Archivo de la categoría: Anime

TMNT (2007), cowabunga 2000

TMNT - poster

Tras más de una década de ausencia en la pantalla grande, las Tortugas Ninja regresaron en 2007 con TMNT, un intento valiente y en gran medida exitoso de recontextualizar a estos icónicos personajes para una nueva generación, mientras honra la esencia de su legado. Dirigida por el debutante Kevin Munroe y producida por Imagi Animation Studios, la cinta ofrece un tono más oscuro y maduro en comparación con las entregas de acción real de los noventa, pero sin abandonar del todo el espíritu desenfadado que siempre caracterizó a Leonardo, Donatello, Michelangelo y Raphael.

Sinopsis de «TMNT»

TMNT 01
Años después de haber derrotado a su némesis, Shredder, las tortugas están separadas, cada una lidiando con sus propios conflictos internos, intentando mantener el equilibrio en una familia disfuncional entre la rutina y la desunión. Leonardo se ha ido a Sudamérica en busca de un entrenamiento más profundo, Rafael opera de incógnito como el justiciero "Nightwatcher", Donatello sobrevive como técnico telefónico y Michelangelo se gana la vida en fiestas infantiles. La aparición de un antiguo señor de la guerra obliga al equipo a reunirse, enfrentando no solo una amenaza sobrenatural, sino también sus propias fracturas emocionales.

La pizza recalentada es bien

TMNT 02

Tal como se comenta en la introducción, TMNT se despoja de la comedia desenfrenada que caracterizó las adaptaciones noventeras y nos presenta un tono más sombrío, casi melancólico. La película confía plenamente en su audiencia para que comprenda y acepte el crecimiento y la madurez de sus personajes. Aborda temas de responsabilidad, redención y la importancia de la unidad familiar de una manera que es sorprendentemente madura para una película de superhéroes animados.

La parte más débil del guion es quizás la introducción de los nuevos personajes, los monstruos de piedra y el villano Max Winters. Aunque el misterio inicial es intrigante, la resolución se siente un tanto apresurada y el desarrollo de la trama no llega a profundizar en los dilemas de los personajes con la intensidad que se podría esperar. El equilibrio entre introspección y humor nunca termina de alcanzar la profundidad que sugiere. Las tensiones fraternas se plantean con fuerza, aunque se resuelven de manera apresurada, diluyendo el potencial dramático. Aun así, la película deja claro que la relación entre hermanos es el verdadero corazón de la franquicia, más allá de los villanos de turno.

TMNT 03

La animación 3D es, sin lugar a dudas, uno de los puntos más fuertes de la película. Imagi Animation Studios optó por un estilo de animación por computadora que, si bien puede parecer un poco anticuado en comparación con los estándares actuales, en su momento fue innovador. El diseño de los personajes es robusto y estilizado, capturando tanto la musculatura imponente de los hermanos como sus personalidades individuales. Las secuencias de acción son fluidas y dinámicas, especialmente las peleas entre Leonardo y Rafael, que son brutalmente íntimas y llenas de una tensión palpable. Visualmente, la estética gótica y estilizada recuerda al cómic original, con un uso notable de la lluvia, la oscuridad y la arquitectura urbana de Nueva York.

TMNT 04

Trailer de «TMNT»

[imdb]tt0453556[/imdb]

Número 9 (2009), una fábula oscura con alma de trapo

Número 9 - poster

Número 9, dirigida por Shane Acker y producida por Tim Burton y Timur Bekmambetov, es una película de animación post-apocalíptica que destaca por su singularidad visual y su oscuro mundo. La combinación de la estética del stop-motion con técnicas digitales ofrece un universo inquietante, sombrío y visualmente deslumbrante. Se trata de una expansión del cortometraje del mismo nombre (también realizado por Shane Acker), que fue nominado al Oscar en 2005.

Sinopsis de «Número 9»

Número 9 01
Número 9 es una pequeña criatura de tela que despierta en este mundo devastado sin recuerdos de cómo llegó allí. Pronto descubre que hay otros como él, cada uno con un número, y que deben unirse para sobrevivir a las aterradoras máquinas que los persiguen.

