Número 9 (2009), una fábula oscura con alma de trapo

Número 9 - poster

Número 9, dirigida por Shane Acker y producida por Tim Burton y Timur Bekmambetov, es una película de animación post-apocalíptica que destaca por su singularidad visual y su oscuro mundo. La combinación de la estética del stop-motion con técnicas digitales ofrece un universo inquietante, sombrío y visualmente deslumbrante. Se trata de una expansión del cortometraje del mismo nombre (también realizado por Shane Acker), que fue nominado al Oscar en 2005.

Sinopsis de «Número 9»

Número 9 01
Número 9 es una pequeña criatura de tela que despierta en este mundo devastado sin recuerdos de cómo llegó allí. Pronto descubre que hay otros como él, cada uno con un número, y que deben unirse para sobrevivir a las aterradoras máquinas que los persiguen.

«Sometimes one must be sacrificed»

Número 9 02

El principal atractivo de Número 9 es su estética steampunk y artesanal, que se aleja de la animación convencional. Los personajes, con sus cuerpos de arpillera y ojos de botones, tienen un encanto triste y macabro que encaja perfectamente con el tono de la historia. El diseño de las criaturas mecánicas es igualmente impresionante, evocando una sensación de terror y agresividad.

La animación es impecable. Cada textura, cada sombra y cada movimiento están cuidados al detalle. El universo que construye Acker es hipnótico, con planos aéreos espectaculares y una paleta de colores apagados, dominada por grises, marrones y ocres, que refuerza el tono sombrío de la historia.

Número 9 03

La metáfora del alma dividida en varias partes es sugerente, pero a veces el mensaje se presenta de manera demasiado explícita. Aun así, el trasfondo filosófico —el precio del progreso tecnológico, la desolación, la culpa, la lucha por la supervivencia y la trascendencia del espíritu— dota a la obra de una densidad poco habitual en el cine animado comercial.

A pesar de ese deslumbrante estilo visual, la narrativa presenta algunas debilidades, con una trama que parte de una premisa intrigante pero que no acaba de profundizar en el trasfondo de ese mundo futuro. Los personajes carecen de un desarrollo emocional significativo, lo que dificulta que el espectador se conecte plenamente con ellos.

La película se centra más en la acción y en la creación de una atmósfera opresiva que en la construcción de personajes o en la exploración de temas más complejos. El nivel visual supera al narrativo, dejando al espectador con más preguntas que respuestas.

Número 9 04

Trailer de «Número 9»

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El honor de los Prizzi (1985), una comedia de enredos mafiosa

El honor de los Prizzi - poster

El honor de los Prizzi es una joya cinematográfica del aclamado director John Huston (Evasión o victoria; Annie; Bajo el volcán), una comedia negra que se atreve a satirizar el mundo de la mafia con una elegancia poco común. Basada en la novela de Richard Condon, la película mezcla crimen, romance y humor ácido en una historia que se mueve entre el honor familiar y los intereses personales, con un tono irónico y satírico que cuestiona no solo la moral de sus personajes, sino también la propia tradición del cine sobre la mafia. Fue una de las últimas películas de Huston, y muchos la consideran un testamento de su maestría. Protagonizan Jack Nicholson (El resplandor; El cartero siempre llama dos veces; La fuerza del cariño), Kathleen Turner (La pasión de China Blue; En busca del águila; La joya del Nilo) y Anjelica Huston (El corsario escarlata; This is Spinal Tap; Guerreros del espacio).

Sinopsis de «El honor de los Prizzi»

El honor de los Prizzi 01
Charley Partanna, un sicario de la mafia Prizzi, se enamora de Irene Walker, una asesina a sueldo independiente, durante una boda. Lo que comienza como un idílico romance pronto se complica, ya que ambos descubren que han sido contratados para matarse mutuamente. La trama, llena de giros y traiciones, es un brillante ejercicio de absurdo y sátira.

Entre el honor y el amor

El honor de los Prizzi 02

Con El honor de los Prizzi John Huston demostró que con 79 años seguía teniendo un pulso firme y una visión clara detrás de las cámaras. La dirección es elegante, sobria y cargada de ironía, permitiendo que las excentricidades de los personajes y el absurdo de la historia brillen sin ser forzados.

