Archivo de la categoría: Críticas

Críticas, Películas

Caballeros, princesas y otras bestias (2011), porros, chistes de tetas y un culo de mentira

Deja un comentario
Caballeros, princesas y otras bestias - poster

Caballeros, princesas y otras bestias (más que correcta traducción de Your highness) es una comedia medieval de aventuras con elementos de fantasía épica dirigida por David Gordon Green (Superfumados (Pineapple Express), De culo y cuesta abajo (Eastbound & Down)). Protagonizan Danny McBride (Fanboys, Salidos de cuentas), James Franco (Noche loca, 127 horas), Natalie Portman (Hesher, Cisne negro), Zooey Deschanel (El incidente, (500) días juntos) y Justin Theroux (Corrupción en Miami, Los diez locos mandamientos).

Sinopsis de «Caballeros, princesas y otras bestias»

Caballeros, princesas y otras bestias 01
Dos príncipes, Thadeous y Fabious, emprenden una misión para rescatar a Belladonna, la prometida de Fabious, secuestrada por el malvado mago Leezar. A lo largo de su viaje, se encuentran con Isabel, una guerrera que busca venganza.

Ideal para una noche de humor ligero

Caballeros, princesas y otras bestias 02

Caballeros, princesas y otras bestias se caracteriza por su humor grosero y escatológico, que busca la irreverencia y la parodia de los clichés del género de espada y brujería y no siempre lo consigue. Por lo general se conforma con chistes facilones, escatológicos y poco originales, lo cual acaba por hacerse cansino y repetitivo.

La trama es bastante predecible y carece de sorpresas. Se centra principalmente en una serie de situaciones cómicas que no siempre están bien conectadas entre sí.

Caballeros, princesas y otras bestias 03

Además, el tono es bastante irregular. Hay (demasiados) momentos de comedia tontorrona que se mezclan con (unos pocos) que parecen tomarse demasiado en serio, intentando ser más emotivos o, incluso, épicos, pero esa combinación no funciona del todo, transmitiendo una sensación de desequilibrio.

A pesar de contar con un reparto atractivo, el grupo de actores está claramente desaprovechado, destacando únicamente la química existente entre Danny McBride y James Franco, quienes ofrecen algunos momentos de comedia efectiva, especialmente cuando sus personalidades chocan de forma absurda. Todos los personajes, en general, son arquetipos que solo sirven como vehículos para los chistes, con lo cual no cuentan con un desarrollo como tal.

Caballeros, princesas y otras bestias 04

Trailer de «Caballeros, princesas y otras bestias»

[imdb]tt1240982[/imdb]

Bichoños, Críticas, Dibujos Animados, Películas

Planeta Hulk (2010), Espartaco galáctico

Deja un comentario
Planeta Hulk - poster

Planeta Hulk es una película animada dirigida por Sam Liu (Batman contra Drácula, Superman y Batman: Enemigos públicos), basada en el arco argumental del mismo nombre escrito por Greg Pak y publicado por Marvel Comics en la colección Hulk (vol.2) números 92 a 105.

Sinopsis de «Planeta Hulk»

Planeta Hulk 01
Hulk es exiliado de la Tierra por los Illuminati (iluminados ellos) y, por accidente, acaba en el brutal planeta Sakaar donde es esclavizado y forzado a participar en brutales juegos de gladiadores. El Goliath Verde se ve obligado a adaptarse y a encontrar un nuevo propósito en este mundo hostil, formando alianzas y liderando una rebelión contra el tiránico Rey Rojo.

Un hombre debe aceptar su destino o ser destruido por él

Planeta Hulk 02

Planeta Hulk nos lleva a un rincón del universo repleto de acción, drama y dilemas morales en una historia épica que combina ciencia ficción, gladiadores y la lucha por la libertad, con Hulk en el papel de un inesperado héroe. Al contrario de otras adaptaciones más conocidas y populares, el personaje no se presenta solo como una criatura enfurecida, sino como un ser complejo que encuentra en la adversidad un propósito mayor y experimenta una interesante evolución a lo largo de la trama.

Las secuencias de combate son intensas y emocionantes, mostrando la brutalidad de los juegos de gladiadores y el poderío de Hulk. Las coreografías de lucha resultan emocionantes, transmitiendo el caos de los enfrentamientos de gladiadores, así como mostrando la fuerza bruta del protagonista y su evolución como líder. La cinta no se anda con rodeos a la hora de mostrar violencia y temas más serios y menos «infantiles». La animación fluida y el diseño de producción contribuyen a crear un espectáculo visual impactante.

