durante días antes de matarlas. Linda, hermana de Celine y azafata, había quedado con ella en Torino antes de su desaparición. Preocupada acude a la policía y conoce al inspector Enzo Lavia, un excéntrico detective que no se lleva bien con el resto del departamento y que está haciendo todo lo posible por atrapar al asesino.

El giallo es un género italiano de literatura y cine del siglo XX que tuvo su mayor apogeo desde los años 60 hasta los 80. Aunque Mario Bava es catalogado como el creador del cine giallo, con La Muchacha que Sabía Demasiado (1963), fue Dario Argento quien le dio fama y lo popularizó fuera de Italia.

Casi 30 años después de su época de esplendor, con esta cinta Argento rinde un tributo a dicho género, sin que quede muy claro si su intención es homenajearlo, parodiarlo, reírse de sí mismo, o tentar a sus seguidores con un producto que no es lo que parece (o todo a la vez). La «broma» comienza desde el mismo título, cuyo significado es ambiguo, aparentando señalar en una dirección aunque con un significado real que va por otro lado. La película parece de bajo presupuesto, pero de forma muy forzada y magnificada a niveles ridículos. Los actores (y sus personajes) son planos y rozan el ridículo en ocasiones. La producción técnica parece tan pobre como la del peor telefilm de sobremesa imaginable, sin embargo hay elementos destacables (como el uso de la banda sonora, el manejo de la cámara o el uso de luces y sombras). El ritmo es inestable y por momentos se hace pesado seguir la historia.

¿Giallo es o no es un giallo?

Hay elementos característicos del género pero metidos de forma tan burda, que parece que el director nunca ha hecho (o visto) una peli de este estilo y está rodando siguiendo una guía para torpes. En la parte positiva (o menos negativa), tenemos atmósferas opresivas y enrarecidas, personajes ambiguos, mujeres en peligro, un policía de pasado traumático obsesionado con el caso, un villano demente y también de pasado traumático, pistas y claves para que los protagonistas den vueltas persiguiendo al malo, algún que otro giro ilógico o mal resuelto. En la parte más negativa, diálogos de relleno, investigación muy lineal y todo lo relacionado con la casquería más desagradable propio del giallo se ve reducido al sadismo infantil del asesino, poca violencia, torturas más sicológicas que físicas, alguna que otra mutilación aceptable y una palpable falta de sangre en todo momento.

Como dije antes, uno no sabe si tomarse esto en serio o como una broma personal. Algo que, por otra parte, resulta muy habitual en directores con un estilo muy propio y una carrera dilatada a sus espaldas.

Nota curiosa: hay un juego de dualidad entre perseguidor y perseguido que va más allá de lo que nos cuenta la propia trama (ese pasado traumático compartido, por ejemplo). Aunque es muy evidente (ese perfil es inconfundible) no lo voy a revelar puesto que en los créditos de la película también se oculta a través de un sencillo anagrama 😋

Trailer de Giallo

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Bigfoot (2012) – un zurullo enorme marca Asylum

Bigfoot es una mierda enormísima, que tiene pinta de joya por momentos, porque es imposible hacer las cosas tan tan mal a propósito. Hay un fondo naif que hace que te entren ganas de abrazar al director y al reparto y decirles que no pasa nada, que ya se acabó… ojalá.

No sé cómo llegaron a convencer a Alice Cooper de salir 2 minutos en la película, porque no le hace ningún favor a su carrera, ni musical ni cinematográfica. Sus pequeños cameos en Wayne’s World o incluso Monk, son dignos de una estatuilla en comparación.

Fotografía de Bigfoot
El Bigfoot «real», que no es más que un señor grande vestido con pieles de oso, es más creíble que esta película entera.

Empecemos por el reparto

En Biigfoot hay caras conocidas de la serie B como Sherilyn Fenn, Bruce Davison o Howard Hesseman, que te suenan sólo cuando ves una foto de ellos, pero te costará hacer un ejercicio de memoria para recordar un único título; además de Bigfoot, que con suerte se te olvidará al acabar este post… si lo acabas.

Estos 3 conocidillos sé que pueden hacerlo mejor de lo que lo han hecho. Aquí parecen sacados de un mal proyecto escolar, lo que me hace pensar directamente en el director y guionistas…

En qué estaban pensando? Uno de los actores, casi el protagonista, Danny Bonaduce, llegado un momento se cae a rebolos al subir un trozo de monte. Se cae el actor, no el personaje… y como «profesional» continúa. De verdad a nadie se le ocurrió repetir esa escena para no dejarlo en ridículo? Os respondo: sí, pero no.

