Los Miserables (1998), un duelo actoral estelar

Los Miserables - poster

La versión cinematográfica de Los Miserables, dirigida por Bille August (La casa de los espíritus; Smila, misterio en la nieve) y subtitulada en algunos mercados como La leyenda nunca muere, es una adaptación ambiciosa que intenta condensar la épica novela de Victor Hugo en poco más de dos horas. El resultado es un melodrama de época de estilo clásico con un reparto estelar, que logra capturar la esencia de la lucha moral de sus personajes principales, aunque no sin sacrificar gran parte de la riqueza y el detalle social y filosófico de la obra original. Protagonizan Liam Neeson (Rob Roy, la pasión de un rebelde; Michael Collins), Geoffrey Rush (Shakespeare enamorado; Shine. El resplandor de un genio), Uma Thurman (Beautiful Girls; Gattaca) y Claire Danes (Feliz cumpleaños, amor mío; Legítima defensa, de John Grisham).

Sinopsis de «Los Miserables»

Los Miserables 01
Francia, a principios del siglo XIX. De forma cruel e injusta, Jean Valjean es condenado y llevado a prisión por robar una barra de pan. Pero el convicto logra escapar de la cárcel y se refugia en la pobre villa de Vigau, de la que con el tiempo llegará a ser alcalde y a la que convertirá en una próspera ciudad. Mientras, para el policía Javert, encontrarle se ha convertido en una obsesión y le perseguirá de forma implacable durante toda su vida.

Miseria, amor y perdón

Los Miserables 02

Los Miserables brilla especialmente gracias a sus interpretaciones. Liam Neeson como Jean Valjean ofrece una representación creíble y monumental que refleja la complejidad del exconvicto en busca de la redención, transmitiendo tanto su fuerza física como su nobleza interior. Por su parte, Geoffrey Rush, como el implacable inspector Javert, aporta una obsesiva y rígida visión moral de la ley que crea una tensión fascinante en su persecución incesante a Valjean.

La recreación de la Francia postrevolucionaria del siglo XIX está realizada con un esmero artesanal que resulta completamente convincente. El estilo narrativo de August es tradicional, lo que da a la película un aire de drama épico de la vieja escuela, centrado en el desarrollo del personaje. La banda sonora de Basil Poledouris acompaña con elegancia los momentos más dramáticos, sin caer en el exceso.

Los Miserables 03

El principal problema de la adaptación reside en la simplificación necesaria para su formato. Al comprimir la vasta extensión de la novela, se ven obligados a sacrificar subtramas, personajes secundarios y, crucialmente, los extensos pasajes de crítica social y reflexión filosófica que definen la novela de Hugo. Elementos como las complejidades de las revueltas estudiantiles o el contexto de la miseria social, que son fundamentales en el libro, se sienten acelerados o reducidos a meros puntos argumentales.

En conjunto, se trata de una adaptación digna, seria, con buenas actuaciones y una puesta en escena cuidada. Logra emocionar, sobre todo si no se la compara de forma muy estricta con la novela o con otras adaptaciones más ambiciosas. Cumple con creces el reto de trasladar al cine un texto tan extenso, y funciona más como una introducción accesible a la historia de Valjean y Javert que como la definitiva representación cinematográfica de la épica obra de Victor Hugo.

Los Miserables 04

Trailer de «Los Miserables»

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TMNT (2007), cowabunga 2000

TMNT - poster

Tras más de una década de ausencia en la pantalla grande, las Tortugas Ninja regresaron en 2007 con TMNT, un intento valiente y en gran medida exitoso de recontextualizar a estos icónicos personajes para una nueva generación, mientras honra la esencia de su legado. Dirigida por el debutante Kevin Munroe y producida por Imagi Animation Studios, la cinta ofrece un tono más oscuro y maduro en comparación con las entregas de acción real de los noventa, pero sin abandonar del todo el espíritu desenfadado que siempre caracterizó a Leonardo, Donatello, Michelangelo y Raphael.

