The hole (2001), un descenso a la oscuridad

The hole - poster

The hole es un intrigante thriller psicológico que se adentra en los oscuros recovecos de la mente humana. El director, Nick Hamm (Pasiones rotas, Martha conoce a Frank, Daniel & Laurence), nos sumerge en una atmósfera de claustrofobia y paranoia, con cuatro jóvenes atrapados en un búnker subterráneo. Está basado en la novela After the Hole de Guy Burt y protagonizado por Thora Birch (American Beauty, Dragones y mazmorras), Embeth Davidtz (El hombre bicentenario, 13 fantasmas), Desmond Harrington (Juana de Arco, El informador), Daniel Brocklebank (Shakespeare enamorado, The Criminal) y Keira Knightley (Mentiras inocentes, The Treasure Seekers).

Sinopsis de «The hole»

The hole 01

The hole se mueve entre lo claustrofóbico y lo psicológico, ofreciendo un relato intrigante sobre el peligroso territorio del engaño y la obsesión. El espacio confinado, la iluminación tenue y la banda sonora inquietante crean una atmósfera de agobio y tensión constante, que mantiene al espectador al borde del asiento.

The hole 02

Los protagonistas son relativamente complejos, con un desarrollo interesante y personal, lo que les otorga una mayor profundidad y credibilidad. Son destacables las interpretaciones de Thora Birch (que acababa de hacer American beauty) y Keira Knightley (en uno de sus primeros papeles importantes), las cuales transmiten de manera convincente el terror y la desesperación de sus personajes. Thora Birch en especial, lleva el peso de ser el enigma central de la trama. Su actuación mantiene una duda constante sobre sus motivaciones y confiabilidad como narradora. La química que tiene con los otros actores añade una capa de complejidad emocional y tensión a la trama.

The hole 03

La estructura no lineal del guion contribuye a mantener el interés, revelando lentamente las verdades detrás de la situación de los personajes. Las versiones contradictorias de lo sucedido crean un juego psicológico que invita a cuestionar continuamente la verdad de los hechos. La trama está repleta de giros inesperados (y un pelín rebuscados) que nos obligan a replantearnos constantemente lo que estamos viendo.

Sin embargo, la película pierde algo de fuerza en el tercer acto. Una vez que se desvela la verdad, el clímax se siente menos impactante de lo que podría haber sido. El desenlace es bastante controvertido, ya que, aunque resulta completamente satisfactorio dentro de la historia en sí, puede parecer demasiado ambiguo, confuso y sin una resolución clara.

The hole 04

Trailer de «The hole»

[imdb]tt0242527[/imdb]

Curvature (2017), un viaje en el tiempo con muchos baches

Curvature - poster

Curvature, dirigida por Diego Hallivis (The Duel (Game Time), Pesadilla americana), es un thriller de ciencia ficción que combina viajes en el tiempo y elementos de drama con un misterio emocionalmente cargado. Protagonizan Lyndsy Fonseca (Kick-Ass: Listo para machacar, The Escort), Zach Avery (Trespassers, El bailarín), Glenn Morshower (Lugares oscuros, Obsesión fatal) y, en un pequeño papel, Linda Hamilton (Refuge, Tentáculos de las Bermudas).

Sinopsis de «Curvature»

Curvature 01

A big ball of wibbly wobbly, timey wimey shit

Curvature comienza con buenas intenciones, pero no logra estar a la altura de las expectativas. La trama es ambiciosa, pero la ejecución es deficiente. Si eres un fanático de la ciencia ficción, vas a tropezarte con inconsistencias enormes que dificultarán que disfrutes de la experiencia. Un espectador promedio se va a encontrar con un telefilm de sobremesa con un trasfondo de ciencia ficción en el que viajar por el tiempo termina siendo una travesía sin rumbo.

Curvature 02

Y eso que la premisa engancha, la idea de manipular el tiempo para cambiar el pasado es un concepto que siempre fascina. La película logra crear un ambiente intrigante y misterioso que atrapa en un primer momento, sin embargo el desarrollo es confuso, complicado de seguir y no tiene sentido (ni dentro de los parámetros habituales generales de los viajes temporales en la ficción, ni dentro de las normas propias que define la película para el tema). La narrativa avanza de forma lineal y las resoluciones son demasiado rápidas y no siempre satisfactorias.