Se les habrá ocurrido a todos, y al actor de primero, pero pasa una cosa con las películas de ultra-bajo presupuesto, que no hay presupuesto. No hay presupuesto ni para lavandería, y a este actor se le había manchado la ropa, así que… sigamos rodando. Sigamos rodando con tan mala pata que al bajar más adelante por ese mismo sitio resbala y se vuelve a caer.

Sigamos con la historia

Bigfoot tiene pies, pero no cabeza. La película quiere que te quedes con un mensaje pro-naturaleza, defensa de los bosques, y de los animales que lo habitan, pero lo que consigue es que quieras salir a la calle con un lanzallamas y asesinar a todo aquel que haya visto esta película. Sería un final más digno que tener que recordarla más tiempo.

Un locutor de radio quiere montar un festival de rock ochentero en un campo del pueblo en el que vive (que dependiendo del plano aéreo que tomen, es un pueblo o una megaurbe), habla de Sting, y los 5000 fans que vendrán a verlo, y al final vienen Alice Cooper y 30 personas.

Para el festi, tienen que talar unos cuantos árboles porque sino la gente no tendrá sitio. Y me remito al párrafo anterior… 30 personas.

Mientras los leñadores van a lo suyo, sin venir mucho a cuento aparece Bigfoot con más pena que gloria.

Imagen de Bigfoot
Sí niños, esto es Bigfoot.

Es uno de los peores usos del CGI que he visto en años, y he visto mucha mierda, eh… Mal dimensionado, mal texturizado, mal sombreado y peor integrado en pantalla.

Es un maldito sinsentido que se dedica a pisar gente (que previamente se ha agachado para no sobresalir por encima del pie CGI del bicho) o comerles la cabeza (literalmente).

Un raccord de récord

Hasta la mitad de la película son cosas sin demasiada importancia, escenas repetidas, vasos medio llenos y lo habitual que a casi todos se nos puede colar, pero llega un momento en el que Bigfoot está en modo berserker que comienza la orgía de errores: bigfoot gira una esquina en un pueblo, pero aparece en una ciudad, coches que cambian de color, helicópteros que cambian de modelo entre planos, ropa muy muy sucia que deja de estarlo, y estoy casi seguro que hay gente que muere más de una vez.

Bueno, entonces no la veo, no?

Solo no, no la veas. Guárdala para cuando podamos hacer una reunión de colegas, lleva algo de alcohol y mucho picoteo, porque aunque sea una película mala como la peste, te puedes echar unas risas finas a costa de lo mal que está todo.

Os dejo el tráiler de Bigfoot

Gorrión Rojo (2018), al otro lado del telón de acero

Gorrión Rojo - poster

Gorrión Rojo es un thriller de espionaje ambientado en la época posterior a la Guerra Fría. Está dirigido por Francis Lawrence (Constantine, Los Juegos del Hambre: En Llamas y las dos partes de Los Juegos del Hambre: Sinsajo); el guión de Justin Haythe (Revolutionary Road, La Cura del Bienestar), adapta el libro de Jason Matthews, ex-diplomático de la CIA. Protagonizan Jennifer Lawrence (La Casa al Final de la Calle, la saga Los Juegos del Hambre, Passengers) y Joel Edgerton (El Rey Arturo, el reboot/precuela/whatever de La Cosa (The Thing), La Venganza de Jane), con un nutrido reparto de conocidos secundarios entre los que podríamos destacar a Charlotte Rampling (Caótica Ana, Melancolía, Broadchurch -segunda temporada-), Mary-Louise Parker (El Dragón Rojo, Las Crónicas de Spiderwick, R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal), Ciarán Hinds (Roma, La Mujer de Negro, Juego de Tronos) o Jeremy Irons (La Máquina del Tiempo, Eragon, El Color de la Magia).

Dominika Egorova, destacada bailarina del Ballet Bolshoi, sufre un accidente durante una actuación y se ve obligada a convertirse en un Gorrión Rojo, una seductora espía al servicio de la seguridad del Estado. A pesar de su reluctancia inicial se convierte en uno de los activos más sólidos del programa; su primer objetivo es Nate Nash, un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa.

