Ataque a los Titanes (Shingeki no Kyojin) es una adaptación en imagen real del popular manga creado por Hajime Isayama que cuenta con más de 130 capítulos recopilados en 31 tomos; sique publicándose en la actualidad y se espera que termine este año en curso. Se ha realizado una adaptación en formato de serie animada, con 70 episodios agrupados en cuatro temporadas que también terminarán de emitirse este año; hay además varios OVAs que contienen información complementaria sobre personajes y el trasfondo de la historia.
Hace unos 100 años aparecieron de forma repentina unos seres gigantes, caníbales y muy resistentes, que llevaron a la humanidad al borde de la extinción. Los supervivientes construyeron tres muros concéntricos donde malviven esperando un nuevo ataque.
Es difícil hacer una reseña mínimamente objetiva de un producto que cuenta con varias adaptaciones, y más cuando una de dichas adaptaciones tiene por fuerza que padecer una mutilación brutal del material original. Intentar establecer el valor de la película por sí misma al margen de la información que sabes que falta conociendo las otras versiones es muy complicado.
No he leído el manga, pero sí he visto gran parte de la serie, que abusa demasiado del formato de episodio vacío que termina en un cliffhanger brutal que provoca la necesidad de correr a ver el siguiente. Y así en bucle. Eso sí, lo hace muy bien… o al menos mejor que otras series que usan ese mismo recurso. En principio no debería ser muy difícil hacer un resumen de los primeros ocho episodios del anime en los 100 minutos que dura la peli, que realmente no es más que eso.
Reinterpretando o prescindiendo de elementos (relativamente) importantes en la trama, tenemos una introducción correcta al universo de estos Titanes. Los primeros 20 minutos son brutales como prólogo y presentación de los protagonistas y arranque de la situación en sí, aunque a partir de ahí la trama se acelera y no es capaz de ofrecer un grado de desarrollo suficiente para mantener el interés.
La mayor parte de los personajes (incluyendo los principales) apenas están esbozados y no nos llega a importar si los matan, si son unos traidores, o si se van de vacaciones. Tampoco se dan las explicaciones necesarias sobre el funcionamiento de la región amurallada, la importancia de sus diferentes niveles y el por qué es necesario recuperar la parte invadida.
El contexto en sí cambia completamente. En la serie de animación (y supongo que en el manga) estamos en un época de tipo medieval centro-europea (pasando por el filtro japonés, que son muy fans de dicha época añadiéndole características propias) con una presencia mínima de tecnología tirando ligeramente hacia el steampunk. Por otro lado, la película se ambienta claramente en un futuro post-apocalíptico con presencia de vehículos y armas casi inservibles por el deterioro o la falta de munición o combustible.
A nivel técnico y artístico está muy bien; queda claro que los japoneses son los creadores del género Kaiju-eiga de monstruos gigantes peleándose dentro de la ciudad, que es la parte más brutal de la peli en sí, con sangre y desmembramientos por doquier. Las coreografías de los ataques y el uso del Equipo de Maniobras Tridimensional están muy logrados, algo que podría parecer bastante complicado por el funcionamiento del equipo en sí en un entorno de imagen real. La apariencia de los titanes (y su diversidad) también está bastante bien realizada, aunque la integración con los humanos y el recorte contra el fondo de croma verde cante demasiado en determinados momentos.
Final abierto, ya que la adaptación se presentó en dos partes que se estrenaron de forma casi consecutiva.
Kin promete más de lo que da. Promete una historia similar a la que podemos encontrar en las génesis de los superhéroes de cómics: niño encuentra artefacto que lo dota de gran poder, y con el cual desea vengar la muerte de su padre. Sin embargo aquí nos quedamos en una promesa vacía de toda intención.
Cuando lo primero que vemos en el propio cartel, y toda la publicidad que se le hizo a la película, es «de los productores de», ya deberíamos empezar a entender que lo que vamos a ver no le llega a la suela de los zapatos y «ponemos eso a ver si alguien pica».
Perseguidos por un criminal vengativo y una banda de soldados sobrenaturales, un exconvicto recién liberado y su hermano adolescente adoptado se ven obligados a escapar con un arma de origen misterioso que es su única protección.