Huston subvierte las expectativas del género de gánsteres, presentando a los mafiosos no como figuras míticas, sino como hombres de negocios incompetentes y ridículamente sentimentales. Lejos de la épica de, por ejemplo, El Padrino, aquí la mafia aparece retratada como una institución casi burocrática, con ancianos patriarcas que manejan el crimen como si fueran una empresa familiar. La película nunca glorifica la violencia, sino que la trata con una frialdad que roza lo grotesco.

El honor de los Prizzi 03

El guion, escrito por Richard Condon (autor de la novela original) y Janet Roach, es una obra maestra de la comedia negra. El humor no es obvio; surge de la yuxtaposición de la violencia brutal de la mafia con la absurdidad de sus problemas personales y la frialdad con la que tratan sus actividades criminales. La película se ríe de los códigos de honor y de la supuesta “lealtad” de la mafia, mostrando que, en última instancia, lo único que importa es el dinero.

Jack Nicholson y Kathleen Turner ofrecen interpretaciones magistrales. Nicholson, con su característico estilo pero alejado de sus papeles más histriónicos, da vida a un Charley ingenuo y brutal al mismo tiempo, creando un personaje cómico y trágico. Turner, por su parte, es una femme fatale calculadora y encantadora. La química entre ambos es electrizante. Anjelica Huston, en un papel secundario, roba escenas gracias a una curiosa combinación de vulnerabilidad y rencor feroz que equilibra la frialdad de la trama con una intensidad emocional que da profundidad a la sátira.

El honor de los Prizzi 04

Trailer de «El honor de los Prizzi»

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Azumi 2: Death or love (2005), entre la espada y el corazón

Azumi 2: Death or love - poster

Azumi 2: Death or love es una secuela que, lamentablemente, no logra capturar la misma energía y frescura de su predecesora. Mientras que la primera parte era una explosión de acción con una protagonista carismática y un ritmo trepidante, esta continuación intenta expandir la historia sin tener una dirección clara. Dirige Shusuke Kaneko (Haunted School 3; Pyrokinesis; To Sing of Love, tomando el relevo de Ryuhei Kitamura, y protagonizan Aya Ueto (en lo que vendría siendo su segunda película como actriz), Yûma Ishigaki (Persona; Lovers’ Kiss; Battle Royale 2: Réquiem), Chiaki Kuriyama (Battle Royale; Kill Bill. Volumen 1; La Gran Guerra Yokai), Shun Oguri (Robot Contest; Reincarnation; The Neighbor No. Thirteen) y Ken’ichi Endô (Flower and Snake; Stop the Bitch Campaign Again; Flower and Snake II).

Sinopsis de «Azumi 2: Death or love»

Azumi 2: Death or love 01

Un viaje más reflexivo pero menos impactante

Azumi 2: Death or love 02

Azumi 2: Death or love se resiente con el cambio de director con respecto a la entrega previa. La estética visual, que en la primera era cruda y estilizada, se vuelve aquí más pulida y, en cierto modo, genérica. Las escenas de lucha, aunque siguen siendo impresionantes en general, pierden parte del impacto, ya que en muchos de los enfrentamientos se nota la coreografía por encima del combate en sí.

La trama es el principal punto débil de una película que parece indecisa sobre su propio tono. Intenta ser un drama existencial sobre el peso de las decisiones de Azumi y su deseo de dejar de matar, pero estas reflexiones se ven constantemente interrumpidas por batallas que parecen más un requisito que una necesidad narrativa. La subtrama romántica es insípida y no logra generar la tensión emocional necesaria.

Azumi 2: Death or love 03

Es decir, la narrativa se tambalea entre escenas de acción y momentos introspectivos que no terminan de cuajar. El resultado es una película que entretiene pero no emociona.

La protagonista sigue brillando: Aya Ueto vuelve a encarnar a Azumi con una mezcla de vulnerabilidad y ferocidad. Su presencia física y emocional sostiene la película, incluso cuando el guion flaquea.

Los personajes nuevos carecen de un desarrollo mínimo y la historia parece un reciclaje de lo ya visto. El villano carece de la presencia intimidatoria y el carisma retorcido que tenía el temible Bijomaru Mogami en la primera parte.