«Sometimes one must be sacrificed»

Número 9 02

El principal atractivo de Número 9 es su estética steampunk y artesanal, que se aleja de la animación convencional. Los personajes, con sus cuerpos de arpillera y ojos de botones, tienen un encanto triste y macabro que encaja perfectamente con el tono de la historia. El diseño de las criaturas mecánicas es igualmente impresionante, evocando una sensación de terror y agresividad.

La animación es impecable. Cada textura, cada sombra y cada movimiento están cuidados al detalle. El universo que construye Acker es hipnótico, con planos aéreos espectaculares y una paleta de colores apagados, dominada por grises, marrones y ocres, que refuerza el tono sombrío de la historia.

Número 9 03

La metáfora del alma dividida en varias partes es sugerente, pero a veces el mensaje se presenta de manera demasiado explícita. Aun así, el trasfondo filosófico —el precio del progreso tecnológico, la desolación, la culpa, la lucha por la supervivencia y la trascendencia del espíritu— dota a la obra de una densidad poco habitual en el cine animado comercial.

A pesar de ese deslumbrante estilo visual, la narrativa presenta algunas debilidades, con una trama que parte de una premisa intrigante pero que no acaba de profundizar en el trasfondo de ese mundo futuro. Los personajes carecen de un desarrollo emocional significativo, lo que dificulta que el espectador se conecte plenamente con ellos.

La película se centra más en la acción y en la creación de una atmósfera opresiva que en la construcción de personajes o en la exploración de temas más complejos. El nivel visual supera al narrativo, dejando al espectador con más preguntas que respuestas.

Número 9 04

Trailer de «Número 9»

[imdb]tt0472033[/imdb]

Star Wars: Rebels (2014-2018), el nacimiento de la esperanza

Star Wars: Rebels - poster

Star Wars: Rebels es una producción de Lucasfilm Animation de cuatro temporadas desarrollada por Dave Filoni, Simon Kinberg y Carrie Beck. Se sitúa entre Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith y Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza, pero más allá de limitarse a servir como un puente que narra los orígenes de la Alianza Rebelde, desarrolla e introduce elementos argumentales pertenecientes al subuniverso hilado sin prisa pero sin pausa por Filoni.

Sinopsis de «Star Wars: Rebels»

Star Wars: Rebels 01

Si tiene un problema, necesita ayuda y puede localizarlos…

Uno de los mayores aciertos de Star Wars: Rebels es su capacidad para equilibrar la aventura con la profundidad emocional. El corazón de la serie reside en su elenco de personajes, un grupo dispar de individuos que encuentran una familia en su lucha contra el Imperio. Ezra Bridger, el protagonista, crece y evoluciona de manera significativa, de un joven rebelde a un verdadero héroe de la resistencia. Además cada personaje tiene su propia historia y motivaciones bien desarrolladas, desde la carismática piloto Hera Syndulla hasta el astuto (último) jedi Kanan Jarrus, pasando por la valiente mandaloriana Sabine Wren, el imponente y silencioso lasat Zeb Orrelios, o el siempre leal droide Chopper. Las dinámicas entre ellos son complejas y creíbles, ofreciendo momentos de humor, drama y profunda emoción. Ezra, en particular, emprende un viaje de descubrimiento y madurez que es central para la narrativa, mientras que Kanan se convierte en una figura paterna y mentora ejemplar.

Star Wars: Rebels 02

La serie consigue entrelazarse con el canon existente de Star Wars de una manera orgánica y respetuosa. No solo introduce nuevos personajes fascinantes, sino que también recupera y desarrolla a figuras icónicas de las precuelas, las películas originales y el semi-olvidado viejo universo expandido. El uso de personajes como Ahsoka Tano, Darth Maul, el Capitán Rex y, por supuesto, Darth Vader, no se siente forzado o gratuito, sino que añade capas de profundidad y contexto a sus historias. La inclusión del Almirante Thrawn o de el Gran Inquisidor como principales antagonistas es un acierto rotundo, elevando el nivel estratégico y la amenaza para los héroes.