Curvature 03

Las explicaciones científicas son superficiales y derivan en tecnocháchara que se podría resumir en: «Esto pasa porque sí». Da la impresión de que el guionista tiene interés en plantear las implicaciones de manipular el pasado, pero no entiende muy bien cómo quiere que funcionen los viajes en el tiempo dentro de su historia. Se plantean preguntas filosóficas sobre el libre albedrío y las consecuencias de nuestras acciones, aunque no se acaba profundizando en ninguna de ellas.

El poster japonés, que he usado como imagen de cabecera, es puro clickbait del más tramposo (y artificioso) 😅

Curvature 04

Trailer de «Curvature»

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La bestia del reino (1977), humor y fantasía post-Monty Phython

La bestia del reino - poster

La bestia del reino se inspira en el poema «Jabberwocky» de Lewis Carroll, aunque no sigue su narrativa de forma literal, sino que utiliza su tono y la criatura que le da título como punto de partida para una historia que mezcla comedia negra y aventuras. Se trata del primer largometraje dirigido en solitario por Terry Gilliam (Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, Los héroes del tiempo), donde ya se puede apreciar su excéntrico estilo visual, su humor absurdo y su espíritu caótico. A pesar de no ser tan conocida como sus obras posteriores, esta recreación de un mundo medieval lleno de mugre, sátira, surrealismo y personajes extravagantes tiene un encanto único y una estética distintiva. Protagonizan Michael Palin (Se armó la gorda, La vida de Brian), Max Wall (Se nos ha perdido un dinosaurio, El perro de Baskervilles), Deborah Fallender (Escuela de medicina, Pequeño tesoro), John Le Mesurier (El hermano más listo de Sherlock Holmes, Stand up, virgin soldiers) y Annette Badland (Last day of Summer, Knights & Emeralds).

Sinopsis de «La bestia del reino»

La bestia del reino 01

Una mirada satírica y surrealista al medievo

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La bestia del reino es una película que no deja indiferente. Aunque no sea perfecta, resulta fascinante por su originalidad y su capacidad para hacernos reflexionar sobre la sociedad y la condición humana. En lugar de glorificar los mitos caballerescos, como suele ser habitual en los escenarios (seudo)medievales, la cinta se burla de ellos. Los caballeros son ineptos, los campesinos son sucios y supersticiosos, y el reino mismo es una parodia de la burocracia absurda.

Los paisajes, los personajes y los objetos están cargados de simbolismo y de una estética que recuerda a los cuentos de hadas más oscuros. La puesta en escena y el diseño de vestuario crean un mundo que es a la vez familiar y extraño, lleno de personajes excéntricos y paisajes fantásticos.

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En la parte negativa, aunque el tono desenfadado y la estructura episódica son entretenidos, y hay escenas realmente magníficas, por momentos el ritmo se estanca y la trama va a la deriva. Esto puede resultar frustrante para el que busque una historia más cohesionada. Por otro lado, el humor del director, absurdo, grotesco e incómodamente oscuro, a veces en exceso, no es para todos los gustos.

No obstante, si eres fan del cine de Gilliam o te gustan las películas de fantasía con un toque de humor negro, La bestia del reino es una visita obligada.

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Hasta el trailer es una fruta maravilla…

Trailer de «La bestia del reino»

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El rey pescador (1991), una odisea contemporánea

El rey pescador - poster

El rey pescador nos sumerge en un Nueva York caótico y mágico a través de la personalísima visión de Terry Gilliam (Los héroes del tiempo, Brazil, Las aventuras del barón Münchausen), antes de que se le empezara a ir mucho la pinza. Protagonizan Jeff Bridges (Nadine, Tucker, un hombre y su sueño, Los fabulosos Baker Boys), Robin Williams (Good Morning, Vietnam, El club de los poetas muertos, Despertares), Amanda Plummer (Hecho en el cielo, Joe contra el volcán, Freejack (Sin identidad)) y Mercedes Ruehl (Se acabó el pastel, Días de radio, Big).