Sinopsis de «TMNT»

TMNT 01
Años después de haber derrotado a su némesis, Shredder, las tortugas están separadas, cada una lidiando con sus propios conflictos internos, intentando mantener el equilibrio en una familia disfuncional entre la rutina y la desunión. Leonardo se ha ido a Sudamérica en busca de un entrenamiento más profundo, Rafael opera de incógnito como el justiciero "Nightwatcher", Donatello sobrevive como técnico telefónico y Michelangelo se gana la vida en fiestas infantiles. La aparición de un antiguo señor de la guerra obliga al equipo a reunirse, enfrentando no solo una amenaza sobrenatural, sino también sus propias fracturas emocionales.

La pizza recalentada es bien

TMNT 02

Tal como se comenta en la introducción, TMNT se despoja de la comedia desenfrenada que caracterizó las adaptaciones noventeras y nos presenta un tono más sombrío, casi melancólico. La película confía plenamente en su audiencia para que comprenda y acepte el crecimiento y la madurez de sus personajes. Aborda temas de responsabilidad, redención y la importancia de la unidad familiar de una manera que es sorprendentemente madura para una película de superhéroes animados.

La parte más débil del guion es quizás la introducción de los nuevos personajes, los monstruos de piedra y el villano Max Winters. Aunque el misterio inicial es intrigante, la resolución se siente un tanto apresurada y el desarrollo de la trama no llega a profundizar en los dilemas de los personajes con la intensidad que se podría esperar. El equilibrio entre introspección y humor nunca termina de alcanzar la profundidad que sugiere. Las tensiones fraternas se plantean con fuerza, aunque se resuelven de manera apresurada, diluyendo el potencial dramático. Aun así, la película deja claro que la relación entre hermanos es el verdadero corazón de la franquicia, más allá de los villanos de turno.

TMNT 03

La animación 3D es, sin lugar a dudas, uno de los puntos más fuertes de la película. Imagi Animation Studios optó por un estilo de animación por computadora que, si bien puede parecer un poco anticuado en comparación con los estándares actuales, en su momento fue innovador. El diseño de los personajes es robusto y estilizado, capturando tanto la musculatura imponente de los hermanos como sus personalidades individuales. Las secuencias de acción son fluidas y dinámicas, especialmente las peleas entre Leonardo y Rafael, que son brutalmente íntimas y llenas de una tensión palpable. Visualmente, la estética gótica y estilizada recuerda al cómic original, con un uso notable de la lluvia, la oscuridad y la arquitectura urbana de Nueva York.

TMNT 04

Trailer de «TMNT»

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Belleza prohibida (2004), el delicado equilibrio entre el arte y la identidad

Belleza prohibida - poster

Belleza prohibida, dirigida por Richard Eyre (La comida del labrador; Laughterhouse; Iris), es una elegante y provocadora exploración del teatro inglés del siglo XVII, un período de transición crucial en el que las mujeres fueron, por primera vez, legalmente autorizadas a actuar en el escenario. Protagonizan Billy Crudup (Casi famosos; Charlotte Gray; Big Fish), Claire Danes (Las horas; La gran caída de Igby; It’s all about love), Rupert Everett (Amor sin condiciones; La importancia de llamarse Ernesto; Matar a un rey), Ben Chaplin (La delgada línea roja; Oscura seducción; Asesinato… 1-2-3) y Tom Wilkinson (Another Life; Amenaza de tormenta; La joven de la perla).

Sinopsis de «Belleza prohibida»

Belleza prohibida 01
Ned Kynaston, famoso por su impecable interpretación de personajes femeninos, desde Desdémona hasta Ofelia, está en la cima de su carrera, adorado por el público y cortejado por la nobleza. Su mundo se desmorona cuando el rey Carlos II emite un decreto que prohíbe a los hombres interpretar papeles femeninos, permitiendo que las mujeres suban al escenario. La medida no solo pone en peligro la carrera de Kynaston, sino que lo obliga a enfrentarse a una crisis de identidad devastadora.

