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Mitad vulcano, mitad minbari; maestro jedi del Templo de los Cinco en Serenity Valley.

Melancolía (2011), la belleza del fin del mundo

Melancolía - poster

Melancolía es una película dirigida por Lars von Trier (Bailar en la oscuridad, Dogville) que se destaca tanto por su belleza visual como por su audaz exploración de temas profundos y, en ocasiones, desalentadores. Protagonizan Kirsten Dunst (María Antonieta, Todas las cosas buenas), Charlotte Gainsbourg (I’m not there, Anticristo), Kiefer Sutherland (La sombra de la sospecha, Reflejos (Mirrors)), Charlotte Rampling (Nunca me abandones, El molino y la cruz) y Alexander Skarsgård (Kill your darlings, Metropia).

Sinopsis de «Melancolía»

Melancolía 01

Una simbiosis perfecta entre la belleza y el horror

Melancolía es una obra compleja y ambiciosa de Lars von Trier que nos sumerge en un universo visualmente deslumbrante y emocionalmente perturbador. No soy muy fan de la filmografía del director, tampoco he visto muchas de sus pelis, pero esta es absolutamente fascinante.

Melancolía 02

Desde el comienzo, establece su tono ominoso con una secuencia de apertura impresionante y onírica, llena de imágenes de pesadilla subrayadas por la música de Wagner (Tristán e Isolda), que presagian el final del mundo. Esta introducción establece el escenario para una narrativa que oscila entre lo personal y lo cósmico.

Más allá de ser otra película sobre el fin del mundo, nos encontramos ante un profundo retrato psicológico de la depresión y un análisis de la existencia, la desesperanza y la naturaleza cíclica de la vida. La protagonista está sumida en una profunda melancolía que encuentra en el inminente fin del mundo una especie de liberación. La cinta refleja de manera visceral y poética los abismos de la depresión, convirtiendo la pantalla en un lienzo de los sentimientos más oscuros.

Melancolía 03

El guion es tan potente como ambiguo, dejando mucho espacio para la interpretación. Hay diversos elementos en la historia, como la relación entre las dos hermanas, la figura del padre, o el significado simbólico del planeta Melancolía, que invitan al espectador a reflexionar sobre la condición humana, la muerte y la existencia.

En definitiva, no estamos ante una película fácil de digerir. Su ritmo lento, su tono melancólico y su final abierto pueden resultar desconcertantes. Sin embargo, para aquellos que se adentran en su universo, es una experiencia cinematográfica única e inolvidable.

Melancolía 04

Trailer de «Melancolía»

[imdb]tt1527186[/imdb]

Lost in translation (2003), una mirada íntima a la soledad y la conexión

Lost in translation - poster

Lost in translation es una pequeña obra maestra contemporánea dirigida por Sofia Coppola (Las vírgenes suicidas, María Antonieta) que explora de manera delicada y profunda la sensación de desconexión en un entorno extranjero. Protagonizan Bill Murray (El hombre que no sabía nada, Juegos salvajes), Scarlett Johansson (Ghost World, Arac Attack), Giovanni Ribisi (The Mod Squad (Escuadrón oculto), Premonición) y Anna Faris (Este cuerpo no es el mío, Desmadre en la nieve).

Sinopsis de «Lost in translation»

Lost in translation 01

Un retrato melancólico de la soledad moderna

Curiosamente he comentado en el blog varias de las últimas películas de Sofia Coppola, pero no la que para mí es su obra maestra y que aun no ha superado.

Más allá de ser una simple historia de amor, Lost in Translation es un poema visual y emocional que captura con sutileza la soledad existencial y la desconexión humana en un mundo globalizado, abordando temas como la identidad, la madurez y la búsqueda de sentido en la vida. La directora emplea una narrativa sutil que evita los diálogos grandilocuentes y se centra en los gestos, las miradas y los silencios para transmitir las emociones de sus personajes. Los diálogos son naturales y a menudo poéticos en su simplicidad, y los silencios entre los personajes a menudo dicen más que las palabras.

Lost in translation 02

Bill Murray ofrece una actuación en la que equilibra la melancolía y el humor con una naturalidad que hace que su personaje sea profundamente entrañable. Cada línea, cada mirada y cada gesto nos hablan de un hombre que busca algo más en una etapa de su vida donde todo parece haber perdido sentido. Por su parte, Scarlett Johansson, en uno de sus primeros papeles importantes, aporta una vulnerabilidad, una tristeza sutil y una profundidad emocional que complementa perfectamente la actuación de su compañero. La química entre ambos actores es palpable y creíble, lo que nos hace empatizar más con sus personajes. No es una relación romántica típica, es un encuentro de dos almas que se entienden sin necesidad de palabras cuyo vínculo evoluciona con naturalidad.