Planeta Hulk 03

Dentro de la trama se abordan temas de opresión, lucha por la libertad, sacrificio y redención, dándole un peso emocional que conecta con el espectador.

Evidentemente hay diferencias notables con la historia original. Condensar una docena de comics en unos 80 minutos es muy complicado, y esto limita la profundidad que se podría haber alcanzado, haciendo que el ritmo se acelere en muchos momentos, lo que afecta al desarrollo de algunos personajes secundarios y de varias subtramas. Aún así, la película logra mantener la esencia de la historia y ofrecer una experiencia satisfactoria.

Planeta Hulk 04

Trailer de «Planeta Hulk»

[imdb]tt1483025[/imdb]

Anime, Bichoños, Críticas, Dibujos Animados, Series

Dan Da Dan -Temporada 1- (2024), una joya sin más

Deja un comentario
Dan Da Dan - poster

Dan Da Dan es una serie de animación que adapta el exitoso manga del mismo nombre escrito y dibujado por Yukinobu Tatsu desde 2021. Esta primera temporada consta de 12 episodios realizados por el estudio Science SARU que ha realizado un trabajo excepcional captando toda la esencia de la obra original.

Sinopsis de «Dan Da Dan»

Momo Ayase es una chica de secundaria que defiende a un compañero contra unos acosadores. Momo cree en los seres sobrenaturales, mientras que este compañero cree en los extraterrestres; al mismo tiempo ambos se burlan de las creencias del otro. Para demostrar quién tiene razón, deciden hacer una apuesta que les lleva a visitar por separado lugares asociados con lo oculto y con la presencia alienígena. De esta forma descubren que ambos tienen razón. Y así empieza todo.
Dan Da Dan 01

El comienzo de un amor en los límites de la realidad

A priori Dan Da Dan podría parecer la típica serie japonesa de adolescentes, con el tímido empollón enamorado de la chica guapa del instituto. Sin embargo, consigue un elevado grado de originalidad al ofrecer una equilibrada combinación de elementos de acción, comedia, ciencia ficción, elementos sobrenaturales y, sí, también romance. La serie logra pasar de momentos de tensión y peleas espectaculares a situaciones cómicas y emotivas sin que se sienta forzado. Este cóctel mantiene al lector/espectador enganchado y ofrece una experiencia variada y entretenida.

(En este post, todo lo escrito hace referencia tanto al manga como a su versión animada, ya que la adaptación, por ahora, es completamente fiel sin muchas variaciones importantes).

Dan Da Dan 02

Otro elemento destacable es la capacidad de Tatsu para crear personajes absolutamente carismáticos, diferenciados y con trasfondos propios y particulares. Sus personalidades definidas y, en ciertos aspectos, completamente opuestas provocan que las interacciones entre ellos sean dinámicas y den lugar a situaciones divertidas y entrañables. Las relaciones entre los personajes (no solo entre los dos protagonistas) se desarrollan de forma natural, sin caer en clichés ni en recursos artificiosos, ofreciendo un balance entre las risas y los momentos tiernos/dramáticos (que también los hay y más de los que podría parecer).

Los diseños de Yukinobu Tatsu para las diferentes criaturas, monstruos, yokai y extraterrestres son excepcionales. Creativos, grotescos y, a menudo, hilarantes. Nuevamente, cada antagonista no se limita a ser el simple enemigo a abatir, sino que todos tienen un trasfondo definido y bien desarrollado.

Además, tanto en los diseños de las criaturas, como en algunos elementos de la trama podemos encontrar múltiples referencias y homenajes a diferentes elementos de la cultura popular (no solo asiática). Por citar algún ejemplo de los más evidentes, tenemos al Monstruo del Lago Ness, a Godzilla, a la criatura de la Laguna Negra, robots gigantes, los mitos de Lovecraft…

Dan Da Dan 03

Las escenas de acción están llenas de dinamismo y claridad, lo que asegura que cada batalla sea un espectáculo visual.

El humor extravagante puede no ser del gusto de todo el mundo. Excéntrico, absurdo y completamente demencial, ofrece un contraste radical con escenas profundamente serias y dramáticas.