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Nos encontramos ante una cinta de espías bastante maja, con un tono que la acerca más a algunos clásicos del género, más centrada en la trama y no tan enfocada en la pirotecnica y la acción que podemos encontrar en otras multisagas recientes en las que también salen espías… túyasabes 😋 Que no es por desmerecer un estilo frente al otro, sino simplemente por señalar que son cosas muy diferentes. Vamos, que no estamos ante una peli protagonizada por una superespía infalible que reparte estopa a diestro y siniestro y a la que todo le sale bien… o algo así…

La historia presenta una continúa lucha de lealtades entre la CIA y el Servicio de Inteligencia Ruso, a la vez que desvela la superficialidad de esos juegos de poder en un entorno sociopolítico en el que existen problemas mucho más graves que ver quién la tiene más larga. Por supuesto, la conclusión es que la lealtad más importante es para con uno mismo y sus allegados (que no siempre son los cosanguíneos), por encima de patriotismos, banderas y demás parafernalia inútil.

Gorrión Rojo 03

La trama es sórdida y brutal cuando lo necesita, con giros, traiciones, suspense y drama. Tiene momentos de tortura bastante gráficos y durillos; y también violencia explícita y «realista» en las pocas peleas que vemos… La producción está muy cuidada en todos sus apartados técnicos: fotografía, escenarios, vestuario, banda sonora… Su ritmo pausado a la vez que trepidante consigue que sus casi dos horas y media se pasen (casi) volando.

Podría dar para una interesante sesión doble con Atómica (2017).

Trailer de Gorrión Rojo

[imdb]tt2873282[/imdb]

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Parásito Parte 1 y 2 (2014-2015) – salvajada

Cartel de la película Parásito, de 2014.

Mientras el mundo pierde la cabeza con Parásitos, de 2019, y con razón, nos dejamos a otro bichejo en el olvido… Parásito, de 2014 y secuela de 2015, un live action basado en un manga homónimo que dicen que revolucionó el mundo comiquero nipón. No sé hasta qué punto puede ser cierta esta última afirmación, pero sobre la película he decir una cosita: me ha encantado.

La Tierra es invadida por unos seres extraterrestres que se introducen en el cerebro de los humanos tomando control de sus cuerpos. Un adolescente impide que se finalice el proceso cuando uno de estos alienígenas se introduce en su mano, terminando como parásito de su cuerpo en una relación en la que ambos tienen sus personalidades intactas. Juntos, lucharán contra el resto de parásitos que devoran humanos.

De esta película, primera y segunda parte, ya hiciera D.Ego un par de reviews en 2016, pero no fue hasta este fin de semana que he podido verlas, y no me puedo contener a decir un par de cositas, aunque suscriba todas y cada una de las palabras de mi compañero en sus reviews, aquí y aquí.
Shinichi y Migi

Dirigida por Takashi Yamazaki, se trata de la adaptación al cine del manga del mismo título de Hitoshi Iwaaki. No soy yo muy fan de manga, y si me sacas de clásicos como Akira, Ghost in the shell, Patlabor o cosas de la época, estoy más perdido que un pulpo en un garaje, pero a los animes y live actions sí les suelo dar una oportunidad, porque me sirven como introducción para esas obras de las que salen. Parásito es un claro ejemplo: ahora quiero tener todos los mangas.

La historia es una ida de olla muy fina y loca, y es un soplo de aire fresco al género de ciencia ficción, que lleva muchos años estancado viviendo de las rentas y guiones de 4 clásicos y haciéndoles pequeños retoques. Los suficientes como para no recibir una demanda por plagio y les permita cubrir gastos para pagarse la siguiente película.

Afortunadamente, cada X tiempo tenemos un Neo, un elegido, que nos abrirá los ojos a la realidad que hay tras el muro de lo comercial. Films más valientes que se salen de la norma, bien sea por su historia, su puesta en escena o por un aspecto más técnico.

No creamos tampoco que Parásito es una obra original al 100% (llevamos tanto cine detrás que afirmar algo así se nos antoja casi imposible, en ninguna película), porque podemos ver elementos de La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956) y de Hidden: Lo oculto (Jack Sholder, 1987), como primeras opciones, pero saliendo de esa base, han sabido crear un universo fantástico donde no importa de dónde venga la historia, sino hacia dónde va y cómo lo hará.. Todo perfectamente mezclado con esa parsimonia que acompaña al cine nipón y ese humor tan raro que tienen.

Ah, me olvidaba de algo… el maravilloso Gore que son capaces de crear.