Lost in translation 03

La vibrante y alienante metrópolis de Tokio funciona como un personaje más, creando un telón de fondo perfecto para la soledad y la búsqueda de significado de los protagonistas. La desorientación y la maravilla de encontrarse en un lugar tan distinto se enfatiza con el uso de luces de neón, anuncios estridentes y encuadres reflexivos que subraya la introspección de los personajes.

Como aspecto negativo, se podría decir que la historia se desarrolla con un ritmo demasiado pausado y contemplativo, pero lo cierto es que nunca llega a hacerse aburrida.

La escena final, donde Bob le susurra algo inaudible a Charlotte antes de despedirse, es uno de los momentos más memorables del cine contemporáneo. La frase sin revelar, invita al público a proyectar sus propios sentimientos y significados en ese instante. Es un cierre perfecto para una historia que celebra la belleza de lo efímero.

Lost in translation 04

Trailer de «Lost in translation»

[imdb]tt0335266[/imdb]

El imaginario del Doctor Parnassus (2009), un derroche visual

El imaginario del Doctor Parnassus - poster

Con El imaginario del Doctor Parnassus, Terry Gilliam (Tideland, El secreto de los hermanos Grimm) nos invita a un viaje onírico, surrealista y lleno de simbolismos, donde la realidad se entrelaza con la fantasía de manera sublime. Protagonizan Christopher Plummer (Cerrando el círculo, La última estación), Heath Ledger (Candy, El caballero oscuro), Lily Cole (Supercañeras: El internado puede ser una fiesta, Rage), Andrew Garfield (Leones por corderos, Boy A), Tom Waits (El tigre y la nieve, Domino), Colin Farrell (El sueño de Casandra, Escondidos en Brujas), Johnny Depp (The Libertine, Charlie y la fábrica de chocolate) y Jude Law (Todos los hombres del rey, My blueberry nights).

Sinopsis de «El imaginario del Doctor Parnassus»

El imaginario del Doctor Parnassus 01

Un viaje alucinante por la imaginación

El imaginario del Doctor Parnassus 02

El imaginario del Doctor Parnassus presenta un mundo visualmente deslumbrante, lleno de detalles y referencias a la mitología y la literatura. Después de un par de pequeños «tropiezos» en su filmografía (al menos para mi gusto), Gilliam recupera su estilo más surrealista y onírico para invitarnos a reflexionar sobre la vida, la muerte, la naturaleza del bien y del mal, y la importancia de las decisiones que tomamos.

Uno de los puntos fuertes de la peli es su impresionante diseño visual. Desde los decorados hasta los efectos especiales, estamos ante un verdadero festín para los ojos, con una paleta de colores vibrante y escenarios que evocan un sueño febril. Las secuencias dentro del imaginario son especialmente destacables, con escenarios elaborados y efectos especiales que evocan un sentido de asombro y maravilla. Estos mundos fantásticos reflejan tanto la grandeza como los peligros de la imaginación desbordada.

El imaginario del Doctor Parnassus 03

La dificultad de la puesta en escena hizo que el rodaje se enfrentase a diversas complicaciones que fueron agravadas por la inesperada muerte de Heath Ledger. Para poder terminar la producción, Gilliam introdujo un recurso narrativo que resulta temáticamente coherente con la naturaleza cambiante del imaginario y permitió que otros actores interpretasen al personaje de Ledger en los diferentes mundos del imaginario.

El imaginario del Doctor Parnassus 04

Trailer de «El imaginario del Doctor Parnassus»

[imdb]tt1054606[/imdb]

Proyecto Gemini (2022), ensa ladilla rusa

Proyecto Gemini - poster

Proyecto Gemini (del original ruso Zvyozdniy Razum que parece que podría traducirse como «Mente estelar») es una producción rusa de ciencia ficción, suspense y terror, dirigida por Serik Beyseu (Tabletka ot slez, Otrazhenie tmy), escrita con ayuda de una IA deficiente que ha mezclado varios guiones preexistentes, y protagonizada, o algo así, por Dmitriy Frid (Insomnia, Héroes de guerra), Egor Koreshkov (Ballet in the flames of war, Nefutbol), Nikita Dyuvbanov (Abigail y la ciudad perdida, The Superdeep), Petr Romanov y Alyona Konstantinova (Conexión Estambul, Involution).