La caída del «Príncipe de las Reinas»

Belleza prohibida no es solo un drama de época; es una profunda reflexión sobre el naturaleza del arte, la identidad de género y el poder transformador de la actuación. La película explora la idea de que la interpretación va más allá de un simple disfraz. Ned, a lo largo de los años, ha internalizado de tal manera sus personajes que la feminidad se ha convertido en una parte intrínseca de su ser. Su arrogancia y su talento se basan en una habilidad que de repente se vuelve obsoleta.

Belleza prohibida 02

Por si interesa comparar puntos de vista, Naialma ya hizo una crítica hace casi 10 años 😅, pero como sale Claire Danes yo tenía que hacer la mía propia.

Richard Eyre, con experiencia teatral, imprime un ritmo cinematográfico que evita caer en lo puramente teatral. El guion de Jeffrey Hatcher, basado en su propia obra, mezcla drama histórico con reflexiones contemporáneas sobre género y representación. La película cuestiona los límites entre lo masculino y lo femenino, tanto en el escenario como en la vida real, presentando el teatro como un espacio de transformación, donde los personajes se reinventan y desafían las normas sociales.

La verdadera magia de la película reside en la dinámica entre Ned y Maria. Mientras Ned lucha por reinventarse como un actor que interprete a hombres, Maria, que ha admirado y envidiado en secreto su talento, se convierte en una estrella de la noche a la mañana. Su relación es un complejo entrelazado de mentoría, resentimiento, amor y admiración. La película sugiere que, en su búsqueda de la autenticidad, Ned debe aprender de Maria una nueva forma de actuar, una que provenga de la honestidad emocional y no de la mera técnica.

Belleza prohibida 03

Visualmente, la película es una delicia para la vista. El diseño de producción y el vestuario transportan al espectador al vibrante y a menudo sucio mundo del Londres del siglo XVII, con sus teatros abarrotados y sus intrigas palaciegas.

Aunque se puede argumentar que la resolución romántica es un tanto convencional, la película se mantiene como una historia inteligente y emotiva sobre el precio de la fama, la búsqueda de la identidad y la evolución del arte. Es un tributo a los actores, un recordatorio de que detrás de cada personaje se encuentra un ser humano que debe, inevitablemente, confrontar su propio yo.

Belleza prohibida 04

Trailer de «Belleza prohibida»

[imdb]tt0368658[/imdb]

Red One (2024), la película de acción navideña definitiva… o no

Red One - poster

Jake Kasdan (Sex Tape. Algo pasa en la nube; Jumanji: Bienvenidos a la jungla; Jumanji: Siguiente nivel), se lanza a la conquista del cine navideño con Red One, una superproducción que mezcla acción, comedia y fantasía con un presupuesto descomunal y un reparto estelar encabezado por Dwayne Johnson (Jungle Cruise; Free Guy; Black Adam), Chris Evans (No mires arriba; El agente invisible; El negocio del dolor), Lucy Liu (El hombre de los puños de hierro; Cómo deshacerte de tu jefe; Amanecer oscuro), J. K. Simmons (Glorious; León por un día; Corre o muere) y Bonnie Hunt (Stolen Summer; Doce fuera de casaI want someone to eat cheese with).

Sinopsis de «Red One»

Red One 01
El secuestro de Papá Noel obliga al Jefe de Seguridad del Polo Norte a formar equipo con un cínico cazarrecompensas para rescatar a su jefe y salvar la Navidad.

Un saco de clichés con más baches que un trineo en pleno vuelo

Red One 02

Desde el primer momento, Red One establece un universo mitológico sorprendentemente rico. El Polo Norte no es un simple taller, sino una instalación de alta tecnología, y Santa Claus (interpretado con un físico imponente por J. K. Simmons) es una figura casi divina, un general que comanda una operación de logística a escala mundial. Este enfoque subversivo y serio sobre el folklore navideño es uno de los puntos más interesantes del film, y se agradece la valentía de explorar un Santa «fornido» y sus implicaciones.