Por otro lado, la serie no se limita a ser una simple comedia de aventuras, también aborda temas más profundos como la conexión humana, la amistad, la aceptación de lo diferente y la exploración de las creencias personales. También rompe con los estereotipos de género en el shonen tradicional, ofreciendo una narrativa donde todos los tópicos son constantemente subvertidos.

Dan Da Dan 04

Trailer de «Dan Da Dan»

[imdb]tt30217403[/imdb]

Críticas, Películas

Melancolía (2011), la belleza del fin del mundo

Deja un comentario
Melancolía - poster

Melancolía es una película dirigida por Lars von Trier (Bailar en la oscuridad, Dogville) que se destaca tanto por su belleza visual como por su audaz exploración de temas profundos y, en ocasiones, desalentadores. Protagonizan Kirsten Dunst (María Antonieta, Todas las cosas buenas), Charlotte Gainsbourg (I’m not there, Anticristo), Kiefer Sutherland (La sombra de la sospecha, Reflejos (Mirrors)), Charlotte Rampling (Nunca me abandones, El molino y la cruz) y Alexander Skarsgård (Kill your darlings, Metropia).

Sinopsis de «Melancolía»

Melancolía 01
Justine y su prometido Michael celebran su boda con una suntuosa fiesta en casa de su hermana y su cuñado. Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la Tierra…

Una simbiosis perfecta entre la belleza y el horror

Melancolía es una obra compleja y ambiciosa de Lars von Trier que nos sumerge en un universo visualmente deslumbrante y emocionalmente perturbador. No soy muy fan de la filmografía del director, tampoco he visto muchas de sus pelis, pero esta es absolutamente fascinante.

Melancolía 02

Desde el comienzo, establece su tono ominoso con una secuencia de apertura impresionante y onírica, llena de imágenes de pesadilla subrayadas por la música de Wagner (Tristán e Isolda), que presagian el final del mundo. Esta introducción establece el escenario para una narrativa que oscila entre lo personal y lo cósmico.

Más allá de ser otra película sobre el fin del mundo, nos encontramos ante un profundo retrato psicológico de la depresión y un análisis de la existencia, la desesperanza y la naturaleza cíclica de la vida. La protagonista está sumida en una profunda melancolía que encuentra en el inminente fin del mundo una especie de liberación. La cinta refleja de manera visceral y poética los abismos de la depresión, convirtiendo la pantalla en un lienzo de los sentimientos más oscuros.

Melancolía 03

El guion es tan potente como ambiguo, dejando mucho espacio para la interpretación. Hay diversos elementos en la historia, como la relación entre las dos hermanas, la figura del padre, o el significado simbólico del planeta Melancolía, que invitan al espectador a reflexionar sobre la condición humana, la muerte y la existencia.

En definitiva, no estamos ante una película fácil de digerir. Su ritmo lento, su tono melancólico y su final abierto pueden resultar desconcertantes. Sin embargo, para aquellos que se adentran en su universo, es una experiencia cinematográfica única e inolvidable.

Melancolía 04

Trailer de «Melancolía»

[imdb]tt1527186[/imdb]

Críticas, Películas

Lost in translation (2003), una mirada íntima a la soledad y la conexión

Deja un comentario
Lost in translation - poster

Lost in translation es una pequeña obra maestra contemporánea dirigida por Sofia Coppola (Las vírgenes suicidas, María Antonieta) que explora de manera delicada y profunda la sensación de desconexión en un entorno extranjero. Protagonizan Bill Murray (El hombre que no sabía nada, Juegos salvajes), Scarlett Johansson (Ghost World, Arac Attack), Giovanni Ribisi (The Mod Squad (Escuadrón oculto), Premonición) y Anna Faris (Este cuerpo no es el mío, Desmadre en la nieve).

Sinopsis de «Lost in translation»

Bob Harris es un actor estadounidense en decadencia que viaja a Tokio para grabar anuncios publicitarios, y Charlotte es una joven recién casada que acompaña a su marido fotógrafo, quien parece más interesado en su trabajo que en ella. Perdidos en la inmensidad y el bullicio de Tokio, estos dos personajes solitarios encuentran consuelo mutuo y una conexión inexplicable.
Lost in translation 01

Un retrato melancólico de la soledad moderna

Curiosamente he comentado en el blog varias de las últimas películas de Sofia Coppola, pero no la que para mí es su obra maestra y que aun no ha superado.