Sinopsis de «El rey pescador»

El rey pescador 01

El príncipe y el mendigo

El rey pescador 02

En El rey pescador, Terry Gilliam actualiza un mito ancestral, transformándolo en una metáfora de la condición humana. La herida del Rey Pescador se convierte en una alegoría del dolor y la pérdida, mientras que el Santo Grial representa la posibilidad de la sanación y la trascendencia.

Una magistral mezcla de realismo crudo, comedia, drama y fantasía unida a las excepcionales interpretaciones del dúo protagonista nos sumerge en un viaje emocional y visualmente fascinante a través de la vida de dos hombres rotos que encuentran consuelo y redención en su amistad.

El rey pescador 03

Existe una enorme química entre Jeff Bridges y Robin Williams, algo que se traslada a sus personajes. Williams equilibra perfectamente la locura y la ternura, representando la fragilidad y la esperanza. Bridges ofrece una representación convincente de la culpa y la búsqueda de redención, encarnando la desilusión toda de una generación. Por su parte, Mercedes Ruehl, que interpreta a una mujer atormentada por el pasado, simboliza la búsqueda de la verdad.

Visualmente, el director utiliza su característico estilo surrealista para crear un mundo que oscila entre la realidad y la fantasía, enriqueciendo la narrativa con imágenes oníricas y simbolismo, algo que refleja la fragilidad de la realidad y la fuerza de la imaginación.

El rey pescador 04

Trailer de «El rey pescador»

[imdb]tt0101889[/imdb]

El chico y la garza (2023), otra obra maestra de Hayao Miyazaki

El chico y la garza - poster

El chico y la garza (Kimitachi wa dô ikiru ka) es un festín visual y auditivo que nos sumerge en un mundo de fantasía y aventura lleno de criaturas mágicas y paisajes oníricos, con el sello característico de Hayao Miyazaki (Nausicaä del Valle del Viento, Mi vecino Totoro, Porco Rosso) para el Estudio Ghibli. La película comparte título con la novela escrita por Yoshino Genzaburō y publicada en 1937, sin embargo presenta una historia original que no guarda relación con el libro.

Sinopsis de «El chico y la garza»

El chico y la garza 01

Un vuelo onírico a través de la imaginación

Con una carrera llena de joyas (casi) indiscutibles, es difícil que a estas alturas una película de Hayao Miyazaki llegue a decepcionarme. El chico y la garza no ha sido la excepción. Estamos ante la película más simbólica y metafórica del director, pero también la más personal, llena de paralelismos con su vida y con personajes que, según su propias palabras, representan a personas que han sido o son relevantes para él. Miyazaki quiso crear una película dedicada a su nieto, que sirva como testamento o enseñanza para cuando este crezca y deba enfrentarse a la vida.

El chico y la garza 02

La historia en sí vuelve a tener elementos que nos recuerdan a momentos de Alicia en el País de las Maravillas, cosa que ya sucedía con El viaje de Chihiro. También hay aspectos que parecen sacados de Ni no Kuni, el videojuego (después película) en el que Ghibli participó realizando diseño de personajes y animación (con Jo Hisaishi en la banda sonora 😆).

Visualmente nos encontramos ante un espectáculo impresionante, con un estilo de animación que combina 2D con toques de 3D, donde cada fotograma es una obra de arte repleta de detalles con una minuciosidad que roza la obsesión, con una paleta que varía desde tonos melancólicos hasta explosiones de color vibrante.

El chico y la garza 03

Aunque la trama está abierta a múltiples interpretaciones, y a veces puede resultar densa y un poco compleja, en esencia nos habla de temas universales como la pérdida, el crecimiento y el proceso de encontrar sentido en un mundo fragmentado. De la vida, en general.

La banda sonora de Jo Hisaishi añade una capa emocional que acompaña a la perfección las transiciones entre lo mundano y lo mágico, sirviendo de complemento tanto a la historia como a las emociones de los personajes.