Sin embargo, a medida que la trama avanza, el potencial de esta mitología se desinfla. La película se inclina más hacia una «buddy-movie» de manual, donde el personaje serio de Dwayne Johnson, Callum Drift, y el sarcástico de Chris Evans, Jack O’Malley, deben superar sus diferencias para trabajar juntos. La química entre ambos actores es innegable y, en ocasiones, produce momentos de comedia genuina, pero la dinámica se siente tan vista que no logra inyectar la frescura necesaria.

Red One 03

El guion está a cargo de Chris Morgan, responsable de varias películas de Rápidos y Furiosos a Todo Gas), y se nota por la saturación de secuencias de acción trepidantes encadenadas sin mucho sentido y alejadas de una narrativa coherente. La trama está plagada de diálogos planos y situaciones recicladas que no logran emocionar ni divertir. Hay subtramas innecesarias, como la de la malvada Gryla (una Kiernan Shipka con poco que hacer), y un exceso de personajes que no aportan gran cosa al relato principal.

El problema no es solo la falta de originalidad, sino la ejecución. El ritmo se siente errático, con explosiones, persecuciones y efectos especiales que, aunque vistosos, carecen de la chispa o la diversión que uno esperaría de una película de estas características. Red One intenta ser todo para todos: acción, comedia, fantasía, aventura… y termina siendo nada en particular. En lugar de convertirse en un nuevo clásico navideño, se siente como un producto prefabricado que pasará sin pena ni gloria.

Red One 04

Trailer de «Red One»

[imdb]tt14948432[/imdb]

Arrastráme al infierno (2009), el regreso gamberro de Raimi al terror

Arrastráme al infierno - poster

Después de perder el tiempo con las secuelas de Spider-Man, Sam Raimi (Un plan sencillo; Entre el amor y el juego; Premonición) vuelve con Arrastráme al infierno (Drag me to Hell) a sus raíces del género splatter con una película que es un homenaje glorioso a su propio legado, especialmente a la saga de Posesión infernal (Evil dead). Protagonizan Alison Lohman (Big Fish; Un golpe de suerte; Cosas que perdimos en el fuego), Justin Long (Rebelión adolescente; Atrapado por amor; Dos canguros muy maduros) y Lorna Raver (Freeway (Sin salida); The Caller).

Sinopsis de «Arrastráme al infierno»

Arrastráme al infierno 01
Christine Brown, una joven ambiciosa que trabaja en un banco, busca un ascenso. Para demostrar su valía, decide negarle una prórroga hipotecaria a una misteriosa anciana gitana, la señora Ganush, una decisión que la persigue de la manera más literal y aterradora posible.

Una fábula moral disfrazada de pesadilla cómica

Arrastráme al infierno 02

Arrastráme al infierno es una montaña rusa de horrores que se balancean magistralmente entre lo macabro y lo hilarante, con un estilo visual desbordante. Raimi utiliza todos los trucos de su arsenal: ángulos de cámara holandeses, humor grotesco, sobresaltos perfectamente orquestados, un diseño de sonido que hace que cada suspiro y cada mosca zumbante se sientan ominosos, y un ritmo narrativo que no da tregua.

La película no se toma demasiado en serio a sí misma, pero tampoco se burla de su premisa. El humor negro es una constante, pero siempre sirve para aliviar la tensión antes de golpearte con el siguiente susto. El director demuestra su maestría en la construcción de atmósferas inquietantes, inspirándose en clásicos como La noche del demonio de Tourneur. Se juega en todo momento con la tensión y el absurdo, alternando momentos de verdadero terror con escenas que rozan lo caricaturesco. La escena del aparcamiento, con la señora Ganush pegajosa y sin dientes, es una clase magistral de slapstick infernal.

Arrastráme al infierno 03

Más allá de los sustos y las tripas, la historia es una fábula moral sobre la ambición y la culpa. La protagonista toma una decisión pragmática, pero cruel, por razones egoístas, y recibe un castigo que es a la vez exagerado y, en su propia lógica, justo. El final, en particular, es un golpe bajo que redefine el género y subraya el mensaje de que algunas malas decisiones tienen consecuencias verdaderamente infernales.