Retomando la sinopsis, Migi, que así se llama el parásito protagonista, falla en su intento de meterse en el cerebro de su huesped asignado Shinichi, porque éste estaba durmiendo con los auriculares puestos, y cuando intentó entrar por la nariz, despertó al huesped, así que no le quedó más remedio que entrar por donde pudiera cuanto antes, para no morir… La mano derecha de Shinichi fue la única opción.

A partir de ese momento comienza una historia de supervivencia donde el resto de parásitos quieren acabar con «esta rareza» de híbrido creado entre Shinichi y Migi. Todo ello salpicado con las típicas historietas de romance, amistad, familia y honor que tenemos en casi todo el cine japo.

El prota es un poco hostiable de la cara de sueño y pocas ganas que tiene durante toda la película, pero es un contrapunto cojonudo para la aventura que está viviendo… algo rollo Mono borracho pero con un tío soso rodeado de bichoños. Lo mejor de este prota, es su mano derecha, Migi, que está genial hecho y concebido.

El o La, o Los o Las, antagonistas de Shinichi/Migi también están guay y todos los masillas que van apareciendo a lo largo de las películas molan mucho, salvo cuando se ponen en plan filosófico a soltar una perolata de supremacía (los japos son tan creativos para unas cosas y tan típicos para otras) antes de morir.

Parásito hay que verla, tanto la primera parte como la segunda. Aunque sobre la segunda os adelanto que es un poco más lenta y densa que la primera, pero la parte buena, que también os adelanto para que no empecéis a suspirar, es que cierran la historia.

Os dejo el tráiler de Parásito Parte 1

Decir que también ha tenido un Anime, del que el compañero D.Ego hizo su review hace un tiempo, y que podéis leer aquí.

Staged -Temporadas 1 y 2- (2020-2021), risas confinadas

Staged - poster

Staged es una comedia de la BBC, escrita y dirigida por Simon Evans. Está interpretada principalmente por David Tennant (Doctor Who, Jessica Jones, Good Omens) y Michael Sheen (Animales Nocturnos, Passengers, Good Omens), con varios invitados especiales a lo largo de sus 14 episodios (6 en la temporada 1 y 8 en la temporada 2).

Staged 01

En la primera temporada, Simon Evans, el inseguro director de la obra «Seis personajes en busca de autor» de Luigi Pirandello, intenta que Michael Sheen y David Tennant ensayen la representación mediante videoconferencia durante el confinamiento. Dicho ensayo se ve postergado debido a distracciones, aburrimiento y el enorme ego de los actores.

En la segunda temporada, los «verdaderos» David y Michael reaccionan al éxito de la serie y se enfrentan a la posibilidad de una segunda temporada o a un remake estadounidense que no cuenta con ellos.

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Los episodios son muy cortos, apenas 15 minutos, y orbitan principalmente sobre la química existente entre los dos actores y su intercambio de videollamadas durante el confinamiento. Los infructuosos intentos de ensayar la obra dirigida por Simon Evans, el tercero en discordia (director de teatro y televisión que también se autorridiculiza en su papel) se cruzan con su rutina diaria, enfrentamientos, celos, rivalidades y reflexiones variadas tanto profundas como superficiales (todo un episodio está dedicado a discutir y decidir sobre qué nombre aparecerá primero en el cartel de la obra).

Staged 03

Completan el escueto reparto Georgia Tennant y Anna Lundberg, las respectivas parejas de ambos actores (que aportan el contrapunto «realista», convirtiendo a los protagonistas en dos niños grandes 😁) y Lucy Eaton, la hermana de Simon Evans. La primera temporada cuenta con las apariciones especiales de Samuel L. Jackson, Adrian Lester («lead actor in Staged» 😋), y Judi Dench. La segunda temporada tiene algún invitado más, sobre todo con la coña de los posibles protagonistas del remake americano: Michael Palin, Nick Frost, Simon Pegg, Christoph Waltz, Ewan McGregor, Ken Jeong, Jim Parsons, Phoebe Waller-Bridge y Cate Blanchett.

En fin, poco más que decir. Una serie corta, ágil, fresca y muy divertida sobre la amistad y otras hierbas que crecen entre medias.