Sinopsis de «Proyecto Gemini»

Proyecto Gemini 01

¡No es nuestro Sistema Solar!

Proyecto Gemini tiene una premisa interesante que ofrece una atmósfera visual impresionante y unos efectos especiales llamativos. Y ya está. No tiene nada más que sea destacable.

No he visto muchas producciones rusas, pero tengo la teoría de que tienen un grave problema en la distribución de recursos, paradójicamente. Simplificando, si redujéramos una película a tres aspectos: guion, actores y puesta en escena, da la impresión de que apuestan todo a un número. Verbigracia. Todo lo dicho en la entrada enlazada, podría aplicarse aquí muchas modificaciones.

Proyecto Gemini 02

La historia comienza como un refrito (con aceite más que quemado) de Prometheus e Interstellar, que evoluciona, sin ningún sentido, hacia Alien. Dicho así aún parece que podría salir algo entretenido y disfrutable, pero no. El guion está lleno de explicaciones tipo «lo hizo un mago» y «llegamos a esta conclusión porque sí», además de una acumulación de escenas confusas, frías, sin emoción y absurdas.

Todas las situaciones imprevistas a las que se enfrenta la misión (y son muchas, evidentemente, viendo el punto de partida: un ordenador alienígena que se descifra a base de patrones, como los que se usan para desbloquear el móvil pero muchísimo más complejos) son recibidas con una sensación de resignación y despreocupación apabullantes por parte de los protagonistas. Lo normal, porque acto seguido se sacan de la manga una solución al problema que no tiene nada que ver con nada de lo que nos han contado hasta el momento y a la que nadie en su sano juicio llegaría haciendo un uso coherente de la lógica elemental.

Proyecto Gemini 03

Es decir, se montan todos en una nave espacial de la cual han deducido «porque sí» que los va a llevar al otro lado del universo y va a servir para terraformar un planeta de condiciones similares a una Tierra primigenia. Cuando acaban en otro lado es como si vas de camino al Carrefoie y acabas en un Mercamoña, pero da igual porque tienen chopped en oferta.

Los actores parecen un meme extraído de la escena de 300 cuando los espartanos se encuentran con los arcadios, «¿Cuál es tu oficio?». Seguro que habrá bomberos, militares, ganaderos, pinches de cocina… pero actores como tal pocos.

Hay una subtrama romántica que da vergüenza ajena. Y no en términos de lo que podría ser una subtrama romántica en una producción estándar, sino teniendo en cuenta que estamos dentro de un truño de proporciones épicas (a destacar el momento Pantene con la escena de los aspersores de riego 😫)

Proyecto Gemini 04

Trailer de «Proyecto Gemini»

[imdb]tt5656994[/imdb]

En la piel de mi madre (2023), un cuento de hadas sangriento

En la piel de mi madre - poster

En la piel de mi madre nos sumerge en un universo onírico y perturbador de la mano de Kenneth Lim Dagatan, en la que es su primera y, de momento, única película como director. Protagonizan Beauty Gonzalez (Only You, Kampon), Felicity Kyle Napuli, James Mavie Estrella, Jasmine Curtis-Smith (Maybe Tomorrow, Midnight in a Perfect World) y Angeli Bayani (Onoda, 10.000 noches en la jungla, Holy Emy).

Sinopsis de «En la piel de mi madre»

En la piel de mi madre 01
Filipinas, al final de la Segunda Guerra Mundial. Una familia acomodada se ve atrapada en su mansión colonial y aterrorizada por soldados japoneses que están perdiendo el control de la isla. Se rumorea que Aldo, el patriarca de la familia, esconde oro japonés robado, así que abandona la casa para buscar ayuda estadounidense. Durante su ausencia, la débil salud de la madre se deteriora y sui hija Tala decide confiar en un hada maliciosa, que actúa como una figura simbólica de tentación y corrupción.

Un horror filipino

En la piel de mi madre 02

En la piel de mi madre se distingue por su mezcla de realismo histórico y horror fantástico. Por un lado, se ambienta en el contexto convulso de la Segunda Guerra Mundial y por otro lado, fusiona aspectos de folk horror con otros más típicos de los cuentos de hadas. No obstante, da la impresión de que la ambientación histórica es puramente accesoria y una simple excusa para apartar al padre de familia, momento en el que los elementos de drama histórico desaparecen casi por completo. La trama se centra en la relación entre una madre y su hija, quienes se ven arrastradas a un mundo de magia oscura y tradiciones ancestrales.