Arrastráme al infierno 04

Trailer de «Arrastráme al infierno»

[imdb]tt1127180[/imdb]

Jolt (2021), parece chispeante pero no

Jolt - poster

Jolt, dirigida por Tanya Wexler (Ball in the house; Hysteria; Cómo escapar de Búfalo), intenta ser una mezcla explosiva entre acción desenfrenada, comedia negra y drama psicológico. Tiene un punto de partida prometedor pero falla en su ejecución, cayendo en la mediocridad absoluta. Está protagonizada por Kate Beckinsale (La casa del pánico; Canción de Nueva York; Farming), Stanley Tucci (La corresponsal; El juego del asesino; Las Brujas (de Roald Dahl)), Susan Sarandon (Mi vida con John F. Donovan; The Jesus Rolls; La decisión), Jai Courtney (Amigos para siempre; Un ladrón honesto; El Escuadrón Suicida) y David Bradley (Bienvenidos al fin del mundo; El joven Mesías; Await further instructions).

Sinopsis de «Jolt»

Jolt 01
Lindy es una mujer con un trastorno neurológico que le provoca violentos arrebatos de ira. Para controlar sus impulsos , usa un chaleco con electrodos que le da descargas eléctricas. Cuando el único hombre en quien confía es asesinado, Lindy se lanza a una cruzada de venganza que desata todo su potencial destructivo.

Una descarga que no termina de electrocutar

Jolt 02

La premisa de Jolt es interesante: ¿cómo sería vivir con una furia constante y tener que electrocutarte para evitar dañar a otros? Sin embargo, el tema no se explora todo lo que podría dar de sí. El problema principal es el guion, que es predecible y está lleno de clichés.

Lo que comienza como una historia intrigante sobre el control emocional y la búsqueda de conexión humana, se convierte en una típica historia de venganza más, y además de las flojas, realizada con el piloto automático en modo sopor. Aunque las escenas de acción son enérgicas, no son memorables. La coreografía de lucha es muy genérica y los efectos especiales son básicos.

Jolt 03

Kate Beckinsale es el principal atractivo de la película, se esfuerza por dar vida a su personaje y demuestra su habilidad en el género de acción. Su carisma arrollador y su físico la convierten en una heroína convincente, pero incluso su talento no puede salvar una película con un guion débil y personajes secundarios poco desarrollados.

Hay momentos de humor negro y visiones delirantes que aportan un toque distintivo, especialmente en la primera media hora, donde la película parece prometer algo más original. Según avanza la trama, hay momentos que parecen más forzados y situaciones completamente absurdas, sin sentido ni gracia.

Jolt 04

Trailer de «Jolt»

[imdb]tt10228134[/imdb]

Battle Royale II: Requiem (2003), más no siempre es mejor

Battle Royale II: Requiem - poster

Battle Royale II: Requiem, dirigida conjuntamente por Kinji Fukasaku (Shanghai rhapsody; A chaos of flowers; Crest of betrayal) y su hijo Kenta (Yo-Yo girl cop; X-Cross; Rebellion: The killing isle), fue un intento fallido de replicar el éxito de su predecesora. Su producción estuvo marcada por la enfermedad y posterior muerte de Kinji Fukasaku, un hecho que, junto con un cambio significativo en el tono y la narrativa de la historia, es palpable en el resultado final. Está protagonizada por Tatsuya Fujiwara (Persona; Sabu), Ayana Sakai (N-Girls Vs Vampire; Boogiepop wa Warawanai: Boogiepop and Others), Riki Takeuchi (Vidas truncadas; Yakuza Demon), Ai Maeda (Azumi 2: Death or Love; God’s Left Hand, Devil’s Right Hand) y Shûgo Oshinari (Todo sobre Lily; Primavera Azul).