Staged: Comic Relief Special – Red Nose Day 2021

En lugar de un trailer, como suele ser habitual en este punto, os dejo con el especial del Red Nose Day 2021 que Michael Tennant y David Sheen 🙄 hicieron para el Comic Relief con el estilo característico de la serie:

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Cool World (1992), una película entre dos mundos

Cool World - poster

Cool World es una peli de aventuras fantásticas con toques de cine negro, en la que se mezcla animación con imagen real. Está dirigida por Ralph Bakshi (El Gato Fritz, El Señor de los Anillos) y cuenta con la participación de Gabriel Byrne (Gothic, Julia y Julia, Muerte entre las Flores), Kim Basinger (Nueve Semanas y Media, Cita a Ciegas, Batman) y Brad Pitt (Thelma & Louise, El Río de la Vida, Kalifornia), en uno de sus primeros papeles importantes.

Cool World 01

Cuando el ex-presidiario y dibujante Jack Deebs se encontraba entre rejas, descubrió un modo de evadirse creando Cool World, una serie de cómics con una voluptuosa protagonista llamada Holli Would. Pero el dibujante acaba siendo prisionero de sus propias fantasías cuando Holli le arrastra a Cool World, con intención de seducirle y así convertirse ella en un ser real.

En tiempos pasados, a la gran industria hollywoodiense se le daba por hacer este tipo de experimentos muy de vez en cuando, aunque la tecnología no ofrecía unos resultados muy vistosos. Por citar algunos ejemplos dispersos: Fantasía (1940), Levando Anclas (1945) -la escena de Gene Kelly bailando con el ratón Jerry es una de mis favoritas dentro de estas combinaciones, y creo que es una de las mejor logradas de todos los tiempos-, Los Tres Caballeros (1945), Mary Poppins (1964) y Pedro y el Dragón Elliott (1977).

Cool World 02

Muchas de esas películas muestran una gran labor de interacción entre animación y personajes de carne y hueso (la mayor parte de los casos son apenas unas escenas no el metraje completo), aunque nunca ha sido algo perfecto y realmente canta demasiado, sobre todo visto hoy en día, en el que es muy habitual ver a un actor de CGI integrado en una trama de imagen real sin apenas fisuras.

Supongo en este caso se intentaba replicar el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988), aunque claro, Bakshi le dio un tono más gamberro, disparatado y adulto, muy en su línea habitual, algo que sitúa a la película en terreno de nadie, que ni es para niños, ni llega a atraer el interés de los adultos.

Cool World 03

El mundo animado es pura locura y sin sentido, una parodia exagerada de tópicos clásicos de la animación en un entorno de cine negros. La historia es muy tontorrona y se desarrolla de forma lenta y a saltos; tarda demasiado en llegar al meollo, que queda todo apelotonado en la recta final, con un desenlace un tanto precipitado.

Trailer de Cool World

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Bajocero (2021) – Rubalcaba approves

Cartel de Bajocero

Bajocero es un thriller policíaco bastante intenso y bien elaborado, con un reparto muy bien escogido y una serie de guiños a la actualidad nacional que te pueden sacar media sonrisa. Hasta aquí todo bien, lo malo viene con la resolución de uno de los problemas.

En una fría noche cerrada de invierno, en mitad de una carretera despoblada, un furgón policial blindado es asaltado durante un traslado de presos. Alguien busca a alguien de su interior. Martín, el policía conductor del furgón, consigue atrincherarse dentro del cubículo blindado con los reclusos. Obligado a entenderse con sus enemigos naturales, Martín tratará de sobrevivir y cumplir con su deber en una larga noche de pesadilla en el que se pondrán a prueba incluso sus principios.

Bajocero tiene una trama muy simple y nada original: asalto a furgón blindado. Lo importante aquí es, como siempre, «qué hay dentro del furgón?» y «por qué lo quiero?».

La respuesta a la primera pregunta la conocemos al poco de iniciar la película, cuando el malo, sin nombre todavía, habla por el walky al interior del furgón, y les dice que «sólo quiere a un preso» y que si se lo entregan, el resto pueden irse.

No sólo la trama es simple, sino también la escenografía: interior de un furgón con sus «mini-celdas», cabina del furgón, un par de exteriores tan oscuros que podrían ser perfectamente un decorado, un par de cromas vergonzosos y un pueblo abandonado. No hace falta más, pero entiendo que esto ha sido «tan» así por temas pandémicos y demás.

El reparto está perfecto y son muy reales, excepto el prota, Javier Gutiérrez, que mide 1’64, quedándose un centímetro por debajo del requisito para ser Policía Nacional, pero al margen de esta gilipollez, está guay en el papel.