Star Wars: Rebels 03

El estilo de animación es algo más simple que el utilizado en Star Wars: The Clone Wars, sin embargo pronto demuestra ser efectivo y funcional. No obstante, a medida que avanza la serie, la calidad de la animación mejora, especialmente en las expresiones faciales y los detalles de los personajes.

En definitiva, estamos ante una joya dentro del universo de Star Wars, que combina acción, emoción y un gran respeto por la saga. Para los fanáticos de la franquicia es una serie imprescindible que construye sobre la rica historia galáctica sin perder su propia identidad. Dave Filoni demuestra una vez más su comprensión profunda del universo creado por George Lucas (y, sobre todo, del material realizado por otros creadores), aportando alma, significado y coherencia a una historia que en sus mejores momentos, rivaliza con las películas.

Star Wars: Rebels 04

Trailer de «Star Wars: Rebels»

[imdb]tt2930604[/imdb]

Star Wars: The Clone Wars (2008-2020), una redefinición épica de una Galaxia lejana

Star Wars: The Clone Wars - poster

Star Wars: The Clone Wars es una producción de Lucasfilm Animation realizada bajo la batuta de Dave Filoni, que no solo llenó los huecos narrativos entre los Episodios II y III de las precuelas, sino que expandió el universo de Star Wars de maneras que pocos esperaban, elevando la calidad narrativa y el desarrollo de personajes a cotas impresionantes.

Sinopsis de «Star Wars: The Clone Wars»

Star Wars: The Clone Wars 01

Que la Fuerza nos acompañe siempre…

Star Wars: The Clone Wars se percibía inicialmente como un simple relleno más y otra muesca en la por entonces no tan basta franquicia cinematográfica (Disney aun quedaba un poco lejos), sin embargo se reveló poco a poco como una serie compleja, madura y a menudo desgarradora. Se atrevió a explorar las complejidades y los matices morales de la guerra, la política militar, la corrupción institucional, el libre albedrío frente al destino y el lado oscuro de la Fuerza con una profundidad inusitada para una serie de su tipo. No se limitó a presentar batallas espectaculares (que las tiene, y muchas), sino que se sumergió en las consecuencias humanas (y alienígenas) del conflicto.

Star Wars: The Clone Wars 02

Uno de los mayores aciertos de la serie es su capacidad para profundizar en personajes ya conocidos y presentar otros nuevos que se volvieron icónicos. Vemos a Anakin Skywalker como un líder carismático y trágico, más cercano a la idea de «héroe caído» que las películas no consiguieron mostrar. Su camino hacia el lado oscuro no es una transición abrupta, sino una serie de pequeños pasos y decisiones moralmente ambiguas que lo van corroyendo. Su relación con Obi-Wan Kenobi se explora con matices, mostrando una hermandad que se resiente bajo el peso de la guerra.

Entre los personajes originales destaca especialmente Ahsoka Tano, la padawan de Anakin, sin duda el mayor triunfo de la serie. La relación entre ambos añade una capa emocional nunca vista en ninguna de las películas (anteriores o posteriores). Su evolución de una joven impulsiva, idealista y a veces irritante, a una figura sabia, fuerte e independiente que cuestiona la misma Orden Jedi, la convierte en uno de los personajes más interesantes de la franquicia. Ahsoka no solo es un personaje fundamental para entender a Anakin, sino que se convirtió en una figura querida por derecho propio, un modelo a seguir para muchos fans.

Star Wars: The Clone Wars 03

Por otro lado, la serie dio voz y personalidad a innumerables clones, humanizándolos y mostrándolos como individuos con sus propias esperanzas, miedos y lealtades, lejos de ser meros soldados sin rostro. Personajes como Rex, Cody, Fives o Echo dejaron una huella imborrable, añadiendo una capa de tragedia y heroísmo a la Orden 66. El desarrollo de otros personajes como Darth Maul y el General Grievous agregan una riqueza que transforma la serie en algo más que un producto de evasión para niños.