Ese criminal vengativo que menciona la sinopsis de Kin no es menos que James Franco firmando la que posiblemente sea la peor actuación de su carrera. Es tan exagerado que supera el límite de la credibilidad. No a un nivel Kingpin, donde su gran tamaño no deja de ser una alegoría a su enorme poder e influencia, no, aquí estamos a un nivel de sobreactuación tal que parece de los que suspendieron primero de actuación en la academia de actores.
Daft Punk en horas bajas? No, son los «soldados sobrenaturales».
Los otros perseguidores, los soldados sobrenaturales, sí aportan una línea argumental interesante durante toda la película, en lo poco que aparecen, pero al igual que el conjunto de la película, es una promesa que se queda en nada. Hasta se muestra evidente y poco sorpresiva llegado su clímax. Una pena, porque esto sí daba para más.
Dennis Quaid, Zöe Kravitz y Miles Truitt son los únicos que, aparentemente, intentan soportar el peso de la película, pero lamentablemente se queda en un intento porque, evidentemente, la mierda pesa más que la ausencia de ella.
Todo lo interesante ocurre en los primeros minutos de la película. A partir de ahí es una caída libre con alguna bolsa de aire caliente que resulta reconfortante… mientras sigues cayendo.
Para matar el tiempo se puede aceptar, pero no es un buen ejemplo de película de ciencia ficción, o de acción, recomendable, pues es un quiero y no puedo de muchas cosas.
Tormenta Oscura es una película de ciencia ficción catastrofista dirigida por Jason Bourque, responsable de diversos telefilms sobre dramas familiares, apocalipsis o conflictos navideños varios (en la variedad está el gusto). Protagoniza de forma inexpresiva Stephen Baldwin, el hermano del clan Baldwin habitual en este tipo de cintas; también andan por ahí Rob Labelle (habitual secundario en innumerables series como Los 4400 o Smallville) y William B. Davis (el Fumador de Expendiente-X).
En una base militar secreta, un equipo científico acaba de inventar el Eruptor, un arma capaz de reducir cualquier cuerpo a cenizas inyectándole materia oscura a presión.
La cinta nos cuenta una historia de origen de un superhéroe completamente típica. No se han roto mucho los cuernos: científico trabaja en experimento para utilizar la materia oscura; la financiación militar quiere resultados y se aceleran las pruebas cometiendo imprudencias; por un lado, el científico se ve expuesto a la materia oscura y adquiere habilidades sobrehumanas y por otro lado, un accidente en el laboratorio provoca un incidente que podría causar el fin de la existencia tal como la conocemos.
Un chico entra en un bar con un caniche blanco debajo de un brazo y materia oscura debajo del otro y le dice al camarero…
No, no tiene ninguna gracia.
Y no queda mucho más que añadir. Efectos bastante justitos, tecnocháchara bochornosa, actuaciones muy limitadas y situaciones navegando alegremente entre lo ridículo y lo absurdo. El desarrollo es bastante lineal y sin sorpresas ni giros inesperados.
Una peli muy adecuada para acompañar la siesta o mientras sales a dar un paseo.
Sputnik nada tiene que ver con la vacuna rusa del COVID-19, aunque sí va de matar a un bicho muy malo. Dirigida por Egor Abramenko es la versión extendida (y muy diferente) de su cortometraje Passazhir, que traduciremos por Pasajero, de 2017.
El único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa.
Sputnik es una película muy lenta, algo esperable en una producción rusa, pero lo que más destaca en la producción es el ambiente opresivo que consigue trasladar al espectador. Al desarrollarse en un búnker gran parte de la historia, nos sentimos tan encerrados como lo están los personajes. Sin llegar al nivel de Alien: el octavo passazhir pasajero, desde luego, pero similar. Y hasta aquí se pueden hacer comparaciones con Alien, porque el resto de la historia poco o nada tiene que ver con la producción de Ridley Scott.
[spoiler]El alienígena de Sputnik tiene más relación con el de la película Life que con Alien.[/spoiler]
Pocos efectos especiales, comedidos, discretos y bien utilizados, sin saturar al personal. Me ha encantado toda la escena que da inicio a la película, con los cosmonautas en la nave. Las tomas exteriores me parecieron de un real muy creíble.