Sinopsis de «Battle Royale II: Requiem»

Battle Royale II: Requiem 01
Tres años después de ganar Battle Royale, Shuya Nanahara es ahora líder de un grupo terrorista llamado "Wild Seven" que busca derrocar al gobierno. La nueva "Ley Battle Royale" obliga a una clase de estudiantes a participar en el "Programa Battle Royale II", cuyo objetivo es infiltrarse y destruir el escondite de Nanahara.

Fuego con fuego, terrorismo con terrorismo

Battle Royale II: Requiem 02

Mientras que la primera película era una brutal e incisiva sátira sobre la desconfianza intergeneracional y el colapso de la sociedad, Battle Royale II: Requiem, se inclina más hacia un melodrama de acción. Uno de los principales problemas de la cinta es su intento de emular el mismo nivel de violencia y shock, pero con un mensaje político más explícito y menos sutil. La crítica feroz al sistema educativo y la obediencia ciega de la primera parte se ve reemplazada por una denuncia directa contra el terrorismo, el imperialismo y la guerra, con un paralelismo con eventos contemporáneos (la película se hizo poco después del 11 de septiembre). Sin embargo, esta crítica a menudo se siente torpe y simplista, y el guion lucha por articular una postura coherente.

Battle Royale II: Requiem 03

El desarrollo de personajes pierde profundidad en medio del ruido ideológico. Mientras que en Battle Royale nos presentaban a los estudiantes y podíamos ver cómo la situación los afectaba, la secuela cuenta con un elenco mucho más grande y, en consecuencia, menos tiempo para dedicar a cada uno. Muchos de ellos son meros peones narrativos que existen para ser sacrificados, lo que dificulta que el espectador se involucre emocionalmente en su destino. La excepción es el personaje de Shiori Kitano, la hija del profesor de la primera película, cuya historia personal se siente más desarrollada y sirve como el corazón emocional de la historia.

En resumen, estamos ante una secuela decepcionante. Intenta transformar una trama de supervivencia juvenil en una alegoría bélica global, sin embargo su ejecución desordenada y su falta de sutileza la convierten en una experiencia frustrante. No logra capturar la magia, la profundidad o el impacto visceral de la original, y aunque intenta tener algo que decir sobre temas importantes, su mensaje se pierde en un guion confuso y una falta de desarrollo de personajes.

Battle Royale II: Requiem 04

Trailer de «Battle Royale II: Requiem»

[imdb]tt0338763[/imdb]

Battle Royale (2000), la distopía que cambió el juego

Battle Royale - poster

Battle Royale, dirigida por Kinji Fukasaku (House on fire; Triple cross; The Geisha House), es mucho más que una simple película de acción o de terror. Es un manifiesto cinematográfico brutal y visceral que que sacude, incomoda y fascina. Más de 20 años después de su estreno, sigue siendo tan relevante, inquietante y provocadora como el día en que vio la luz. Está protagonizada por Aki Maeda (Haunted School 2; Haunted School 3), Tatsuya Fujiwara (Persona), Chiaki Kuriyama (Gonin; Shikoku; Ju-on (La maldición)), Taro Yamamoto (Daida kyoushi akiba, shinken desu!; July 7th, Sunny Day; La mujer del programa de protección policial) y Takeshi Kitano (Hana-Bi. Flores de fuego; El verano de Kikujiro; Gohatto).

Sinopsis de «Battle Royale»

Battle Royale 01
En un Japón distópico y en crisis económica, el gobierno ha implementado el Programa de Experimentación Bélica N°68 para controlar el comportamiento rebelde de los adolescentes. Cada año, una clase de tercer año de secundaria es seleccionada al azar y enviada a una isla desierta donde deben participar en un juego de supervivencia. Solo puede quedar uno. Las reglas son claras: matar o ser asesinado.

Supervivientes meets Humor Amarillo

Battle Royale 02

Battle Royale establece desde sus primeros minutos un tono de desesperanza y caos. La premisa, tan simple como macabra funciona como metáfora de la presión social, la competitividad extrema y el abandono generacional. El dilema moral es devastador. A lo largo del metraje se exploran temas como la lealtad, la amistad, el nihilismo, la manipulación política a través del miedo y la resistencia ante la opresión.