La animación mostró una evolución significativa a lo largo de sus siete temporadas. Los primeros episodios contaban con un estilo más estilizado y a veces algo rígido, sin embargo la calidad visual mejoró exponencialmente, culminando en las últimas temporadas con una animación cinematográfica que rivalizaba con producciones de gran presupuesto. Los diseños de personajes, las batallas espaciales, las coreografías de combate y los entornos se volvieron cada vez más impresionantes, creando una experiencia completamente disfrutable.

Star Wars: The Clone Wars 04

Si bien la serie tuvo sus altibajos, el balance general es abrumadoramente positivo. Star Wars: The Clone Wars demostró que Star Wars podía ser explorado con éxito en otros formatos, ofreciendo historias maduras y complejas que alcancen a audiencias de todo tipo y edad. Es una obra que merece ser vista y apreciada por cualquier fan de una galaxia muy, muy lejana, consolidándose como una de las mejores producciones de la franquicia de todos los tiempos.

Así, volviendo al principio de la reseña, Star Wars: The Clone Wars no solo se limitó a contar lo que todos esperábamos ver en las precuelas y que George Lucas no quiso abordar, sino que creó elementos argumentales que Dave Filoni (y un poco Jon Favreau) sigue desarrollando hoy en día en las producciones galácticas en las que está relacionado.

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Un trailer de «Star Wars: The Clone Wars» (Temporada 5)

[imdb]tt0458290[/imdb]

Look back (2024), madurez y superación

Look back - poster

Look back, dirigida por Kiyotaka Oshiyama, es un mediometraje de unos 55 min con una animación potente y emotiva que explora la pasión por el arte y las relaciones humanas. Adapta el manga del mismo nombre de Tatsuki Fujimoto (autor de Chainsaw Man), y nos ofrece una historia breve, pero cargada de sentimientos y belleza.

Sinopsis de «Look back»

Look back 01

Mira atrás y recuerda por qué merece la pena seguir adelante.

Look back 02

Look back ofrece una historia íntima y reflexiva, que se centra en la vida cotidiana, el cumplimiento de los sueños y la superación personal. Es un relato breve que se disfruta más cuanta menor cantidad de información previa se tenga sobre ella.

Se abordan temas como la amistad, la competencia, el crecimiento personal y la forma en que el arte puede ayudarnos a lidiar con las dificultades de la vida. A pesar de cierta previsibilidad, un par de pequeños giros argumentales aportan emoción y emotividad a la narrativa. En menos de una hora y con un ritmo impecable la cinta transmite todo lo que quería expresar y más.

Look back 03

La animación se aleja de estilos más elaborados y detallados, presentando un enfoque más tradicional, sencillo y minimalista, que es perfecto para el tipo de historia que se presenta y para evocar emociones intensas. Las transiciones entre los recuerdos y el presente están maravillosamente logradas, creando una sensación de flujo y continuidad que se siente casi onírica.

Parafraseando a un exjefe, una película sobre lo que fue, sobre lo que no fue y sobre lo que pudo ser y no fue.

Muy recomendable para los amantes del anime y el manga con un fuerte componente emocional.

Look back 04

Trailer de «Look back»

[imdb]tt31711040[/imdb]

Lo mejor que he visto en 2024

Típica lista de estas fechas tan señaladas con lo mejor que he visto este pasado año. No es exclusivamente sobre lo estrenado en 2024, sino sobre lo que yo he visto (o revisionado) ese año.

Mi Top 12 con lo mejor de 2024

Dan Da Dan - poster

Dan Da Dan -Temporada 1- (2024)

Una de las mejores series (manga/anime) que he leído/visto en los últimos años. Sin más.

Robot dreams - poster

Robot Dreams (2023)

Una profunda reflexión sobre la amistad, la soledad y la naturaleza efímera de los vínculos en una historia sin diálogos que llega al corazón del espectador.

El chico y la garza - poster

El chico y la garza (2023)

Hayao Miyazaki. No digo más.