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Trailer de «El chico y la garza»

[imdb]tt6587046[/imdb]

El luchador (2008), un drama sobre la lucha por la identidad

El luchador - postere

El luchador nos sumerge en el crudo y desgarrador mundo de la lucha libre a través de la particular visión de Darren Aronofsky (Pi, fe en el caos, Réquiem por un sueño, La fuente de la vida). Protagonizan Mickey Rourke (El mexicano, Sin City, Domino), Marisa Tomei (King of the Jungle, El gurú del sexo, Antes que el diablo sepa que has muerto) y Evan Rachel Wood (Dulce persuasión, La vida ante sus ojos, Across the Universe).

Sinopsis de «El luchador»

El luchador 01

Lucha para vivir y vive para morir

El luchador abre una ventana no idealizada del mundo de la lucha libre. Así, nos muestra de forma realista la violencia, el desgaste físico y emocional, y la camaradería que se forja entre los luchadores. Más allá del entorno deportivo, estamos ante una historia sobre la identidad, la soledad, la redención, la búsqueda de nuevas oportunidades y la lucha por sobrevivir, ofreciendo una reflexión sobre los sacrificios personales y físicos de quienes dedican su vida a un sueño que, en muchos casos, es tan destructivo como apasionante.

El luchador 02

La dirección visual de Aronofsky combina los colores y la música para crear una atmósfera opresiva y visceral que refleja el estado emocional de los personajes. El enfoque casi documental, con un rodaje cámara en mano que sigue cada paso del protagonista, logra transmitir una sensación de inmediatez e intimidad que coloca al espectador dentro de su deteriorado mundo.

El luchador 03

A destacar especialmente la magistral interpretación de Mickey Rourke, que realiza una transformación física y emocional asombrosa, consiguiendo proyectar una mezcla de orgullo, desesperanza y anhelo de redención. Es un hombre que alguna vez fue famoso y poderoso, pero que ahora enfrenta a las consecuencias de sus decisiones, a sus demonios internos, a la fragilidad de su propio cuerpo y al vacío de una vida sin propósito.

El personaje de Marisa Tomei, una stripper con una historia de vida paralela a la de Randy, se convierte en un reflejo de sus propias elecciones y de la lucha que ambos enfrentan en un mundo que exige una constante juventud y vitalidad. Ambos intentan escapar de la realidad de que su tiempo ha pasado, y esta conexión entre ambos proporciona algunos de los momentos más tiernos y melancólicos de la película.

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Trailer de «El luchador»

[imdb]tt1125849[/imdb]

Habitación en Roma (2010), duelo de miradas en la Ciudad Eterna

Habitación en Roma - poster

Habitación en Roma es un intenso drama psicológico dirigido por Julio Medem (La ardilla roja, Los amantes del círculo polar, Caótica Ana), con más tensión sexual que argumento, invirtiendo la habitual combinación usada por el director en sus largometrajes precedentes. Protagonizan Elena Anaya (Alatriste, Miguel y William, Hierro) y Natasha Yarovenko (Jóvenes, Diario de una ninfómana, Negro Buenos Aires).

Sinopsis de «Habitación en Roma»

Habitación en Roma 01

Porno gafapasta

Habitación en Roma 02

Habitación en Roma explora la conexión emocional y física entre dos mujeres en un breve pero intenso encuentro en Roma, creando una atmósfera cargada de tensión sexual y emocional, gracias a las magníficas interpretaciones de Elena Anaya y Natasha Yarovenko.

El enfoque minimalista elegido por Medem hace que la historia se concentre en la interacción entre las dos protagonistas a través de sus gestos, sus miradas y sus diálogos. De esta manera, aborda de manera sensible y sin (pre)juicios la complejidad de la identidad sexual y la conexión humana en un contexto íntimo y sugestivo, explorando los límites entre el deseo, el amor y la atracción.

Habitación en Roma 03

Por sus características intrínsecas, el ritmo de la película es lento y demasiado introspectivo. La estructura argumental se apoya en el diálogo casi constante (solo casi), lo que da lugar a una narrativa pausada que en ocasiones lastra el avance y el desarrollo de la historia.

Julio Medem vuelve a demostrar que el amor y el deseo pueden ser el núcleo de un relato poderoso, íntimo y universal, aunque en esta ocasión el envoltorio sexual no deje ver con mucha claridad el contenido de la historia.