La ambientación temporal, 1983, está súper lograda. Tanto que mata un poco la sorpresa del final de la película.
[spoiler]Las escenas de orfanato se nota que están ambientadas en una época anterior a la que representan en la historia principal, y si te has fijado en los detalles durante la película, sabes que el niño/niña es Tatyana antes de que lo revelen oficialmente.[/spoiler]
Oksana Akinshina
Oksana Akinshina interpreta a la prota, Tatyana Klimova, y lo hace de manera magistral. Fría como el acero lleva a cabo su investigación sin ningún tipo de barrera, hasta que la situación se pone seria y entonces empieza a recular. Es un personaje muy creíble, bien construido y mejor interpretado.
No conocía a esta actriz, pero habrá que hacerle un seguimiento. Por lo pronto la volveremos a ver en la película que sirve como respuesta rusa a la serie Chernobyl.
Economía de localizaciones que oprimen al espectador. Temporalización logradísima. Efectos donde tienen que estar. Buenas interpretaciones… Es todo tan bueno en Sputnik?
Pues no es oro todo lo que reluce, por desgracia. La segunda línea de historia que tenemos por detrás de la principal, es un completo sinsentido.
[spoiler]El enamoramiento repentino de los protagonistas no entra ni con calzador, y aunque ambos pongan todo el empeño posible en sus interpretaciones, sigue sin entrar.[/spoiler]
No obstante, esto no consigue quitarnos el buen sabor de boca que hemos estado paladeando durante todo el metraje, siendo así Sputnik una película muy entretenida y original. Desde luego es recomendable para pasar un buen rato.
Poseidon Rex es una producción de Titan Global Entertainment, que debe estar intentando robarle una parte del pastel de las pelis de bichoños cutres a The Asylum. Total, todo acaba siendo emitido por SyFy (o parece que por primevideo, al menos en España 😂). Está dirigida por el veterano Mark L. Lester, que lleva desde los 70 haciendo films de todo tipo, como La Muerte era su Juego, Curso de 1984, Ojos de Fuego o Little Tokyo: Ataque Frontal, hasta las más recientes bichoñadas de pura serie Z.
Buscando un antiguo tesoro maya en una misteriosa fosa cerca de la costa de Belice, un grupo de buceadores liberan accidentalmente a un mortal depredador prehistórico que puede moverse tanto por mar como por tierra.
Guión básico, calcado de mil y una producciones anteriores con mínimos cambios. Empezamos con un accidente explosivo que libera a una criatura atrapada desde tiempos inmemoriales y que se va a dedicar a sembrar el pánico y a comerse todo lo que pueda (aunque sin pasarse). Lo peor que le puede pasar a una película de este tipo es que pretenda ser demasiado seria, pero no tenga actores, guión, diálogos o presupuesto a la altura. Y aquí no hay nada de eso.
Un cazador de tesoros es acosado por un grupo de mafiosos jamaicano bastante cutre. Mientras intenta esquivarlos y hace sus cosas de cazador de tesoros, se junta con una pareja que está de vacaciones, el capitán de un bote que hace rutas de inmersión y una bióloga marina rubia pero bastante lista. El grupo decide ir a por la criatura o a por el oro, según los intereses de cada uno. Y poco más. Hay tiroteos muy delirantes, persecuciones con cero emoción, pocas muertes vistosas y casi nada de sangre o vísceras.
El Poseidon Rex (P-Rex para los amigos 😅) no es más que un tiranosaurio con una espina dorsal de aletas. Aún así, el diseño es molón, y en las escenas submarinas da el pego; pero cuando nada (o camina sobre el agua, no lo tengo muy claro) o se planta en tierra firme, todo el tema de texturas, sombras e integración con el entorno da el cante cosa mala. De hecho, todas las secuencias que transcurren debajo del mar 😊 son técnica y visualmente muy superiores a todo lo que pasa por encima del mismo.
Protagoniza Brian Krause, conocido por su personaje en Embrujadas (1998-2006) y ya, junto a un puñado de completos desconocidos habituales de subproductos televisivos y similares.
Los muertos no mueren es una chorrada grande como un piano de cola, pero con unos elementos que, lejos de situarla a nivel de una masterpiece, consiguen que por lo menos no te haya parecido una total pérdida de tiempo.