Saben aquell - poster

Saben aquell (2023)

Un emotivo retrato del mítico humorista. Emociona, divierte y nos invita a reflexionar sobre la vida.

Paisaje con mano invisible - poster

Paisaje con mano invisible (2023)

Una sátira mordaz que desgrana con mucho humor negro la precariedad laboral, la explotación y la dignidad humana de principios del siglo XXI.

Suzume - poster

Suzume (2023)

Después del pequeño tropezón que fue para mí El tiempo contigo (2019), Makoto Shinkai vuelve a ofrecernos una delicia visual sobre la superación del trauma y la búsqueda de la identidad con muchas dosis de mitología japonesa.

Invencible - poster

Invencible -Temporada 2- (2023-2024)

Si Dan Da Dan es uno de los mejores mangas/animes que he leído/visto en los últimos años, Invencible es una de las mejores historias de superhéroes que he leído en los últimos años. Su adaptación animada está a la altura.

Incendies - poster

Incendies (2010)

Una de las primeras películas de Denis Villeneuve nos sumerge en un viaje desgarrador en busca de la verdad que conduce a una profunda reflexión sobre las consecuencias de la guerra y el ciclo de la violencia.

La hora del diablo - poster

La hora del diablo -Temporada 1- (2022)

En un panorama audiovisual donde casi todo suena a algo ya visto (cuando no es directamente un refrito, una secuela o un remake), resulta refrescante encontrarse con este thriller psicológico con toques sobrenaturales, donde nada es lo que parece hasta el último minuto del último episodio.

Love+Death+Robots - poster

Love, Death + Robots -Temporada 3- (2022)

Aunque toda la serie es muy recomendable, destaco aquí tres episodios de la tercera temporada:

  • Night of the mini dead
  • Mason’s rats
  • In vaulted halls entombed
Batman: El cruzado enmascarado - poster

Batman: El cruzado enmascarado -Temporada 1- (2024)

Bruce Timm vuelve a encargarse de una serie de Batman y, en vez de tirar por el camino fácil y retomar el estilo de la aclamada serie animada de principios de los 90, decide reimaginar el personaje y su entorno con una estética noir ambientada en unos anacrónicos años 40.

El club de los cinco - poster

El club de los cinco (1985)

Icónica película del cine adolescente de los años 80, dirigida por John Hughes. Un sábado de castigo sirve para explorar las presiones sociales, la búsqueda de la identidad y la necesidad de encontrar un lugar en el mundo.

A modo de curiosidad dejo la listas con (casi todo) lo que he visto en 2024, ordenado de mejor a peor.

Dan Da Dan -Temporada 1- (2024), una joya sin más

Dan Da Dan - poster

Dan Da Dan es una serie de animación que adapta el exitoso manga del mismo nombre escrito y dibujado por Yukinobu Tatsu desde 2021. Esta primera temporada consta de 12 episodios realizados por el estudio Science SARU que ha realizado un trabajo excepcional captando toda la esencia de la obra original.

Sinopsis de «Dan Da Dan»

Dan Da Dan 01

El comienzo de un amor en los límites de la realidad

A priori Dan Da Dan podría parecer la típica serie japonesa de adolescentes, con el tímido empollón enamorado de la chica guapa del instituto. Sin embargo, consigue un elevado grado de originalidad al ofrecer una equilibrada combinación de elementos de acción, comedia, ciencia ficción, elementos sobrenaturales y, sí, también romance. La serie logra pasar de momentos de tensión y peleas espectaculares a situaciones cómicas y emotivas sin que se sienta forzado. Este cóctel mantiene al lector/espectador enganchado y ofrece una experiencia variada y entretenida.

(En este post, todo lo escrito hace referencia tanto al manga como a su versión animada, ya que la adaptación, por ahora, es completamente fiel sin muchas variaciones importantes).