Basada en la controvertida novela de Koushun Takami, esta obra maestra del cine distópico japonés se erige como una crítica feroz a la sociedad, la autoridad, la juventud, la naturaleza humana y la violencia institucionalizada. No es una película para todo el mundo, pero su impacto y audacia son innegables.

Battle Royale 03

El punto más destacable de la cinta está en la manera en la que el director maneja la situación. A diferencia de sus muchas imitaciones posteriores, la historia no se deleita en presentar violencia gratuita sin más, aunque la sangre, las mutilaciones y la casquería fluye sin cesar. Sin embargo, cada muerte, por impactante que sea, tiene un peso emocional. Cada estudiante tiene un flashback más o menos desarrollado en la que se muestra su vida, sus sueños y sus relaciones antes de la pesadilla. Esto no solo sirve para humanizar a las víctimas, sino que también intensifica el horror. No son meros personajes unidimensionales; son amigos, rivales, enamorados, compañeros, etc. que se ven forzados a traicionarse entre sí.

Las actuaciones son extraordinarias. Takeshi «Beat» Kitano, en el papel del sádico y enigmático profesor del instituto, es una presencia inquietante y ambigua en la que reside el corazón oscuro de la película, simbolizando la autoridad corrupta y el cinismo de la generación adulta. Los jóvenes actores, muchos de ellos debutantes, ofrecen interpretaciones crudas y llenas de verdad que, en mayor o menor medida, logran transmitir la angustia y la determinación de sus personajes con una convicción conmovedora.

En conclusión, se trata de una obra de arte cinematográfico que desafía las convenciones a través de un viaje incómodo y perturbador, pero esencial. Su brutalidad es un espejo de nuestra propia sociedad, y su mensaje, aunque entregado con un puñetazo al estómago, es una advertencia que sigue resonando con una fuerza aterradora.

Battle Royale 04

Trailer de «Battle Royale»

[imdb]tt0266308[/imdb]

Matar a Dios (2017), una comedia oscura casi negra

Matar a Dios - poster

Matar a Dios, ópera prima de los directores Albert Pintó y Caye Casas, naufraga en su propio intento de ser una sátira mordaz y se queda en un ejercicio de tedio y pretensión. Lo que empieza como una premisa intrigante —el fin del mundo anunciado por un mendigo que se proclama Dios— se desinfla rápidamente, dejando al espectador con una sensación de oportunidad perdida. Protagonizan Eduardo Antuña (Cenizas del cielo; Madrid, 1987), Itziar Castro (Transeúntes; La sexta alumna), Boris Ruiz (RIP; Mil cosas que haría por ti), David Pareja (Cuchillo; Esa sensación), Emilio Gavira (Blancanieves; Operasiones espesiales) y Francesc Orella (Truman; Contratiempo).

Sinopsis de «Matar a Dios»

Matar a Dios 01
Una familia disfuncional se reúne para celebrar la Nochevieja en una cabaña en la montaña. La velada se ve interrumpida por la llegada de un vagabundo, que afirma ser Dios. Su misión no es otra que anunciar el fin de la humanidad y pedirles a los presentes que elijan a las dos personas que se salvarán.

Un Apocalipsis entre lo provocador y lo predecible

Matar a Dios 02

El mayor lastre de Matar a Dios son sus personajes. El cuarteto de protagonistas —una familia burguesa y sus dos invitados— no son seres complejos atrapados en un dilema moral, sino caricaturas planas, unidimensionales y exasperantemente desagradables que no evolucionan. Sus motivaciones son poco creíbles y sus reacciones ante lo absurdo del planteamiento resultan forzadas. La sátira social que se busca a través de ellos resulta obvia y superficial, a través de diálogos forzados que caen en la redundancia y el chiste fácil.