En la pequeña localidad de Centerville, los muertos vuelven a la vida y un variopinto grupo de personajes tendrá que hacerles frente.
Con la explicación o excusa del fracking en el polo norte, por parte de EEUU obviamente, la tierra se ha desplazado de su eje, y ha hecho que los días y noches tengan diferente duración. Hasta aquí podríamos decir: vale, me lo puedo llegar a creer, es ciencia. Ahora, que por el desplazamiento de la corteza terrestre se provoque el levantamiento de los muertos, recientes y no tanto, pues ya no. Así que si me das una cucharada de ciencia no me des después una de chorrada.
Le pones alas y tienes un Tie Fighter
Los muertos no mueren no deja de ser una película de amiguetes con un montón de cameos que están por estar, hecha para pasar el rato, sin demasiadas pretensiones y con arreglos de guión de lo más variopinto, llegando a momentos metafísicos donde los personajes son conscientes de ser actores interpretando un papel. El primero de estos momentos sucede cuando suena la canción (que llegará a aburrir al más valiente) en la radio y Adam Driver dice que «es la canción de la película».
[spoiler]Momentos como este llegarán a su culmen cerca del final de la película con la discusión entre Bill Murray y Adam Driver sobre el guión de la propia película que están interpretando.[/spoiler]
La película pasa sin pena ni gloria por los 100 minutos que dura, y si sólo quieres una película para pasar el rato, puede ser una buena opción. Si lo que quieres es una buena comedia de terror, quizá sea mejor seguir buscando (Zombieland, con el propio Bill Murray, sería mejor).
Es una pena que Jim Jarmusch firme esta película, porque su anterior Sólo los amantes sobreviven, ahondaba algo más y de mucha mejor manera en el género sobrenatural (también con Tilda Swinton); que aunque fuera también algo chorrada, era mucho más personal. Digo que es una pena porque va a parecer que Jarmusch sólo sabe rodar mierda, y no es así (aunque se curre bastante que lo parezca).
El cameo que más llamó mi atención fue el de Selena Gómez… Entra en escena como si fuera a ser parte importante de la película, desarrollando el personaje y creando un vínculo con el espectador; «vale esta tía es maja y se porta bien, a ver a dónde llega».
[spoiler]A dónde llega? Pues poco más adelante Adam Driver tiene que decapitar su cadáver, sin mayores explicaciones.[/spoiler]
El personaje de Steve Buscemi me parece grandioso y una estupenda crítica de la sociedad rural estadounidense, pero si tengo que destacar un personaje o actor, por su genialidad, es a Tilda Swinton y su maravillosa interpretación de un forense nórdico escocés y samurai. Personaje al que no se mataron mucho al ponerle nombre, porque pasó de Tilda Swinton a Zelda Winston.
[spoiler]Y cuando te das cuenta de que, además es alienígena, el chiste anterior del llavero de Adam Driver cobra más sentido aún.[/spoiler]
– Nice keyring.
+ It’s Star Wars.
– Ah, Star Wars. That’s good fiction.
Conversación entre Adam Driver y Tilda Swinton en la película
En fin, que la peli Los muertos no mueren si es para pasar el rato, vale, pero como muestra de cine quizá no.
Hace muy poquito reseñamos Dagon: La secta del mar (2001), y algo más atrás El color que cayó del cielo (2019), llegando a la conclusión que eran 2 grandes adaptaciones de la obra de Lovecraft. Hoy nos toca revisar una algo más antigua: En la boca del miedo (1994), dirigida por John Carpenter, pero más que una adaptación, estamos ante una rendición, un homenaje al escritor, su obra y su mitología.
El éxito de Sutter Cane, un famoso escritor de novelas de terror, no tiene parangón. Pero, inesperadamente, poco antes de entregar a su editor su última novela, desaparece sin dejar rastro. Al mismo tiempo, algunos de sus fans se están volviendo inexplicablemente violentos. Para encontrar a Cane, el editor contrata al detective John, que está convencido de que todo es un montaje publicitario para promocionar el próximo libro del novelista. Estará en lo cierto?
La crítica se comió con patatas a John Carpenter, sin razón alguna. Quizás aprovechando las horas bajas que se supone sufría en ese momento, lo que deja a la crítica como una panda de abusones.