Azumi 2: Death or love 04

Trailer de «Azumi 2: Death or love»

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Azumi (2003), ninjas, katanas, sangre y faldas cortas

Azumi - poster

Azumi, dirigida por Ryuhei Kitamura (Versus; Alive; Sky High), es una película de acción japonesa basada en el manga de Yū Koyama que sumerge al espectador en una vibrante mezcla de acción estilizada, combates frenéticos, drama ligero y honor samurái. Está protagonizada por Aya Ueto (en lo que es su debut como actriz), Shun Oguri (Hitsuji no uta; Robot Contest), Hiroki Narimiya (Drowning Fish; Lovers’ Kiss), Takatoshi Kaneko (Waterboys; Rain of Light) y Yasutaka Sano (Battle Royale).

Sinopsis de «Azumi»

Azumi 01

La furia de la asesina adolescente

Azumi 02

Lo que más destaca de Azumi es, sin duda, su acción desbordante. La película es una coreografía de espadas y sangre que rara vez da un respiro. Las secuencias de lucha, aunque a veces exageradas, son visualmente impactantes, con una estética de movimientos rápidos y un uso dinámico de la cámara y los escenarios, que ofrece un espectáculo visual que es tan brutal como entretenido.

El ritmo es rápido y fluido, aunque hay algunas secuencias demasiado estiradas. La película no se detiene en dar explicaciones, avanza con energía, alternando momentos de introspección con explosiones de violencia. El clímax, donde Azumi se enfrenta a decenas de enemigos, es un tour de force de esgrima y coreografía impresionante.

Azumi 03

No obstante, Azumi no es solo una asesina implacable, es también una adolescente que lucha con su propia humanidad. Una dualidad entre vulnerabilidad y letalidad que Aya Ueto logra transmitir a la perfección. A lo largo de la historia, vemos su conflicto interno: la amistad, el amor y la compasión se oponen a su estricto entrenamiento y a la violencia que la rodea. Esta lucha emocional le da al personaje una profundidad que la diferencia de otros héroes de acción.

Por otro lado, el guion es relativamente simple y predecible, sirviendo principalmente como un vehículo para las escenas de acción y sin llegar a profundizar realmente en muchos de los temas que plantea. El grupo de rémoras que acompaña a la protagonista apenas tiene un desarrollo superficial, lo que hace que su (funesto) destino no llegue a tener el impacto emocional que se busca. Algunos de los antagonistas rozan lo absurdo, con actuaciones exageradas que le restan seriedad al conflicto.

Azumi 04

Trailer de «Azumi»

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La verdad sobre perros y gatos (1996), ingenio y química

La verdad sobre perros y gatos - poster

La verdad sobre perros y gatos es una comedia romántica que desafía los cánones del género. En lugar de centrarse en la belleza superficial, explora la complejidad de la identidad, la autoaceptación y los enredos del corazón. Dirigida por Michael Lehmann (Escuela de jóvenes asesinos; El gran halcón; Cabezas huecas), es una joya de los 90 que se mantiene vigente por su mensaje atemporal y su humor inteligente. Está protagonizada por Janeane Garofalo (Amigas para siempre; De sangre fría; Bye bye love), Uma Thurman (Jennifer 8; La chica del gángster; Ellas también se deprimen) y Ben Chaplin (Bye bye baby; Lo que queda del día; Cosecha de julio).

Sinopsis de «La verdad sobre perros y gatos»

La verdad sobre perros y gatos 01
Abby Barnes es una locutora de radio inteligente, sarcástica y amante de los animales, pero que se siente insegura por su físico. Cuando Brian, un atractivo fotógrafo, la llama a su programa, se enamora de su voz y quiere conocerla. Por miedo a que, al verla en persona, él no la encuentre atractiva, Abby le pide a su vecina Noelle, una supermodelo despampanante pero ingenua, que se haga pasar por ella. Lo que sigue es un triángulo amoroso lleno de malentendidos, ternura y reflexiones sobre la autenticidad.

Tú y yo combinadas somos la mujer perfecta

La verdad sobre perros y gatos 02

La verdad sobre perros y gatos invierte la premisa clásica de Cyrano de Bergerac, con una perspectiva femenina y contemporánea. En lugar de un hombre escondido tras palabras poéticas, tenemos a una mujer escondida tras una cara ajena.

La cinta juega con características típicamente atribuidas a las mascotas del título para representar a sus personajes principales. Abby, con su actitud independiente y su inteligencia, es el gato. Noelle, la modelo, es el perro, con su actitud dulce y leal. Esta dicotomía permite que se explore la idea de que la belleza no tiene una sola forma y que la atracción puede surgir de la personalidad, la inteligencia y el sentido del humor, tanto como de la apariencia física.