El Dios interpretado por Emilio Gavira, con su monólogo interminable y su figura de vagabundo, se convierte en un símbolo de la irritación general que provoca la historia. La película se siente como una obra de teatro filmada con un elenco poco comprometido.

Matar a Dios 03

El ritmo es exasperante. La mayor parte del metraje se desarrolla en un único espacio, la casa familiar, lo que podría haber sido una virtud si se hubiera utilizado para generar una claustrofobia palpable o una tensión psicológica. En cambio, se convierte en una prisión de la que no podemos escapar, llena de diálogos que giran en círculos y escenas que no aportan nada al desarrollo de la trama ni de los personajes. La sensación de estar viendo un cortometraje estirado hasta el largometraje aumenta de forma exponencial según pasan los minutos.

El argumento navega entre las aspiraciones de ser un thriller psicológico, una comedia grotesca o un drama existencial, sin acabar de definirse. El resultado es un híbrido sin identidad, una película que no sabe a dónde va y nos obliga a acompañarla en su errático y aburrido viaje. Al final, no hay ni un solo momento memorable que justifique el tiempo invertido en verla.

Matar a Dios 04

Trailer de «Matar a Dios»

[imdb]tt6229030[/imdb]

Belleza robada (1996), inocencia y magnetismo

Belleza robada - poster

Bernardo Bertolucci (El último tango en París; Novecento (1900); El último emperador), polémico y controvertido director, conocido por sus dramas épicos y visualmente deslumbrantes, ofrece en Belleza robada un relato más íntimo, pero no por ello menos complejo, ambientado en la idílica campiña toscana. Protagonizan Liv Tyler (Heavy; Empire Records; The Wonders), Jeremy Irons (El país del agua; Herida; La casa de los espíritus) y Sinead Cusack (El jardín de cemento; La novicia; La tabla de Flandes).

Sinopsis de «Belleza robada»

Belleza robada 01
Lucy Harmon, una adolescente estadounidense de 19 años, viaja a Italia tras el suicidio de su madre, una famosa poetisa. Se hospeda en la villa de unos amigos de la familia, un grupo de artistas y bohemios expatriados, y se sumerge en una atmósfera de calor veraniego, conversaciones filosóficas y, sobre todo, una sexualidad latente.

Una oda visual a la juventud, el deseo y la memoria

Belleza robada 02

Bernardo Bertolucci regresa a su Italia natal con Belleza robada, una película que, más que narrar una historia, busca ser una experiencia sensorial que transmita sensaciones. Ambientada en la Toscana, realiza una meditación sobre el paso de la adolescencia a la madurez en un paisaje de una belleza inigualable. Es una demostración de la maestría visual de Bernardo Bertolucci y de su capacidad para crear un universo cinematográfico evocador.

El director maneja con destreza el contraste entre generaciones: los adultos, marcados por la enfermedad, el desencanto o el paso del tiempo, se proyectan en la vitalidad de la protagonista adolescente. La cámara, con su ritmo pausado, se deleita en los paisajes toscanos, la luz dorada del sol, los cipreses, los campos de olivos y las antiguas villas, convirtiéndolos en metáfora del propio despertar de la protagonista. Es cine contemplativo, donde la luz y la piel son tan importantes como los diálogos.

Belleza robada 03

El guion mezcla una historia de paso de la adolescencia a la mayoría de edad con un misterio familiar. El diario de la madre fallecida actúa como hilo conductor, revelando pistas sobre la identidad del padre de Lucy. Sin embargo, más allá del argumento, la película se centra en el tránsito emocional de la protagonista, su descubrimiento del deseo y su búsqueda de pertenencia.

Aunque la trama puede parecer difusa o incluso forzada en momentos, Liv Tyler logra sostener la historia con una presencia magnética. Su Lucy es ingenua pero decidida, y su interacción con Jeremy Irons (que interpreta a un escritor moribundo) aporta los momentos más emotivos y auténticos del filme.

Belleza robada 04

Trailer de «Belleza robada»

[imdb]tt0117737[/imdb]

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