Decimos que sin razón porque esas horas bajas que sufría Carpenter no son patentes en esta cinta, que es cojonuda, y quizá su última gran película (amén de algunos aspectos de Fantasmas de Marte). Nosotros la reivindicamos no sólo como una gran obra de por sí, sino como una genial adaptación de Lovecraft.
Pero hablemos un poco de En la boca del miedo
Decíamos arriba que más que una adaptación tenemos aquí un homenaje a Lovecraft, pues la película se inspira en la mitología creada por el escritor estadounidense. Sin ir más lejos, el título original In the mouth of madness está claramente sacado de At the mountains of madness, aunque las historias no tienen nada que ver. O sí?
At the mountains of madness nos relata un episodio de locura sufrido por una expedición, y la película de Carpenter tiene la locura como hilo conductor de toda la trama.
Locura, aparición de los profundos, historia contada como un flashback… recursos básicos Lovecraftianos.
Sin ir más allá, los títulos de las novelas del escritor Sutter Cane son calcos de las obras de Lovecraft:
The Whisperer of the Dark sale de The Whisperer in Darkness
The Thing in the Basement sale de The Thing on the Doorstep
Hunter out of Time sale de la fusión entre The Hunter of the Dark y The Shadow Out of Time
The Hobbs End Horror sale de The Dunwich Horror
Y la editorial a la que pertenece Sutter Cane? Arcane Publishing. Baia.
La locura
La peli empieza con Sam Neil siendo internado en un manicomio (eso no puede recibir el nombre de hospital psiquiátrico), en la típica «celda acolchada» y con camisa de fuerzas. Poco después llega un doctor para hacerle una visita/entrevista sobre los motivos que lo han llevado a esa situación, y comienza el flashback.
Todo comienza con el ataque de una persona, hacha en mano, hacia el personaje de Sam Neil, un investigador de una aseguradora. Poco después sabemos que ese individuo era el manager de Sutter Cane, y comenzamos a descubrir una trama rara y no tan ingenua como a priori piensa el protagonista.
La verdad es que no quiero analizar mucho la trama o la historia porque caería en más de un spoiler, y prefiero que no sea así.
Os recomiendo ver En la boca del miedo, sin duda alguna, incluso aunque ya la hayas visto. Seguro que encuentras detalles en los que no habías caído antes.
Os dejo el tráiler de En la boca del miedo
Dos spoiler para acabar
[spoiler]Llegando el final de la peli cuando cuando Sam Neil está escapando con los profundos detrás es un momento un poco mierder. Ojo, hablo la huida en si, está fatal hecha. Los bichos molan mazo y son muy acariciables, pero parece que Sam Neil esté corriendo en el sitio y queda súper cutre. Y es una pena, porque durante toda la película hace un papel espectacular y yo le daría mil premios por él, pero esa escena es una mancha dentro de una interpretación sublime en una película cojonuda.[/spoiler]
[spoiler]Sutter Cane quiere al personaje de Sam Neil fuera del manicomio, y hace que un bichoño arranque la puerta de la celda. Sam Neil escapa y llega la escena más cojonuda de la película: el cine.
Me parece tan sublime que el prota asista a la película que acabamos de ver nosotros que no tengo palabras para describir lo que sentí en el momento. Me quito el sombrero, John Carpenter.[/spoiler]
Gretel y Hansel es la tercera película de Oz Perkins (La Enviada del Mal, Soy la Bonita Criatura que Vive en Esta Casa), hijo del actor Anthony Perkins. Está protagonizada por Sophia Lillis (que intertretó a Beverly en el remake de It) y Alice Krige (Star Trek: Primer Contacto, El Imperio del Fuego, Silent Hill).
En Baviera, a principios del siglo XIV, Gretel y Hansel, de 13 y 9 años respectivamente, viven en la miseria más absoluta. Su padre murió hace años y su madre está casada ahora con un hombre malvado. Debido a la falta de recursos y al creciente miedo que les produce su padrastro, Gretel y Hansel deciden huir del pueblo en busca de un futuro mejor.