Más allá de ser una simple historia de amor, Lost in Translation es un poema visual y emocional que captura con sutileza la soledad existencial y la desconexión humana en un mundo globalizado, abordando temas como la identidad, la madurez y la búsqueda de sentido en la vida. La directora emplea una narrativa sutil que evita los diálogos grandilocuentes y se centra en los gestos, las miradas y los silencios para transmitir las emociones de sus personajes. Los diálogos son naturales y a menudo poéticos en su simplicidad, y los silencios entre los personajes a menudo dicen más que las palabras.

Lost in translation 02

Bill Murray ofrece una actuación en la que equilibra la melancolía y el humor con una naturalidad que hace que su personaje sea profundamente entrañable. Cada línea, cada mirada y cada gesto nos hablan de un hombre que busca algo más en una etapa de su vida donde todo parece haber perdido sentido. Por su parte, Scarlett Johansson, en uno de sus primeros papeles importantes, aporta una vulnerabilidad, una tristeza sutil y una profundidad emocional que complementa perfectamente la actuación de su compañero. La química entre ambos actores es palpable y creíble, lo que nos hace empatizar más con sus personajes. No es una relación romántica típica, es un encuentro de dos almas que se entienden sin necesidad de palabras cuyo vínculo evoluciona con naturalidad.

Lost in translation 03

La vibrante y alienante metrópolis de Tokio funciona como un personaje más, creando un telón de fondo perfecto para la soledad y la búsqueda de significado de los protagonistas. La desorientación y la maravilla de encontrarse en un lugar tan distinto se enfatiza con el uso de luces de neón, anuncios estridentes y encuadres reflexivos que subraya la introspección de los personajes.

Como aspecto negativo, se podría decir que la historia se desarrolla con un ritmo demasiado pausado y contemplativo, pero lo cierto es que nunca llega a hacerse aburrida.

La escena final, donde Bob le susurra algo inaudible a Charlotte antes de despedirse, es uno de los momentos más memorables del cine contemporáneo. La frase sin revelar, invita al público a proyectar sus propios sentimientos y significados en ese instante. Es un cierre perfecto para una historia que celebra la belleza de lo efímero.

Lost in translation 04

Trailer de «Lost in translation»

[imdb]tt0335266[/imdb]

Críticas, Películas

El imaginario del Doctor Parnassus (2009), un derroche visual

Deja un comentario
El imaginario del Doctor Parnassus - poster

Con El imaginario del Doctor Parnassus, Terry Gilliam (Tideland, El secreto de los hermanos Grimm) nos invita a un viaje onírico, surrealista y lleno de simbolismos, donde la realidad se entrelaza con la fantasía de manera sublime. Protagonizan Christopher Plummer (Cerrando el círculo, La última estación), Heath Ledger (Candy, El caballero oscuro), Lily Cole (Supercañeras: El internado puede ser una fiesta, Rage), Andrew Garfield (Leones por corderos, Boy A), Tom Waits (El tigre y la nieve, Domino), Colin Farrell (El sueño de Casandra, Escondidos en Brujas), Johnny Depp (The Libertine, Charlie y la fábrica de chocolate) y Jude Law (Todos los hombres del rey, My blueberry nights).

Sinopsis de «El imaginario del Doctor Parnassus»

El imaginario del Doctor Parnassus 01

Con una extraordinaria habilidad para guiar la imaginación de los demás, el Doctor Parnassus oculta un oscuro secreto. Siglos atrás hizo un trato con el Diablo para ganar inmortalidad, a cambio de entregarle a cualquier hijo que tuviese al cumplir los 16 años. Ahora, deambulando con su humilde teatro ambulante y con una hija a punto de llegar a esa edad, Parnassus está decidido a cambiar el trato.

Un viaje alucinante por la imaginación

El imaginario del Doctor Parnassus 02

El imaginario del Doctor Parnassus presenta un mundo visualmente deslumbrante, lleno de detalles y referencias a la mitología y la literatura. Después de un par de pequeños «tropiezos» en su filmografía (al menos para mi gusto), Gilliam recupera su estilo más surrealista y onírico para invitarnos a reflexionar sobre la vida, la muerte, la naturaleza del bien y del mal, y la importancia de las decisiones que tomamos.

Uno de los puntos fuertes de la peli es su impresionante diseño visual. Desde los decorados hasta los efectos especiales, estamos ante un verdadero festín para los ojos, con una paleta de colores vibrante y escenarios que evocan un sueño febril. Las secuencias dentro del imaginario son especialmente destacables, con escenarios elaborados y efectos especiales que evocan un sentido de asombro y maravilla. Estos mundos fantásticos reflejan tanto la grandeza como los peligros de la imaginación desbordada.