La película logra construir una atmósfera opresiva, inquietante y cargada de tensión desde los primeros minutos, gracias a una combinación perfecta de fotografía, diseño de producción y banda sonora. La heterogénea mezcla de elementos de terror, drama y fantasía resulta en una propuesta original y refrescante. Los símbolos y las metáforas visuales juegan un papel fundamental en la construcción de la narrativa.

En la piel de mi madre 03

Los momentos de horror, especialmente hacia el final, logran un impacto visceral que complementa la evolución de una historia que transita entre lo sugerido y lo explícito, abordando temas como la lucha familiar y las consecuencias de las decisiones bajo presión. No obstante, el ritmo es bastante irregular, lo que acaba lastrando el interés por la historia y haciendo que la experiencia derive hacia el tedio.

El desenlace es muy ambiguo y deja muchas preguntas sin respuesta.

Trailer de «En la piel de mi madre»

[imdb]tt20413870[/imdb]

The hole (2001), un descenso a la oscuridad

The hole - poster

The hole es un intrigante thriller psicológico que se adentra en los oscuros recovecos de la mente humana. El director, Nick Hamm (Pasiones rotas, Martha conoce a Frank, Daniel & Laurence), nos sumerge en una atmósfera de claustrofobia y paranoia, con cuatro jóvenes atrapados en un búnker subterráneo. Está basado en la novela After the Hole de Guy Burt y protagonizado por Thora Birch (American Beauty, Dragones y mazmorras), Embeth Davidtz (El hombre bicentenario, 13 fantasmas), Desmond Harrington (Juana de Arco, El informador), Daniel Brocklebank (Shakespeare enamorado, The Criminal) y Keira Knightley (Mentiras inocentes, The Treasure Seekers).

Sinopsis de «The hole»

The hole 01

The hole se mueve entre lo claustrofóbico y lo psicológico, ofreciendo un relato intrigante sobre el peligroso territorio del engaño y la obsesión. El espacio confinado, la iluminación tenue y la banda sonora inquietante crean una atmósfera de agobio y tensión constante, que mantiene al espectador al borde del asiento.

The hole 02

Los protagonistas son relativamente complejos, con un desarrollo interesante y personal, lo que les otorga una mayor profundidad y credibilidad. Son destacables las interpretaciones de Thora Birch (que acababa de hacer American beauty) y Keira Knightley (en uno de sus primeros papeles importantes), las cuales transmiten de manera convincente el terror y la desesperación de sus personajes. Thora Birch en especial, lleva el peso de ser el enigma central de la trama. Su actuación mantiene una duda constante sobre sus motivaciones y confiabilidad como narradora. La química que tiene con los otros actores añade una capa de complejidad emocional y tensión a la trama.

The hole 03

La estructura no lineal del guion contribuye a mantener el interés, revelando lentamente las verdades detrás de la situación de los personajes. Las versiones contradictorias de lo sucedido crean un juego psicológico que invita a cuestionar continuamente la verdad de los hechos. La trama está repleta de giros inesperados (y un pelín rebuscados) que nos obligan a replantearnos constantemente lo que estamos viendo.

Sin embargo, la película pierde algo de fuerza en el tercer acto. Una vez que se desvela la verdad, el clímax se siente menos impactante de lo que podría haber sido. El desenlace es bastante controvertido, ya que, aunque resulta completamente satisfactorio dentro de la historia en sí, puede parecer demasiado ambiguo, confuso y sin una resolución clara.

The hole 04

Trailer de «The hole»

[imdb]tt0242527[/imdb]

Curvature (2017), un viaje en el tiempo con muchos baches

Curvature - poster

Curvature, dirigida por Diego Hallivis (The Duel (Game Time), Pesadilla americana), es un thriller de ciencia ficción que combina viajes en el tiempo y elementos de drama con un misterio emocionalmente cargado. Protagonizan Lyndsy Fonseca (Kick-Ass: Listo para machacar, The Escort), Zach Avery (Trespassers, El bailarín), Glenn Morshower (Lugares oscuros, Obsesión fatal) y, en un pequeño papel, Linda Hamilton (Refuge, Tentáculos de las Bermudas).