Trailer de «Habitación en Roma»

[imdb]tt1263750[/imdb]

The voices (2014), una comedia oscura bipolar

The voices - poster

The Voices, dirigida por Marjane Satrapi (Persépolis, Pollo con ciruelas), mezcla terror y comedia negra de una manera única y perturbadora. Está protagonizada por Ryan Reynolds (Ted, El invitado), Gemma Arterton (Byzantium, Hansel y Gretel: Cazadores de brujas) y Anna Kendrick (Dando la nota, Colegas de copas).

Sinopsis de «The voices»

The voices 01

El siniestro Dr. Dolittle

The voices presenta una premisa tan simple como inquietante: un hombre que escucha las voces de su gato y su perro. A partir de ahí se adentra en una mente perturbada y nos obliga a cuestionar la delgada línea entre la realidad y la fantasía.

The voices 02

La película destaca por su estilo visual distintivo y su enfoque audaz en temas de salud mental, presentando una narrativa inquietante con secuencias que pretenden ser divertidas, pero no lo consiguen del todo. El uso del color y del contraste nos muestra la desconexión del protagonista con la realidad. Su mundo mental está lleno de colores brillantes, casi caricaturescos, y con un tono infantil, mientras que la realidad se nos aparece lúgubre, apagada y desordenada. Este uso de los escenarios y la iluminación para retratar el estado mental del protagonista es el punto fuerte de una película que no destaca en mucho más a pesar de que lo intenta.

The voices 03

El humor oscuro y grotesco, combinado con escenas de violencia absurda, echan bruscamente de la trama al espectador, que acaba dudando de si está viendo una comedia, una historia de un asesino en serie demente, un estudio psicológico sobre la personalidad múltiple o una cinta cutre de vísceras y sangre (¿alguien conoce La masacre del microondas? 😁)

Así pues, tenemos una extraña mezcla de slapstick, comedia negra y gore comercial que busca explorar el punto de vista de un asesino en serie esquizofrénico. El final es bastante flojo para lo que es el planteamiento presentado. Eso sí, los créditos son muy divertidos.

No me extraña que Reynolds se aferre de manera tan desesperada al personaje de Masacre. Cada vez que veo algo de su filmografía me convenzo de que no da para más.

En aras de la bipolaridad, en el blog ya hay una reseña previa más amable realizada por Jal-9000 😁

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Trailer de «The voices»

[imdb]tt1567437[/imdb]

Por tus muertos (2024), un viaje nostálgico con baches

Por tus muertos - poster

Por tus muertos, dirigida por Sayago Ayuso, es una comedia con toques musicales que rinde homenaje al rock de los 80 al tiempo que reflexiona sobre los sueños rotos y las aspiraciones no cumplidas. Protagonizan José Mota (García y García, De Caperucita a loba), Jorge Sanz (Clara no es nombre de mujer, La reina de España), Marta Belenguer (La última cena, Camera Café, la película), Carles Francino (Tengo ganas de ti, Pasaje al amanecer) y Emilio Linder (Plantados, Balas y katanas).

Sinopsis de «Por tus muertos»

Por tus muertos 01

Los viejos rockeros nunca mueren

El principal problema que puede tener Por tus muertos es que no llega a ser exactamente lo que puedes esperar que sea. Es decir, no es una comedia gamberra y alocada sobre el mundo del rock urbano (no sale Santiago Segura, ¡bien! 😁), algo que se queda en el prólogo introductorio, donde aparecen varias figuras reconocidas del panorama musical nacional a modo de falso documental sobre el falso grupo Metralla. Además se trata de un musical. Sí, los personajes se ponen a cantar en momentos aleatorios para explicar sus emociones, con los figurantes haciendo coros y coreografías.

Por tus muertos 02

Superados ambos dos traumas (lo de las canciones es un shock la primera vez, sobre todo si no vas avisado), la peli no está mal. Al margen del tono humorístico, que también está presente, la historia tiene trasfondo muy serio, inclinándose hacia el drama personal y explorando aspectos como la nostalgia, la amistad y la lucha por mantener viva la ilusión. Se busca y se consigue de forma bastante acertada generar una sensación de nostalgia hacia aquellos que vivieron los años 80, tanto en música como en vestuario, estética y forma de hablar, ofreciendo también un contraste con esos mismos elementos en la actualidad.