No se trata de una adaptación del cuento tal cual, sino que se queda con lo más básico y a partir de ahí construye su propia historia. Además no lo hace de forma explícita, sino que deja muchas cosas de forma ambigua a entender entre líneas. Más que por el desarrollo de la trama destaca por su impactante aspecto visual, y su atmósfera malsana e inquietante.
Después de haber visto su ópera prima y faltándome, de momento, su segundo proyecto, podemos decir que esos elementos son sello personal del director, más preocupado por mimar los detalles técnicos y la fotografía en la búsqueda de lograr una ambientación tétrica, desesperante y claustrofóbica, que por conseguir una historia amena y entretenida.
Di eso otra vez y te convertiré la lengua en una flor para recordarte lo bonita, absurda y efímera que has elegido ser.
La moraleja del cuento de origen sobre la colaboración para superar las malas situaciones y el desconfiar de las apariencias desaparece por completo y la historia se convierte en el viaje iniciático de Gretel (estupendamente interpretada por Sophia Lillis y Jessica De Gouw, en su versión joven) que se rebela contra el papel estereotipado que le ofrece la sociedad de su época. Hansel es completamente desplazado (no es que tuviera mucho peso más allá de ser el primero en el título original) y aquí llega a convertirse en un completo lastre para su hermana.
Perkins se convierte para mí en uno de esos directores con un toque personal, para seguir su trayectoria teniendo muy presente qué es lo que ofrece en una de sus películas, y con la curiosidad de ver si encontrará alguna vez una narración a la altura de su puesta en escena.
Attack the Block es una comedia sobre una invasión alienígena urbana que supuso el debut en la dirección de Joe Cornish, conocido por haber participado en el guión de Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio y El Hombre Hormiga. Entre el reparto podemos destacar a un también debutante John Boyega (la última trilogía de Star Wars, Pacific Rim: Insurrección), a Jodie Whittaker (Venus, Supercañeras: El Internado Puede ser una Fiesta, La Recompensa) y a Nick Frost (Zombies Party, Penelope, Arma fatal).
Una pandilla de adolescentes de un barrio marginal de Londres asaltan a una enfermera. Justo entonces una bola de fuego se precipita desde el cielo sobre un coche cercano. Al acercarse al vehículo, de su interior sale una extraña criatura. Comienza una noche de lo más extraña.
La historia parte de una anécdota real vivida por el director, que fue asaltado por un grupo de adolescentes en el sur de Londres y se preguntó qué pasaría si el robo fuese interrumpido por un suceso fantástico o paranormal. Con una duración de 80 minutos justitos, la película es muy dinámica y ofrece una acertada combinación de comedia gamberra, ciencia ficción y crítica social. El tono general recuerda mucho a una típica cinta de aventuras juvenil de los años ’80 pero actualizando conceptos y situaciones en vez de intentar apelar gratuitamente a la nostalgia.
Big alien gorilla wolf motherfuckers. I swear.
– Pest
A pesar de contar con un presupuesto no demasiado elevado, demuestra que se pueden hacer cosas muy chulas con ingenio y habilidad, como esos alienígenas que, siendo una combinación de disfraz cutre con retoques infográficos (básicamente son gorilas muy negros con dientes luminiscentes 😆), cumplen sobradamente para dar una presencia inquietante y amenazadora; sencillos pero efectivos. Las varias escenas de violencia, sangre y vísceras también están bastante logradas.
En líneas generales es como Critters 3 pero muchísimo mejor.
Dagon es una película española de 2001 basada en un relato de H.P. Lovecraft, La sombra sobre Innsmouth (1931), que tuve la ocasión de leer hace muy poco. La película es producción de la otrora promesa del terror nacional Fantastic Factory, que tuvo en su haber una serie de producciones que resultaron bastante cuestionables, y cuestionadas. Antes de meternos en la película, tenemos que ponernos en antecedentes con esta productora.
En EEUU, por poner el ejemplo de la meca del cine, la subvención que obtienen las productoras se traduce en ventajas fiscales y devolución de costes de producción (fuente), y para obtener esas ventajas tienes que hacer la película, estrenarla y obtener beneficios para que esas ventajas se traduzcan en verdes.