Sinopsis de «Curvature»

Curvature 01

A big ball of wibbly wobbly, timey wimey shit

Curvature comienza con buenas intenciones, pero no logra estar a la altura de las expectativas. La trama es ambiciosa, pero la ejecución es deficiente. Si eres un fanático de la ciencia ficción, vas a tropezarte con inconsistencias enormes que dificultarán que disfrutes de la experiencia. Un espectador promedio se va a encontrar con un telefilm de sobremesa con un trasfondo de ciencia ficción en el que viajar por el tiempo termina siendo una travesía sin rumbo.

Curvature 02

Y eso que la premisa engancha, la idea de manipular el tiempo para cambiar el pasado es un concepto que siempre fascina. La película logra crear un ambiente intrigante y misterioso que atrapa en un primer momento, sin embargo el desarrollo es confuso, complicado de seguir y no tiene sentido (ni dentro de los parámetros habituales generales de los viajes temporales en la ficción, ni dentro de las normas propias que define la película para el tema). La narrativa avanza de forma lineal y las resoluciones son demasiado rápidas y no siempre satisfactorias.

Curvature 03

Las explicaciones científicas son superficiales y derivan en tecnocháchara que se podría resumir en: «Esto pasa porque sí». Da la impresión de que el guionista tiene interés en plantear las implicaciones de manipular el pasado, pero no entiende muy bien cómo quiere que funcionen los viajes en el tiempo dentro de su historia. Se plantean preguntas filosóficas sobre el libre albedrío y las consecuencias de nuestras acciones, aunque no se acaba profundizando en ninguna de ellas.

El poster japonés, que he usado como imagen de cabecera, es puro clickbait del más tramposo (y artificioso) 😅

Curvature 04

Trailer de «Curvature»

[imdb]tt4720596[/imdb]

La bestia del reino (1977), humor y fantasía post-Monty Phython

La bestia del reino - poster

La bestia del reino se inspira en el poema «Jabberwocky» de Lewis Carroll, aunque no sigue su narrativa de forma literal, sino que utiliza su tono y la criatura que le da título como punto de partida para una historia que mezcla comedia negra y aventuras. Se trata del primer largometraje dirigido en solitario por Terry Gilliam (Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, Los héroes del tiempo), donde ya se puede apreciar su excéntrico estilo visual, su humor absurdo y su espíritu caótico. A pesar de no ser tan conocida como sus obras posteriores, esta recreación de un mundo medieval lleno de mugre, sátira, surrealismo y personajes extravagantes tiene un encanto único y una estética distintiva. Protagonizan Michael Palin (Se armó la gorda, La vida de Brian), Max Wall (Se nos ha perdido un dinosaurio, El perro de Baskervilles), Deborah Fallender (Escuela de medicina, Pequeño tesoro), John Le Mesurier (El hermano más listo de Sherlock Holmes, Stand up, virgin soldiers) y Annette Badland (Last day of Summer, Knights & Emeralds).

Sinopsis de «La bestia del reino»

La bestia del reino 01

Una mirada satírica y surrealista al medievo

La bestia del reino 02

La bestia del reino es una película que no deja indiferente. Aunque no sea perfecta, resulta fascinante por su originalidad y su capacidad para hacernos reflexionar sobre la sociedad y la condición humana. En lugar de glorificar los mitos caballerescos, como suele ser habitual en los escenarios (seudo)medievales, la cinta se burla de ellos. Los caballeros son ineptos, los campesinos son sucios y supersticiosos, y el reino mismo es una parodia de la burocracia absurda.

Los paisajes, los personajes y los objetos están cargados de simbolismo y de una estética que recuerda a los cuentos de hadas más oscuros. La puesta en escena y el diseño de vestuario crean un mundo que es a la vez familiar y extraño, lleno de personajes excéntricos y paisajes fantásticos.

La bestia del reino 03

En la parte negativa, aunque el tono desenfadado y la estructura episódica son entretenidos, y hay escenas realmente magníficas, por momentos el ritmo se estanca y la trama va a la deriva. Esto puede resultar frustrante para el que busque una historia más cohesionada. Por otro lado, el humor del director, absurdo, grotesco e incómodamente oscuro, a veces en exceso, no es para todos los gustos.

No obstante, si eres fan del cine de Gilliam o te gustan las películas de fantasía con un toque de humor negro, La bestia del reino es una visita obligada.