El imaginario del Doctor Parnassus 03

La dificultad de la puesta en escena hizo que el rodaje se enfrentase a diversas complicaciones que fueron agravadas por la inesperada muerte de Heath Ledger. Para poder terminar la producción, Gilliam introdujo un recurso narrativo que resulta temáticamente coherente con la naturaleza cambiante del imaginario y permitió que otros actores interpretasen al personaje de Ledger en los diferentes mundos del imaginario.

El imaginario del Doctor Parnassus 04

Trailer de «El imaginario del Doctor Parnassus»

[imdb]tt1054606[/imdb]

Bichoños, Críticas, Películas

Proyecto Gemini (2022), ensa ladilla rusa

Deja un comentario
Proyecto Gemini - poster

Proyecto Gemini (del original ruso Zvyozdniy Razum que parece que podría traducirse como «Mente estelar») es una producción rusa de ciencia ficción, suspense y terror, dirigida por Serik Beyseu (Tabletka ot slez, Otrazhenie tmy), escrita con ayuda de una IA deficiente que ha mezclado varios guiones preexistentes, y protagonizada, o algo así, por Dmitriy Frid (Insomnia, Héroes de guerra), Egor Koreshkov (Ballet in the flames of war, Nefutbol), Nikita Dyuvbanov (Abigail y la ciudad perdida, The Superdeep), Petr Romanov y Alyona Konstantinova (Conexión Estambul, Involution).

Sinopsis de «Proyecto Gemini»

En un futuro cercano, un virus desconocido acaba con las plantas terrestres, lo que da comienzo a un desastre ambiental que amenaza a todo el planeta. Un equipo de paleontólogos descubren una misteriosa esfera casi mágica que permite viajar grandes distancias y terraformar cualquier planeta con unas condiciones adecuadas.
Proyecto Gemini 01

¡No es nuestro Sistema Solar!

Proyecto Gemini tiene una premisa interesante que ofrece una atmósfera visual impresionante y unos efectos especiales llamativos. Y ya está. No tiene nada más que sea destacable.

No he visto muchas producciones rusas, pero tengo la teoría de que tienen un grave problema en la distribución de recursos, paradójicamente. Simplificando, si redujéramos una película a tres aspectos: guion, actores y puesta en escena, da la impresión de que apuestan todo a un número. Verbigracia. Todo lo dicho en la entrada enlazada, podría aplicarse aquí muchas modificaciones.

Proyecto Gemini 02

La historia comienza como un refrito (con aceite más que quemado) de Prometheus e Interstellar, que evoluciona, sin ningún sentido, hacia Alien. Dicho así aún parece que podría salir algo entretenido y disfrutable, pero no. El guion está lleno de explicaciones tipo «lo hizo un mago» y «llegamos a esta conclusión porque sí», además de una acumulación de escenas confusas, frías, sin emoción y absurdas.

Todas las situaciones imprevistas a las que se enfrenta la misión (y son muchas, evidentemente, viendo el punto de partida: un ordenador alienígena que se descifra a base de patrones, como los que se usan para desbloquear el móvil pero muchísimo más complejos) son recibidas con una sensación de resignación y despreocupación apabullantes por parte de los protagonistas. Lo normal, porque acto seguido se sacan de la manga una solución al problema que no tiene nada que ver con nada de lo que nos han contado hasta el momento y a la que nadie en su sano juicio llegaría haciendo un uso coherente de la lógica elemental.

Proyecto Gemini 03

Es decir, se montan todos en una nave espacial de la cual han deducido «porque sí» que los va a llevar al otro lado del universo y va a servir para terraformar un planeta de condiciones similares a una Tierra primigenia. Cuando acaban en otro lado es como si vas de camino al Carrefoie y acabas en un Mercamoña, pero da igual porque tienen chopped en oferta.

Los actores parecen un meme extraído de la escena de 300 cuando los espartanos se encuentran con los arcadios, «¿Cuál es tu oficio?». Seguro que habrá bomberos, militares, ganaderos, pinches de cocina… pero actores como tal pocos.