Uno de los guiños que menciono en el primer párrafo es sobre uno de los presos, que es todo un homenaje a Luis Bárcenas… «un simple contable» xD

Fotograma de Bajocero

Bajocero se sigue muy bien, es muy planita y no hay que hacer cuentas para entender las cosas. Guión y dirección se llevan de maravilla y la fotografía, salvo un par de cromas indecentes, está muy guay. Tiene, además, uno de los momentos de tensión más logrados del cine español de los últimos tiempos… pero para no entrar en spoilers sólo diré «el frenazo». Lo disfruté como un enano.

Es una película que merece la pena para pasar un rato entretenido, y aunque no soy nada fan del final (lo comento después del tráiler, con spoilers), puede servir como tema de conversación para después de verla.

Tráiler de Bajocero

La polémica de Bajocero

Ojo, la polémica que veo yo, que igual exagero… o no.

[spoiler]A ver, que al final Martín quiera ayudar a Miguel a sacarle la información al Nano por la fuerza es una cosa que está muy bien, pero cuando le revientas la mano de un escopetazo entras en territorio Rubalcaba y no mola nada, porque el mensaje que transmites al final es «sólo se gana con violencia», y en una película con tintes de realista, es un mensaje muy peligroso.

Además, queda fatal… el máximo exponente de la defensa de la ley y el sistema termina echando todo por la borda para ayudar a la persona que mató a 2 policías, prendió fuego a 2 presos e intentó matar a los demás, en resumidas cuentas, para satisfacer una vendetta personal contra un hijueputa.

Hay formas mucho más elegantes de resolver el problema sin tener que poner a un policía, con la imagen que tienen ahora mismo, a torturar a nadie. Y no me vengáis con chorradas de «empatía», porque no se trata de eso.

Y terminas pensando que, el Montesinos, que era el «poli malo» al final no eran tan malo, porque después de dado por muerto, comenzó la persecución del furgón para intentar detener a Miguel.

En fin, thriller bien, vendettas también, tomarse la justicia por la mano en una película con tintes de realidad mal.

Por cierto, este era otro de los guiños a la actualidad nacional, que mencioné antes… es un caso como el de Marta del Castillo o Las niñas de Alcácer… si no sabéis de qué hablo, buscad en Google.

Y con el final final, no me queda claro si lo expulsan del cuerpo o qué… hay miraditas de algún compañero que podrían apuntar a esto, pero no sé.[/spoiler]

Amor de Gata (2020), ¿a qué huele el Sol?

Amor de Gata es una película de animación de fantasía romántica, dirigida por Jun’ichi Satô (responsable de las dos primeras temporadas de Sailor Moon, de las adaptaciones del manga Aria, o del storyboard de Evangelion) y Tomotaka Shibayama (que formó parte del departamento de animación de El Viaje de Chihiro y La Chica que Saltaba a Través del Tiempo); está escrita por Mari Okada (El Himno del Corazón, Maquia, una Historia de Amor Inmortal).

Miyo «Muge» Sasaki es una joven estudiante de secundaria que se ha enamorado de su compañero Kento Hinode, pero sólo consigue llamar su atención cuando obtiene, de manera fortuita, la habilidad de transformarse en gato. Sin embargo, poco a poco, los límites entre ella y el animal se van haciendo difusos.

El argumento en sí no es especialmente novedoso. Una historia de amor (y obsesión) un pelín ingenua, en la que uno de los protagonistas consigue una forma de acercarse y conocer al otro ocultando su identidad accidentalmente. El avance de la trama hace que los personajes empiecen a conectar, pero llega un momento en el que se hace necesario revelar la verdad, lo que podría provocar una ruptura.

En fin, por esa parte nada nuevo que no se haya visto en innumerables comedias románticas o similares: el miedo a mostrarnos tal como somos y lo fácil que puede resultar, en principio, fingir ser otra cosa. Habría que destacar, eso sí, un viaje al Reino de los Espíritus en el tramo final, que puede recordarnos mucho a algunas partes de El Viaje de Chihiro, y que deriva el género de la cinta hacia una aventura contrarreloj.

A nivel técnico, señalar la maravillosa definición y desarrollo de los personajes, tanto principales como secundarios; la animación está muy cuidada y llena de detalles, con una muy buena labor de integración con los efectos digitales; y la banda sonora acompaña de forma perfecta a la narración acorde en todo momento.

Trailer de Amor de Gata

[imdb]tt11958344[/imdb]

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