Es destacable la labor de la dupla protagonista, que hacen gala de una gran química y de un cruce de diálogos ingeniosos (que no cómicos), gracias a los cuales se aligera una trama que en ocasiones se vuelve un poco densa. Por un lado, José Mota, alejado de sus papeles más humorísticos, demuestra su capacidad para construir un personaje quijostesco, con aires melancólicos y un pequeño toque de sarcasmo amargado. Por otro lado, Jorge Sanz, con un coprotagonista lleno de excesos, despiporre y sorpresas, sirve como contrapunto cómico y, a la vez, como la voz de la razón (demente, pero razonable 🤣)

Por tus muertos 03

La narración es un poco irregular, con secuencias que avanzan con energía frente a otras en los que la acción se estanca. El hecho de que la premisa inicial sobre la reconciliación del grupo se resuelva casi desde el principio hace que dé la impresión de que la trama va dando tumbos sin tener muy claro hacia dónde quiere dirigirse. La mezcla de géneros no es todo lo orgánica que debería y por momentos se nota artificial. Es la iteración entre los personajes lo que ayuda mucho a que estas oscilaciones no se hagan muy pesadas.

Trailer de «Por tus muertos»

[imdb]tt29451310[/imdb]

La Ola (2008), un experimento social escalofriantemente real

La Ola - poster

La Ola es un thriller psicológico alemán dirigido por Dennis Gansel (El fantasma, Chicas al ataque, Napola, escuela de élite nazi), que realiza una importante reflexión sobre el poder de la manipulación y la fragilidad de la democracia. Está protagonizada por Jürgen Vogel (La calle de las Rosas, El libre albedrío, Un conejo sin orejas), Frederick Lau (El aula voladora, Bibi, la pequeña bruja y el secreto de los búhos azules, The Invention of the Curried Sausage), Jennifer Ulrich (Mi vida empieza hoy, Alerta cocodrilo, Siete domingos a la semana), Max Riemelt (Chicas al ataque, La cacatúa roja, Somos la noche) y Christiane Paul (Marlene, I’m the Father, Sergeant Pepper).

Sinopsis de «La Ola»

Perturbadoramente actual

La Ola, a través del experimento realizado en el instituto, explora de manera impactante cómo pueden surgir y consolidarse movimientos autoritarios y la facilidad con la que las personas pueden ser manipuladas para adoptar ideologías radicales, incluso en un entorno tan aparentemente seguro como un aula.

La Ola 02

Se exploran temas de identidad, poder, y la facilidad con la que se puede suprimir la ética individual a favor del pensamiento colectivo. Los uniformes, el saludo especial y el logo de «La Ola» representan el desmoronamiento de la identidad personal ante la comunidad y su ideología. Estos temas son especialmente relevantes en un mundo donde cada vez cobran más valor los discursos de odio y la polarización sobre casi cualquier asunto, sea o no relevante. Además, invita a reflexionar sobre nuestras propias actitudes y nos sugiere ser críticos con aquellos que buscan manipular nuestras emociones y creencias.

Al igual que en experimentos psicológicos históricos como el de Milgram, el de la prisión de Stanford o el del profesor de historia Ron Jones, que sirve de base para la película, el guion cuestiona cuán fácil es que una persona racional actúe en contra de su moralidad si se le da un propósito mayor.

La Ola 03

Al margen de propiciar la reflexión y parecer un poco didáctica en algún momento, la atmósfera claustrofóbica de la historia consigue mantener un ritmo de suspense psicológico, con una narrativa que avanza implacablemente hacia una tragedia predecible pero inevitable. En todo momento el espectador se cuestiona cómo situaciones similares podrían desarrollarse en la vida real.

Hay aspectos que podrían haberse explorado con mayor profundidad, así como algunos personajes secundarios podrían haber tenido un desarrollado más elaborado, lo que habría enriquecido la trama y proporcionado una visión más completa de la sociedad retratada. No obstante, la película cumple su objetivo de generar un debate sobre el autoritarismo y la importancia de la educación cívica.

La Ola 04

Trailer de «La Ola»

[imdb]tt1063669[/imdb]

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