La verdad sobre perros y gatos 03

Además, los animales también tienen un papel entrañable. El gato de Abby y el perro de Brian no solo sirven como catalizadores del romance, sino que también reflejan las personalidades de sus dueños: independientes, leales, y un poco caóticos.

Así, más allá de lo esperable en una comedia romántica al uso, la película habla sobre la inseguridad, el miedo al rechazo y la necesidad de aceptarse a uno mismo. El guion, ingenioso y lleno de diálogos rápidos, logra que el espectador se identifique con los personajes y sus dilemas.

Janeane Garofalo brilla con una interpretación que mezcla sarcasmo, vulnerabilidad y encanto. La química con Ben Chaplin es creíble. Uma Thurman aporta una dulzura inesperada a su papel y su relación con Garofalo convierte lo que podría haber sido una farsa superficial en una historia con corazón.

La verdad sobre perros y gatos 04

Trailer de «La verdad sobre perros y gatos»

[imdb]tt0117979[/imdb]

2012 (2009), Emmerich al cubo

2012 - poster

2012 no es solo una película, es la culminación de la obsesión del cineasta alemán Roland Emmerich (Independence Day, Godzilla, El día de mañana) por el género de catástrofes. Protagonizan John Cusack (El jurado, La cosecha de hielo, El niño de Marte), Chiwetel Ejiofor (Cuatro hermanos, Plan oculto, Hijos de los hombres), Amanda Peet (El amor es lo que tiene, La fuerza de vivir, Objetivo: Terrum), Oliver Platt (Loverboy, Casanova, Los diez locos mandamientos) y Thandiwe Newton (Las crónicas de Riddick, En busca de la felicidad), RocknRolla).

Sinopsis de «2012»

2012 01
En el calendario de los mayas aparece señalado el año 2012 como la fecha en la que se producirá el fin del mundo, que irá acompañado de diversas catástrofes naturales: erupciones volcánicas, tifones, glaciares que inundarán el planeta. Cuando el escritor Jackson Curtis y sus hijos regresan a casa, una intensa actividad sísmica recorre la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Un parque de atracciones apocalíptico

2012 02

2012 es visualmente espectacular y entretenida, pero su guion es débil, predecible y lleno de clichés. Es el ejemplo perfecto de una película que funciona de manera impecable dentro de los parámetros del cine de catástrofes de gran presupuesto. Es un espectáculo visual sin igual, una montaña rusa de emociones que, por un momento, nos hace olvidar el guion y simplemente disfrutar de ver cómo el mundo se viene abajo en la pantalla grande.

La destrucción de Los Ángeles, el colapso del Vaticano, el tsunami que inunda el Himalaya… cada secuencia de desastre es una coreografía de caos meticulosamente diseñada para dejar al espectador sin aliento. Emmerich no solo destruye edificios icónicos, sino que lo hace con una escala y un nivel de detalle que transforman el apocalipsis en una experiencia cinematográfica casi eufórica.

El ritmo es frenético, pero la historia se siente predecible y emocionalmente superficial. Apenas hay pausas para respirar entre una catástrofe y la siguiente, y la sensación de peligro constante y la adrenalina pura están garantizadas. Aun con todo, hay altibajos. Con una duración de casi 160 minutos, hay tramos que se sienten inflados, con subtramas que no aportan mucho a la historia principal.

2012 03

Por otro lado, el guion es, sin duda, el punto más débil de la cinta. Los diálogos son clichés del género, expositivos y en ocasiones ridículamente solemnes. Los personajes son arquetipos sin profundidad. El protagonista, Jackson Curtis (interpretado por John Cusack), es un escritor fracasado en busca de redención que se convierte en héroe por pura casualidad, el clásico «hombre común» que debe salvar a su familia mientras la Tierra se desmorona a su alrededor. Su ex-esposa, su nuevo novio, el científico ignorado que tenía razón, los políticos corruptos, el presidente noble, los multimillonarios indiferentes al sufrimiento global… todos cumplen su función sin salirse del molde. Se intenta mezclar crítica social con sentimentalismo, pero el resultado es torpe y predecible.