Hay una subtrama romántica que da vergüenza ajena. Y no en términos de lo que podría ser una subtrama romántica en una producción estándar, sino teniendo en cuenta que estamos dentro de un truño de proporciones épicas (a destacar el momento Pantene con la escena de los aspersores de riego 😫)

Proyecto Gemini 04

Trailer de «Proyecto Gemini»

[imdb]tt5656994[/imdb]

Críticas, Películas

En la piel de mi madre (2023), un cuento de hadas sangriento

Deja un comentario
En la piel de mi madre - poster

En la piel de mi madre nos sumerge en un universo onírico y perturbador de la mano de Kenneth Lim Dagatan, en la que es su primera y, de momento, única película como director. Protagonizan Beauty Gonzalez (Only You, Kampon), Felicity Kyle Napuli, James Mavie Estrella, Jasmine Curtis-Smith (Maybe Tomorrow, Midnight in a Perfect World) y Angeli Bayani (Onoda, 10.000 noches en la jungla, Holy Emy).

Sinopsis de «En la piel de mi madre»

En la piel de mi madre 01
Filipinas, al final de la Segunda Guerra Mundial. Una familia acomodada se ve atrapada en su mansión colonial y aterrorizada por soldados japoneses que están perdiendo el control de la isla. Se rumorea que Aldo, el patriarca de la familia, esconde oro japonés robado, así que abandona la casa para buscar ayuda estadounidense. Durante su ausencia, la débil salud de la madre se deteriora y sui hija Tala decide confiar en un hada maliciosa, que actúa como una figura simbólica de tentación y corrupción.

Un horror filipino

En la piel de mi madre 02

En la piel de mi madre se distingue por su mezcla de realismo histórico y horror fantástico. Por un lado, se ambienta en el contexto convulso de la Segunda Guerra Mundial y por otro lado, fusiona aspectos de folk horror con otros más típicos de los cuentos de hadas. No obstante, da la impresión de que la ambientación histórica es puramente accesoria y una simple excusa para apartar al padre de familia, momento en el que los elementos de drama histórico desaparecen casi por completo. La trama se centra en la relación entre una madre y su hija, quienes se ven arrastradas a un mundo de magia oscura y tradiciones ancestrales.

La película logra construir una atmósfera opresiva, inquietante y cargada de tensión desde los primeros minutos, gracias a una combinación perfecta de fotografía, diseño de producción y banda sonora. La heterogénea mezcla de elementos de terror, drama y fantasía resulta en una propuesta original y refrescante. Los símbolos y las metáforas visuales juegan un papel fundamental en la construcción de la narrativa.

En la piel de mi madre 03

Los momentos de horror, especialmente hacia el final, logran un impacto visceral que complementa la evolución de una historia que transita entre lo sugerido y lo explícito, abordando temas como la lucha familiar y las consecuencias de las decisiones bajo presión. No obstante, el ritmo es bastante irregular, lo que acaba lastrando el interés por la historia y haciendo que la experiencia derive hacia el tedio.

El desenlace es muy ambiguo y deja muchas preguntas sin respuesta.

Trailer de «En la piel de mi madre»

[imdb]tt20413870[/imdb]

Críticas, Películas

The hole (2001), un descenso a la oscuridad

Deja un comentario
The hole - poster

The hole es un intrigante thriller psicológico que se adentra en los oscuros recovecos de la mente humana. El director, Nick Hamm (Pasiones rotas, Martha conoce a Frank, Daniel & Laurence), nos sumerge en una atmósfera de claustrofobia y paranoia, con cuatro jóvenes atrapados en un búnker subterráneo. Está basado en la novela After the Hole de Guy Burt y protagonizado por Thora Birch (American Beauty, Dragones y mazmorras), Embeth Davidtz (El hombre bicentenario, 13 fantasmas), Desmond Harrington (Juana de Arco, El informador), Daniel Brocklebank (Shakespeare enamorado, The Criminal) y Keira Knightley (Mentiras inocentes, The Treasure Seekers).

Sinopsis de «The hole»

Cuatro jóvenes estudiantes, dos chicas y dos chicos, desaparecen de un exclusivo internado británico. Dos semanas más tarde aparece una de las chicas, Liz, pero está tan traumatizada que no lo logra distinguir lo real de lo imaginario. Lo único que recuerda es que para librarse de una excursión, se encerró con sus compañeros en un bunker subterráneo. Junto con la doctora Horwood, psicóloga de la policía, intentará descubrir qué pasó en el bunker, y qué ha sido de sus amigos.
The hole 01

The hole se mueve entre lo claustrofóbico y lo psicológico, ofreciendo un relato intrigante sobre el peligroso territorio del engaño y la obsesión. El espacio confinado, la iluminación tenue y la banda sonora inquietante crean una atmósfera de agobio y tensión constante, que mantiene al espectador al borde del asiento.