La bestia del reino 04

Hasta el trailer es una fruta maravilla…

Trailer de «La bestia del reino»

[imdb]tt0076221[/imdb]

El rey pescador (1991), una odisea contemporánea

El rey pescador - poster

El rey pescador nos sumerge en un Nueva York caótico y mágico a través de la personalísima visión de Terry Gilliam (Los héroes del tiempo, Brazil, Las aventuras del barón Münchausen), antes de que se le empezara a ir mucho la pinza. Protagonizan Jeff Bridges (Nadine, Tucker, un hombre y su sueño, Los fabulosos Baker Boys), Robin Williams (Good Morning, Vietnam, El club de los poetas muertos, Despertares), Amanda Plummer (Hecho en el cielo, Joe contra el volcán, Freejack (Sin identidad)) y Mercedes Ruehl (Se acabó el pastel, Días de radio, Big).

Sinopsis de «El rey pescador»

El rey pescador 01

El príncipe y el mendigo

El rey pescador 02

En El rey pescador, Terry Gilliam actualiza un mito ancestral, transformándolo en una metáfora de la condición humana. La herida del Rey Pescador se convierte en una alegoría del dolor y la pérdida, mientras que el Santo Grial representa la posibilidad de la sanación y la trascendencia.

Una magistral mezcla de realismo crudo, comedia, drama y fantasía unida a las excepcionales interpretaciones del dúo protagonista nos sumerge en un viaje emocional y visualmente fascinante a través de la vida de dos hombres rotos que encuentran consuelo y redención en su amistad.

El rey pescador 03

Existe una enorme química entre Jeff Bridges y Robin Williams, algo que se traslada a sus personajes. Williams equilibra perfectamente la locura y la ternura, representando la fragilidad y la esperanza. Bridges ofrece una representación convincente de la culpa y la búsqueda de redención, encarnando la desilusión toda de una generación. Por su parte, Mercedes Ruehl, que interpreta a una mujer atormentada por el pasado, simboliza la búsqueda de la verdad.

Visualmente, el director utiliza su característico estilo surrealista para crear un mundo que oscila entre la realidad y la fantasía, enriqueciendo la narrativa con imágenes oníricas y simbolismo, algo que refleja la fragilidad de la realidad y la fuerza de la imaginación.

El rey pescador 04

Trailer de «El rey pescador»

[imdb]tt0101889[/imdb]

El chico y la garza (2023), otra obra maestra de Hayao Miyazaki

El chico y la garza - poster

El chico y la garza (Kimitachi wa dô ikiru ka) es un festín visual y auditivo que nos sumerge en un mundo de fantasía y aventura lleno de criaturas mágicas y paisajes oníricos, con el sello característico de Hayao Miyazaki (Nausicaä del Valle del Viento, Mi vecino Totoro, Porco Rosso) para el Estudio Ghibli. La película comparte título con la novela escrita por Yoshino Genzaburō y publicada en 1937, sin embargo presenta una historia original que no guarda relación con el libro.

Sinopsis de «El chico y la garza»

El chico y la garza 01

Un vuelo onírico a través de la imaginación

Con una carrera llena de joyas (casi) indiscutibles, es difícil que a estas alturas una película de Hayao Miyazaki llegue a decepcionarme. El chico y la garza no ha sido la excepción. Estamos ante la película más simbólica y metafórica del director, pero también la más personal, llena de paralelismos con su vida y con personajes que, según su propias palabras, representan a personas que han sido o son relevantes para él. Miyazaki quiso crear una película dedicada a su nieto, que sirva como testamento o enseñanza para cuando este crezca y deba enfrentarse a la vida.

El chico y la garza 02

La historia en sí vuelve a tener elementos que nos recuerdan a momentos de Alicia en el País de las Maravillas, cosa que ya sucedía con El viaje de Chihiro. También hay aspectos que parecen sacados de Ni no Kuni, el videojuego (después película) en el que Ghibli participó realizando diseño de personajes y animación (con Jo Hisaishi en la banda sonora 😆).

Visualmente nos encontramos ante un espectáculo impresionante, con un estilo de animación que combina 2D con toques de 3D, donde cada fotograma es una obra de arte repleta de detalles con una minuciosidad que roza la obsesión, con una paleta que varía desde tonos melancólicos hasta explosiones de color vibrante.

El chico y la garza 03

Aunque la trama está abierta a múltiples interpretaciones, y a veces puede resultar densa y un poco compleja, en esencia nos habla de temas universales como la pérdida, el crecimiento y el proceso de encontrar sentido en un mundo fragmentado. De la vida, en general.

La banda sonora de Jo Hisaishi añade una capa emocional que acompaña a la perfección las transiciones entre lo mundano y lo mágico, sirviendo de complemento tanto a la historia como a las emociones de los personajes.

El chico y la garza 04

Trailer de «El chico y la garza»

[imdb]tt6587046[/imdb]