La trama está construida sobre una lógica que desafía la credibilidad a cada paso. La narrativa es una serie de escapadas milagrosas donde la suerte juega un papel tan fundamental que roza lo absurdo. El protagonista y su familia escapan de la muerte una y otra vez en un avión que desafía las leyes de la física. Esta falta de verosimilitud no es un error, sino una elección consciente. Emmerich no busca la inteligencia, sino la emoción visceral. Su objetivo no es que el espectador reflexione, sino que se agarre al asiento y disfrute del viaje. Es una película que no hay que pensar, sino experimentar.

2012 04

Trailer de «2012»

[imdb]tt1190080[/imdb]

Alucarda, la hija de las tinieblas (1977), un delirio gótico diabólico

Alucarda - poster

Alucarda, la hija de las tinieblas, dirigida por Juan López Moctezuma (La mansión de la locura, Mary, Mary, Bloody Mary), es una obra delirante del cine de horror mexicano que se aleja con osadía de las convenciones del género. La película es una explosión visceral de iconografía religiosa distorsionada, locura y erotismo lésbico reprimido, envuelta en una estética gótica profundamente inquietante y perturbadora. Protagonizan Susana Kamini (Prisión de mujeres, Hay que parar a la delantera), Claudio Brook (La venganza de un hombre llamado Caballo, El pez que fuma), David Silva (El castillo de la pureza, Los albañiles), Tina Romero (Chin Chin el teporocho, Flores de papel) y Lili Garza (Renuncia por motivos de salud, El vuelo de la cigüeña).

Sinopsis de «Alucarda, la hija de las tinieblas»

Alucarda 01

Prepárate para ser seducido por la hija de las tinieblas

Alucarda 02

Juan López Moctezuma impregna Alucarda con una estética visual que roza lo onírico y lo pesadillesco. La dirección de arte es exquisita en su decadencia, con conventos góticos, túnicas ensangrentadas, crucifijos invertidos, rituales blasfemos y la constante presencia de simbolismo católico retorcido. La fotografía, oscura y saturada de rojos y azules profundos, acentúa la sensación de claustrofobia y desesperación.

Las actuaciones, especialmente las de Tina Romero como Alucarda y Susanna Kamini como Justine, son hipnóticas. Romero encarna la seducción del mal con una intensidad inquietante, entre la inocencia pervertida y la furia demoníaca, elevando el tono al delirio absoluto; Kamini, por su parte, aporta un aire de vulnerabilidad que contrasta con la intensidad de su compañera, transmitiendo de manera desgarradora y trágica su gradual corrupción.

Donde la película realmente sobresale es en su capacidad para generar una sensación de malestar profundo. No se apoya en sustos y sobresaltos facilones, sino en la acumulación de imágenes perturbadoras, rituales blasfemos y una atmósfera de histeria colectiva. Las escenas de posesión, los sacrificios y la lucha desesperada entre la fe y el demonio son impactantes, no por su gore explícito (aunque lo hay), sino por la brutalidad de su implicación.

Alucarda 03

Es cierto que la narrativa puede resultar errática para algunos, saltando entre secuencias de manera casi surrealista. Sin embargo, esta estructura fragmentada contribuye a la sensación de un delirio que se descontrola, arrastrando al espectador a un abismo de locura. La banda sonora, con sus cánticos gregorianos distorsionados y ruidos chirriantes, potencia aún más esta inmersión en el infierno.

Más allá de sus imágenes impactantes, la cinta propone una profunda reflexión sobre los métodos opresivos de las instituciones religiosas, el fanatismo, la sexualidad y la eterna lucha entre el bien y el mal. El convento no es un refugio espiritual, sino un lugar de tortura emocional y física, donde el miedo al pecado anula cualquier atisbo de humanidad. En ese contexto, la posesión demoníaca se presenta casi como una forma de liberación.

Alucarda 04

Trailer de «Alucarda, la hija de las tinieblas»

[imdb]tt0075666[/imdb]

Arahan (2004), artes marciales con sabor coreano

Arahan - poster

Arahan (2004), dirigida por Ryoo Seung-wan (Die bad, No blood no tears), es una vibrante y enérgica incursión en el género de artes marciales que, a pesar de sus inspiraciones evidentes en elementos clásicos del género, logra forjar su propia identidad con un distintivo toque coreano. La película mezcla fantasía épica con comedia urbana, creando un cóctel refrescante que, si bien no siempre alcanza la perfección, sí ofrece un espectáculo entretenido y visualmente imaginativo. Protagonizan Ryu Seung-beom (Waikiki Brothers, Guns & Talks), Yoon So-yi (La leyenda de la espada sin sombra), Ahn Sung-Kee (Musa the Warrior, Ebrio de mujeres y pintura), Jung Doo-hong (Natural City, Fighter in the wind: Lucha o muere) y Yun Ju-sang (Bitter and sweet, Guns & Talks).