En España (y Europa=, por contra, la subvención no es posterior al estreno, sino anterior… Si quieres hacer una película (y tienes background) te darán la subvención con una serie de requisitos y obligaciones, que hasta hace poco eran: estrenarla en el cine y poco más. De ahí que haya películas que sólo se estrenan en salas pequeñas y cines de segunda (sin ánimo de ofender, son los mejores putos cines). Incluso se han dado casos de estrenos con salas cerradas (y taquilla vendida entera) para justificar el estreno y el «Sold out!».
Conociendo estos datos, Bryan Yuzna (director entre otras, de parte de la saga Re-Animator, junto con Stuart Gordon, quien también es director de la actual Dagon) decide juntarse con Julio Fernández (productor de Los sin nombre, entre otros) y montar una sucursal en España, para producir sus mierdas y subvencionarse la coca. A este chiringuito lo llaman Fantastic Factory.
Su primera producción: Faust: La venganza está en la sangre, prometía más de lo que daba, pero era bastante decente. Una re-imaginación del mito de Fausto y Mefistófeles, con reparto internacional (incluyendo al actor fetiche de Yuzna, Jeffrey Combs) y una banda sonora maravillosamente nu-metalera.
Tras Faust vinieron Arachnid y Dagon, muy poco después, rodadas con los beneficios de la priemra (menos la coca consumida), y dejaban algo que desear. Un año después vino Darkness (2002), dirigida por Jaume Balagueró; quizá mi favorita de la Fantastic Factory, pero a partir de ahí la cosa fue en caída libre: Romasanta, Rottweiler, Beyond Re-Animator (Yuzna sabe que si toca la fibra Lovecraftiena tiene las lonchas aseguradas), La Monja y por último, Bajo aguas tranquilas.
Lo que comenzó con películas efectistas y de estéticas algo cuidadas, terminó en un festín de producciones low-cost con repartos de segunda y efectos de muñeco hecho con calcetín y ojos pegados. Una pena, porque siempre me moló la idea de tener una productora patria que hiciera cine interesante, y no la comedia o drama de siempre. Por suerte tenemos a Alex de la Iglesia, que de vez en cuando saca cosas muy decentes (salvo Las Brujas de Zugarramurdi).
En fin, a lo que íbamos…
Dagon: La secta del mar
Dirige Stuart Gordon (director de Re-Animator, fallecido el pasado año) y produce Yuzna. Lo que a priori puede ser un sello denominación de origen a tener en cuenta empieza a perder enteros a cada minuto, hasta quedarnos con un «no está tan mal» final. Ese «tan» es mortal.
Los efectos especiales de la casa Yuzna siempre son un poco chusteros, pero efectivos. Parece que con la versión trial del After Effects le llega y con aumentar el tamaño de pantalla para ocultar la mosca de la versión de prueba es suficiente. Ahora bien, los efectos visuales y de maquillaje son bastante guays y mucho más efectivos que los CGI. Quizá Stuart Gordon guardaba props de Re-Animator para utilizar en Dagon, o quizá entre lonchas de coca tuvieron la idea de intentar hacer algo bien.
Combarro (Pontevedra), pueblo marinero donde se rodó Dagon
Así que tenemos por un lado CGI de baratillo, maquillaje bien tirando a guay (entendiendo el tipo de producción que tenemos delante, sin comparar con otras películas que pueden multiplicar el presupuesto de esta x100) y llegamos a lo peor… el reparto.
Raquel Meroño, de la rubia melena y moreno el… (lo siento, estoy muy arrepentido, no volverá a ocurrir), tiene la gran suerte de aparecer poco en la película. Creo que ha pasado el tiempo suficiente desde 2001 como para poder hablar con spoilers sin tener que ocultarlos, pero por si acaso…
[spoiler]Tiene no, tenemos la gran suerte de verla poco en la cinta y lo que vemos al final sea su muerte, después de unos gratuitos, y continuos, planos de tetas como este.[/spoiler]
Las cualidades interpretativas de esta chica son nulas rozando el negativo. Una fregona tendría menos atractivo físico, pero quedaría mejor en pantalla. Sólo piensa: cuántas fregonas has visto en el cine y cuántas Meroños? Fregona wins.