The hole 02

Los protagonistas son relativamente complejos, con un desarrollo interesante y personal, lo que les otorga una mayor profundidad y credibilidad. Son destacables las interpretaciones de Thora Birch (que acababa de hacer American beauty) y Keira Knightley (en uno de sus primeros papeles importantes), las cuales transmiten de manera convincente el terror y la desesperación de sus personajes. Thora Birch en especial, lleva el peso de ser el enigma central de la trama. Su actuación mantiene una duda constante sobre sus motivaciones y confiabilidad como narradora. La química que tiene con los otros actores añade una capa de complejidad emocional y tensión a la trama.

The hole 03

La estructura no lineal del guion contribuye a mantener el interés, revelando lentamente las verdades detrás de la situación de los personajes. Las versiones contradictorias de lo sucedido crean un juego psicológico que invita a cuestionar continuamente la verdad de los hechos. La trama está repleta de giros inesperados (y un pelín rebuscados) que nos obligan a replantearnos constantemente lo que estamos viendo.

Sin embargo, la película pierde algo de fuerza en el tercer acto. Una vez que se desvela la verdad, el clímax se siente menos impactante de lo que podría haber sido. El desenlace es bastante controvertido, ya que, aunque resulta completamente satisfactorio dentro de la historia en sí, puede parecer demasiado ambiguo, confuso y sin una resolución clara.

The hole 04

Trailer de «The hole»

[imdb]tt0242527[/imdb]

Críticas, Películas

Curvature (2017), un viaje en el tiempo con muchos baches

Deja un comentario
Curvature - poster

Curvature, dirigida por Diego Hallivis (The Duel (Game Time), Pesadilla americana), es un thriller de ciencia ficción que combina viajes en el tiempo y elementos de drama con un misterio emocionalmente cargado. Protagonizan Lyndsy Fonseca (Kick-Ass: Listo para machacar, The Escort), Zach Avery (Trespassers, El bailarín), Glenn Morshower (Lugares oscuros, Obsesión fatal) y, en un pequeño papel, Linda Hamilton (Refuge, Tentáculos de las Bermudas).

Sinopsis de «Curvature»

Curvature 01
Helen intenta sobrellevar la reciente muerte de su marido, un científico que se quitó la vida justo cuando estaba a punto de completar la invención de una máquina del tiempo. Un día, Helen recibe una llamada de una voz sospechosamente parecida a la suya, advirtiéndole que está en peligro.

A big ball of wibbly wobbly, timey wimey shit

Curvature comienza con buenas intenciones, pero no logra estar a la altura de las expectativas. La trama es ambiciosa, pero la ejecución es deficiente. Si eres un fanático de la ciencia ficción, vas a tropezarte con inconsistencias enormes que dificultarán que disfrutes de la experiencia. Un espectador promedio se va a encontrar con un telefilm de sobremesa con un trasfondo de ciencia ficción en el que viajar por el tiempo termina siendo una travesía sin rumbo.

Curvature 02

Y eso que la premisa engancha, la idea de manipular el tiempo para cambiar el pasado es un concepto que siempre fascina. La película logra crear un ambiente intrigante y misterioso que atrapa en un primer momento, sin embargo el desarrollo es confuso, complicado de seguir y no tiene sentido (ni dentro de los parámetros habituales generales de los viajes temporales en la ficción, ni dentro de las normas propias que define la película para el tema). La narrativa avanza de forma lineal y las resoluciones son demasiado rápidas y no siempre satisfactorias.

Curvature 03

Las explicaciones científicas son superficiales y derivan en tecnocháchara que se podría resumir en: «Esto pasa porque sí». Da la impresión de que el guionista tiene interés en plantear las implicaciones de manipular el pasado, pero no entiende muy bien cómo quiere que funcionen los viajes en el tiempo dentro de su historia. Se plantean preguntas filosóficas sobre el libre albedrío y las consecuencias de nuestras acciones, aunque no se acaba profundizando en ninguna de ellas.

El poster japonés, que he usado como imagen de cabecera, es puro clickbait del más tramposo (y artificioso) 😅

Curvature 04

Trailer de «Curvature»

[imdb]tt4720596[/imdb]