Sinopsis de «Arahan»

Arahan 01
Sang-hwan es un joven y algo torpe oficial de policía que, tras un encuentro fortuito, se ve inmerso en el mundo oculto de los "Arahan" (maestros de artes marciales con poderes extraordinarios que han protegido la humanidad en secreto durante siglos). Su misión: encontrar al sucesor de su líder para enfrentar al malvado Heug-woon, un antiguo Arahan desterrado que busca dominar el mundo con un poder místico.

Comedia, acción y misticismo

Arahan 02

Uno de los puntos más destacables de Arahan es su capacidad para equilibrar la acción frenética con momentos de humor genuino. Otro de sus platos fuertes son las secuencias de acción, coreografiadas con maestría por Jung Doo-hong (quien también interpreta al villano), son dinámicas, inventivas y, en ocasiones, espectaculares.

Sin embargo, el ritmo, aunque se mantiene bien en casi toda la cinta, flaquea un poco hacia la mitad. La trama, a pesar de contar con una premisa intrigante, no acaba de desarrollar todo lo que parece querer ofrecer. La mitología de los Arahan, por ejemplo, resulta fascinante y da la impresión de que podría haberse explorado con mayor profundidad.

Arahan 03

El director entrega una carta de amor al cine de artes marciales añadiéndole una pizca de fantasía, sin pretender que el resultado se tome demasiado en serio. No redefine el género, pero lo revuelca con entusiasmo. Ideal para fans de Jackie Chan, Stephen Chow o quienes quieran reírse entre patadas y destellos místicos.

Arahan 04

Trailer de «Arahan»

[imdb]tt0404777[/imdb]

Nexus 2.431 (1994), para amantes del cine modesto de ciencia ficción

Nexus 2.431 - poster

Nexus 2.431 es una coproducción entre España, Reino Unido y la República Checa, que supuso un intento del mítico director español José María Forqué (Juegos de cama, La mujer de la tierra caliente, El canto de la cigarra) por incursionar en el género de la fantasía y la ciencia ficción, con un estilo visual que evoca producciones de serie B de la época. Protagonizan Oliver Tobias (La dama perversa, Mata Hari, Operación Nam), Jeremy Gilley (que debuta aquí y después tampoco hizo nada especialmente destacable), Oona Kirsch (Forever Young, El proscrito de Dios) y Cristina Goyanes (Otra vuelta de tuerca).

Sinopsis de «Nexus 2.431»

Nexus 2.431 01
En el año 2431, los supervivientes de la Tierra, destruida por una explosión solar, encuentran refugio en el planeta Taron, gobernado por Tarn, un tiránico inmortal que se encapricha de la princesa terrícola Zhylia, desatando un conflicto que nos arrastra por una odisea de espadas, brujería y tecnología barata.

Una distopía existencial con alma ibérica

Nexus 2.431 02

José María Forqué fue un director bastante ecléctico, capaz de transitar del drama social a la comedia más disparatada con una solvencia envidiable. Sin embargo, su última película, Nexus 2.431, parece una nota disonante en una sinfonía de éxitos. Estrenada en 1994, cerca del final de su vida, esta ambiciosa incursión en la ciencia ficción se siente más como una reliquia de otro tiempo que como un broche de oro a una carrera brillante.

La historia parte de un guion original titulado «Espadas y brujería», escrito por Juan Piquer Simón para intentar aprovechar el tirón comercial del Conan cinematográfico. El texto fue replanteado por José María Forqué y su hijo Álvaro, transformándolo en una opereta deudora de la fantasía épica y la ciencia ficción de los años 80, pero con un presupuesto y unos medios que no le hacen justicia.