Dan Da Dan 02

Otro elemento destacable es la capacidad de Tatsu para crear personajes absolutamente carismáticos, diferenciados y con trasfondos propios y particulares. Sus personalidades definidas y, en ciertos aspectos, completamente opuestas provocan que las interacciones entre ellos sean dinámicas y den lugar a situaciones divertidas y entrañables. Las relaciones entre los personajes (no solo entre los dos protagonistas) se desarrollan de forma natural, sin caer en clichés ni en recursos artificiosos, ofreciendo un balance entre las risas y los momentos tiernos/dramáticos (que también los hay y más de los que podría parecer).

Los diseños de Yukinobu Tatsu para las diferentes criaturas, monstruos, yokai y extraterrestres son excepcionales. Creativos, grotescos y, a menudo, hilarantes. Nuevamente, cada antagonista no se limita a ser el simple enemigo a abatir, sino que todos tienen un trasfondo definido y bien desarrollado.

Además, tanto en los diseños de las criaturas, como en algunos elementos de la trama podemos encontrar múltiples referencias y homenajes a diferentes elementos de la cultura popular (no solo asiática). Por citar algún ejemplo de los más evidentes, tenemos al Monstruo del Lago Ness, a Godzilla, a la criatura de la Laguna Negra, robots gigantes, los mitos de Lovecraft…

Dan Da Dan 03

Las escenas de acción están llenas de dinamismo y claridad, lo que asegura que cada batalla sea un espectáculo visual.

El humor extravagante puede no ser del gusto de todo el mundo. Excéntrico, absurdo y completamente demencial, ofrece un contraste radical con escenas profundamente serias y dramáticas.

Por otro lado, la serie no se limita a ser una simple comedia de aventuras, también aborda temas más profundos como la conexión humana, la amistad, la aceptación de lo diferente y la exploración de las creencias personales. También rompe con los estereotipos de género en el shonen tradicional, ofreciendo una narrativa donde todos los tópicos son constantemente subvertidos.

Dan Da Dan 04

Trailer de «Dan Da Dan»

[imdb]tt30217403[/imdb]

El chico y la garza (2023), otra obra maestra de Hayao Miyazaki

El chico y la garza - poster

El chico y la garza (Kimitachi wa dô ikiru ka) es un festín visual y auditivo que nos sumerge en un mundo de fantasía y aventura lleno de criaturas mágicas y paisajes oníricos, con el sello característico de Hayao Miyazaki (Nausicaä del Valle del Viento, Mi vecino Totoro, Porco Rosso) para el Estudio Ghibli. La película comparte título con la novela escrita por Yoshino Genzaburō y publicada en 1937, sin embargo presenta una historia original que no guarda relación con el libro.

Sinopsis de «El chico y la garza»

El chico y la garza 01

Un vuelo onírico a través de la imaginación

Con una carrera llena de joyas (casi) indiscutibles, es difícil que a estas alturas una película de Hayao Miyazaki llegue a decepcionarme. El chico y la garza no ha sido la excepción. Estamos ante la película más simbólica y metafórica del director, pero también la más personal, llena de paralelismos con su vida y con personajes que, según su propias palabras, representan a personas que han sido o son relevantes para él. Miyazaki quiso crear una película dedicada a su nieto, que sirva como testamento o enseñanza para cuando este crezca y deba enfrentarse a la vida.

El chico y la garza 02

La historia en sí vuelve a tener elementos que nos recuerdan a momentos de Alicia en el País de las Maravillas, cosa que ya sucedía con El viaje de Chihiro. También hay aspectos que parecen sacados de Ni no Kuni, el videojuego (después película) en el que Ghibli participó realizando diseño de personajes y animación (con Jo Hisaishi en la banda sonora 😆).

Visualmente nos encontramos ante un espectáculo impresionante, con un estilo de animación que combina 2D con toques de 3D, donde cada fotograma es una obra de arte repleta de detalles con una minuciosidad que roza la obsesión, con una paleta que varía desde tonos melancólicos hasta explosiones de color vibrante.

El chico y la garza 03

Aunque la trama está abierta a múltiples interpretaciones, y a veces puede resultar densa y un poco compleja, en esencia nos habla de temas universales como la pérdida, el crecimiento y el proceso de encontrar sentido en un mundo fragmentado. De la vida, en general.