El alter-ego femenino está en otra actriz que me encanta (sarcasmo), Macarena Gómez. Dagon fue su primera película (y uno de sus primeros trabajos, amén de un par de apariciones en alguna serie de tv), y para consolación de los detractores aquí todavía no era tan cansina como ahora, y aún tenía algo de ilusión por intentar dejar un trabajo bien hecho. Lo consigue.
Aunque no me guste nada en absoluto, Macarena Gómez hace un papel comedido, pero muy efectivo. Su gesto peculiar y sus grandes ojos, junto con algo de interpretación, consiguen crear un personaje que sabe transmitir la locura que se supone que tiene y vive. Un 10 para ella.
No me huele a bacalao, me huele a pulpo.
Paul, el prota está interpretado por Ezra Godden, alguien completamente anónimo para mí, y del que he tenido que investigar para conocer un poco más. Ha hecho algo de tv, algo de doblaje y poco cine (y de serie B). No lo hace mal y transmite correctamente la angustia del personaje.
Como comparsa a Paul tenemos a un montón de actores y extras con mayor o menos nombre, desde Francisco Rabal, interpretando al borracho del pueblo (con un acento gallego bastante creíble) hasta un montón de vecinos de Combarro, pueblo marinero de Pontevedra, donde se rodó Dagon, a escasos 30 minutos de donde vivo. Por cierto, fue ésta la última película de Paco Rabal; dijo la mujer, tiempo después, que fue un rodaje extenuante, por las inclemencias del tiempo y las altas horas a las que se rodaba.
Dagon se basa en el relato La sombra sobre Innsmouth (1931), como ya adelantamos en el primer párrafo del artículo, pero de forma bastante libre. Hay cosas que son calcadas y que consiguieron trasladarme a la lectura y meterme de lleno en la historia, y hay otras que sólo están ahí como relleno.
El pueblo marinero de Innsmouth aquí se traduce a Invoca (Inns = In, mouth = voca… eso debieron pensar los guionistas), que tiene sentido por el verbo invocar, pero pierde la literalidad del nombre anglosajón.
La historia, aún libre, sigue manteniendo casi todos los elementos de la novela/relato. En Dagon, llegan al pueblo por accidente (literalmente), mientras que en el relato el prota (uno sólo, no una o 2 parejas) viaja a propósito al pueblo por motivos históricos y culturales.
El aspecto de Innsmouth
En ambos casos, el descubrimiento de los hombres-pez es similar. Mientras que en la película lo primero que vemos es la mano palmeada del cura, y poco después las branquias del recepcionista del hotel, en la novela se nos va describiendo el aspecto de los vecinos de Innsmouth a medida que el prota los observa desde el autobús y se denominan como «aspecto de Innsmouth».
El momento hotel es prácticamente similar en ambas historias. La película consigue transmitir muy bien la angustia del personaje abriendo y cerrando puertas. Quizá yo hubiera insistido más en este detalle, como en el libro, pero no estuvo nada nada mal.
En la película, Paul se encuentra con Ezequiel, el borracho del pueblo, de forma accidental, mientras que en el relato, es un empleado de una tienda quien le facilita al prota un mapa del pueblo y le indica que vaya a hablar con Zadok (el borracho), que es el más viejo del lugar.
En este momento viene lo segundo mejor de la cinta, que es el flashback que relata cómo el pueblo de Invoca entabló relaciones comerciales con los Profundos. Un momento 100% lovecraftiano.
Si eso era lo segundo mejor, qué es lo primero?
Escuchar a los profundos hablando gallego y adorando a un pulpo gigante. No sé si Lovecraft estuvo en Galicia, pero seguro que le hubiera molado pasar aquí una buena temporada.
El resto de la peli y comparación la dejo en vuestras manos.
Yo he de decir que en 2001 apenas había leído a Lovecraft (o nada) y hoy en día he leído todo (y me ha gustado casi todo). Digo esto porque me parece importante conocer la historia original para poder disfrutar más la película. En 2001 me pareció un zurullo ponzoñoso para ver de risas, y hoy puedo decir que la he disfrutado… tras 20 años y una pila de libros.
Así que, a día de hoy, os recomiendo ver Dagon: la secta del mar, pero sólo después de leer, o releer, La sombra de Innsmouth, que si leéis a buen ritmo, tenéis ventilada en 2 o 3 noches.