Nexus 2.431 03

Lo más doloroso de la película son los breves momentos en los que se puede atisbar lo que pudo haber sido. Hay escenas en las que Forqué intenta dotar a la historia de un humanismo y una cercanía que recuerdan al maestro de la comedia costumbrista que fue, pero estos instantes se ahogan en un mar de decisiones visuales desafortunadas y un tono que oscila sin rumbo entre la fantasía solemne y el camp.

La película carece de la chispa y el dinamismo que uno esperaría de un relato de aventuras. Las escenas de acción son torpes y carentes de ritmo, y los efectos especiales, que debieron ser un punto clave, parecen sacados de una producción de serie Z, con maquetas poco convincentes y un croma que chirría en cada plano. El guion es un revoltijo de clichés del género, con personajes unidimensionales y un desarrollo narrativo predecible. La ambigüedad moral de las mejores películas del director es reemplazada por un claro maniqueísmo que empobrece la historia.

No es una obra maestra, ni lo pretende, pero si estás en vena de ciencia ficción retro con un toque camp, esta aventura mediática puede regalarte un rato curioso frente a la pantalla.

Nexus 2.431 04

Trailer de «Nexus 2.431»

[imdb]tt0107677[/imdb]

Algo en común (2004), la melancolía de la Generación Y

Algo en común - poster

Algo en común supone el debut de Zach Braff como director, guionista y protagonista. Lejos de ser una comedia romántica convencional podríamos decir que es un eco generacional, un retrato agridulce y melancólico de la incertidumbre veinteañera en la búsqueda de sentido dentro la vorágine de la vida adulta temprana. Con una estética cuidada y una banda sonora que se ha convertido en icónica, la película conecta con el espectador desde la vulnerabilidad de sus personajes. Protagonizan Zach Braff (Misterioso asesinato en Manhattan, Getting to know you, El club de los corazones rotos), Natalie Portman (Beautiful Girls, A cualquier otro lugar, Cold Mountain), Peter Sarsgaard (K-19: The Widowmaker, Empire, El precio de la verdad), Ian Holm (Desde el infierno, El día de mañana, El aviador) y Jim Parsons (en su debut como actor).

Sinopsis de «Algo en común»

Algo en común 01

Familia es un grupo de personas que echan de menos el mismo lugar imaginario

Por su premisa, Algo en común podría parecer una historia cliché de «regreso a casa para sanar», pero gana puntos por por la honestidad brutal de Braff y, sobre todo, por la irrupción de Samantha (interpretada por Natalie Portman). Sam es la antítesis de Andrew: excéntrica, espontánea, impredecible y rebosante de una vitalidad que Andrew ha perdido hace tiempo. La química entre Braff y Portman es innegable, construyendo una relación que se siente orgánica y llena de pequeños momentos de ternura y humor. Sam no es solo el interés amoroso; es la chispa que enciende la latente capacidad de Andrew para sentir.

Algo en común 02

Zach Braff logra una interpretación contenida, algo distante, que puede parecer pasiva, pero que refleja con precisión el vacío emocional de su personaje. Natalie Portman brilla con una mezcla de vulnerabilidad y encanto excéntrico, aunque su personaje, ha sido criticado por encajar en el arquetipo de la chica mágica que solo existe para ayudar al protagonista masculino a sentirse vivo. Aun así, Portman logra dotarla de una calidez auténtica que trasciende ese cliché.

El director demuestra tener buen ojo para la composición y el color, creando escenas que parecen sacadas de un videoclip, pero sin perder autenticidad. Por su parte la banda sonora, milimétricamente seleccionada, con temas de The Shins, Iron & Wine, Nick Drake y Simon & Garfunkel, no solo acompaña, sino que define el tono emocional de la cinta.

Algo en común 03

También hay algunos elementos negativos. La historia está demasiado centrada demasiado en los protagonistas, mostrando a los personajes secundarios casi como elementos caricaturescos. La trama se recrea demasiado en sí misma y hay ciertos momentos que parecen forzados en su afán de ser profundos. El ritmo es irregular, con secuencias demasiado lentas, sobre todo si lo comparamos con narrativas más convencionales.

La película aborda temas universales: la búsqueda de identidad, el peso del pasado, la soledad en la multitud y la importancia de permitirse sentir, incluso el dolor. Es un recordatorio de que a veces, lo único que necesitamos para avanzar es tener «algo en común» con otro, una conexión que nos saque de nuestro propio letargo.

Algo en común 04

Trailer de «Algo en común»

[imdb]tt0333766[/imdb]

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