La banda sonora de Jo Hisaishi añade una capa emocional que acompaña a la perfección las transiciones entre lo mundano y lo mágico, sirviendo de complemento tanto a la historia como a las emociones de los personajes.

El chico y la garza 04

Trailer de «El chico y la garza»

[imdb]tt6587046[/imdb]

Paprika (2006), una aventura onírica

Paprika - poster

Paprika, dirigida por Satoshi Kon (Perfect Blue, Tokyo Godfathers), es una película de animación que nos sumerge en un viaje vertiginoso a través de los sueños y la psique humana, donde la realidad y la fantasía se difuminan en una cautivadora exploración de la mente. La película está basada en la novela homónima de Yasutaka Tsutsui, aunque Kon se toma algunas libertades creativas para adaptar la historia a su propio estilo.

Sinopsis de «Paprika»

Paprika 01

La vida es sueño

Paprika 02

Paprika es un referente de la animación japonesa por su espectacular narrativa y su profunda reflexión sobre la identidad, la memoria, la naturaleza de la mente humana, la fragilidad de la identidad y el poder de los sueños para moldear nuestra percepción del mundo.

Mezclando de forma equilibrada acción, misterio y psicología se tocan temas acerca del subconsciente, la represión de recuerdos y la búsqueda del yo, sembrando dudas sobre la diferencia entre realidad y fantasía.

Paprika 03

La animación es visualmente deslumbrante, caracterizada por una paleta de colores vibrante, diseños oníricos y una fluidez de movimiento que transporta al espectador al interior de los sueños. El uso del «plano secuencia» (obviamente entrecomillado) consigue crear secuencias vertiginosas y surrealistas que desafían las leyes de la física y la lógica.

Una experiencia única e inolvidable que atrapa al espectador desde el principio hasta el final. La película ha sido objeto de numerosos análisis e interpretaciones, debido a la riqueza de sus simbolismos y la complejidad de sus temas.

Trailer de «Paprika»

[imdb]tt0851578[/imdb]

Millennium actress (2001), la fragilidad de la memoria

Millennium actress - poster

Millennium actress, dirigida por Satoshi Kon (Perfect Blue, Tokyo Godfathers), es una película de animación que realiza un viaje introspectivo a través de los recuerdos de una actriz legendaria, tejiendo una narrativa que explora el poder del cine, la búsqueda del amor y la naturaleza fragmentada y subjetiva de la memoria.

Sinopsis de «Millennium actress»

<Millennium actress 01

La sombra de los recuerdos

Millennium actress nos embarca, mediante una narrativa no lineal, en un viaje a través de las distintas etapas de la vida de Chiyoko, desde sus humildes comienzos en el Japón prebélico hasta su ascenso a la fama como estrella de cine. Cada etapa está marcada por un personaje masculino que representa un amor idealizado y esquivo. La búsqueda de este amor perdido se convierte en el motor que impulsa la narrativa y en una metáfora de la búsqueda de la propia identidad.

Millennium actress 02

A través del relato de Chiyoko recorremos su vida y su carrera cinematográfica, explorando momentos políticos y sociales clave dentro de la historia de Japón, desde la Edad Media hasta los viajes interestelares. La historia de la protagonista intercala flashbacks con escenas de las películas en las que actuó, rindiendo homenaje a la evolución del cine japonés a lo largo de las décadas y creando una experiencia cinemática que desafía las convenciones narrativas tradicionales.

Millennium actress 03

Satoshi Kon presenta un magistral manejo de la animación, fusionando estilos y técnicas para crear una experiencia visual única. Los sueños y los recuerdos se plasman con una fluidez y plasticidad asombrosas, difuminando los límites entre realidad y fantasía, creando una experiencia visual sorprendente y con múltiples capas de interpretación.

Evidentemente, la película va más allá del simple entretenimiento. Es una reflexión sobre el poder del cine para trascender la realidad, sobre la importancia de los recuerdos y sobre la búsqueda del amor verdadero.

Trailer de «Millennium actress»

[imdb]tt0291350[/imdb]