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Dagon: la secta del mar (2001) – Cthulhu á feira

Dagon es una película española de 2001 basada en un relato de H.P. Lovecraft, La sombra sobre Innsmouth (1931), que tuve la ocasión de leer hace muy poco. La película es producción de la otrora promesa del terror nacional Fantastic Factory, que tuvo en su haber una serie de producciones que resultaron bastante cuestionables, y cuestionadas. Antes de meternos en la película, tenemos que ponernos en antecedentes con esta productora.

En EEUU, por poner el ejemplo de la meca del cine, la subvención que obtienen las productoras se traduce en ventajas fiscales y devolución de costes de producción (fuente), y para obtener esas ventajas tienes que hacer la película, estrenarla y obtener beneficios para que esas ventajas se traduzcan en verdes.

En España (y Europa=, por contra, la subvención no es posterior al estreno, sino anterior… Si quieres hacer una película (y tienes background) te darán la subvención con una serie de requisitos y obligaciones, que hasta hace poco eran: estrenarla en el cine y poco más. De ahí que haya películas que sólo se estrenan en salas pequeñas y cines de segunda (sin ánimo de ofender, son los mejores putos cines). Incluso se han dado casos de estrenos con salas cerradas (y taquilla vendida entera) para justificar el estreno y el «Sold out!».

Logotipo de la Fantastic Factory, productora de Dagon

Conociendo estos datos, Bryan Yuzna (director entre otras, de parte de la saga Re-Animator, junto con Stuart Gordon, quien también es director de la actual Dagon) decide juntarse con Julio Fernández (productor de Los sin nombre, entre otros) y montar una sucursal en España, para producir sus mierdas y subvencionarse la coca. A este chiringuito lo llaman Fantastic Factory.

Su primera producción: Faust: La venganza está en la sangre, prometía más de lo que daba, pero era bastante decente. Una re-imaginación del mito de Fausto y Mefistófeles, con reparto internacional (incluyendo al actor fetiche de Yuzna, Jeffrey Combs) y una banda sonora maravillosamente nu-metalera.

Tras Faust vinieron Arachnid y Dagon, muy poco después, rodadas con los beneficios de la priemra (menos la coca consumida), y dejaban algo que desear. Un año después vino Darkness (2002), dirigida por Jaume Balagueró; quizá mi favorita de la Fantastic Factory, pero a partir de ahí la cosa fue en caída libre: Romasanta, Rottweiler, Beyond Re-Animator (Yuzna sabe que si toca la fibra Lovecraftiena tiene las lonchas aseguradas), La Monja y por último, Bajo aguas tranquilas.

Lo que comenzó con películas efectistas y de estéticas algo cuidadas, terminó en un festín de producciones low-cost con repartos de segunda y efectos de muñeco hecho con calcetín y ojos pegados. Una pena, porque siempre me moló la idea de tener una productora patria que hiciera cine interesante, y no la comedia o drama de siempre. Por suerte tenemos a Alex de la Iglesia, que de vez en cuando saca cosas muy decentes (salvo Las Brujas de Zugarramurdi).

En fin, a lo que íbamos…

Dagon: La secta del mar

Dirige Stuart Gordon (director de Re-Animator, fallecido el pasado año) y produce Yuzna. Lo que a priori puede ser un sello denominación de origen a tener en cuenta empieza a perder enteros a cada minuto, hasta quedarnos con un «no está tan mal» final. Ese «tan» es mortal.

Los efectos especiales de la casa Yuzna siempre son un poco chusteros, pero efectivos. Parece que con la versión trial del After Effects le llega y con aumentar el tamaño de pantalla para ocultar la mosca de la versión de prueba es suficiente. Ahora bien, los efectos visuales y de maquillaje son bastante guays y mucho más efectivos que los CGI. Quizá Stuart Gordon guardaba props de Re-Animator para utilizar en Dagon, o quizá entre lonchas de coca tuvieron la idea de intentar hacer algo bien.

Combarro (Pontevedra), pueblo marinero donde se rodó Dagon
Combarro (Pontevedra), pueblo marinero donde se rodó Dagon

Así que tenemos por un lado CGI de baratillo, maquillaje bien tirando a guay (entendiendo el tipo de producción que tenemos delante, sin comparar con otras películas que pueden multiplicar el presupuesto de esta x100) y llegamos a lo peor… el reparto.

Raquel Meroño, de la rubia melena y moreno el… (lo siento, estoy muy arrepentido, no volverá a ocurrir), tiene la gran suerte de aparecer poco en la película. Creo que ha pasado el tiempo suficiente desde 2001 como para poder hablar con spoilers sin tener que ocultarlos, pero por si acaso…

[spoiler]Tiene no, tenemos la gran suerte de verla poco en la cinta y lo que vemos al final sea su muerte, después de unos gratuitos, y continuos, planos de tetas como este.[/spoiler]

Las cualidades interpretativas de esta chica son nulas rozando el negativo. Una fregona tendría menos atractivo físico, pero quedaría mejor en pantalla. Sólo piensa: cuántas fregonas has visto en el cine y cuántas Meroños? Fregona wins.

El alter-ego femenino está en otra actriz que me encanta (sarcasmo), Macarena Gómez. Dagon fue su primera película (y uno de sus primeros trabajos, amén de un par de apariciones en alguna serie de tv), y para consolación de los detractores aquí todavía no era tan cansina como ahora, y aún tenía algo de ilusión por intentar dejar un trabajo bien hecho. Lo consigue.

Aunque no me guste nada en absoluto, Macarena Gómez hace un papel comedido, pero muy efectivo. Su gesto peculiar y sus grandes ojos, junto con algo de interpretación, consiguen crear un personaje que sabe transmitir la locura que se supone que tiene y vive. Un 10 para ella.

No me huele a bacalao, me huele a pulpo.

Paul, el prota está interpretado por Ezra Godden, alguien completamente anónimo para mí, y del que he tenido que investigar para conocer un poco más. Ha hecho algo de tv, algo de doblaje y poco cine (y de serie B). No lo hace mal y transmite correctamente la angustia del personaje.

Como comparsa a Paul tenemos a un montón de actores y extras con mayor o menos nombre, desde Francisco Rabal, interpretando al borracho del pueblo (con un acento gallego bastante creíble) hasta un montón de vecinos de Combarro, pueblo marinero de Pontevedra, donde se rodó Dagon, a escasos 30 minutos de donde vivo. Por cierto, fue ésta la última película de Paco Rabal; dijo la mujer, tiempo después, que fue un rodaje extenuante, por las inclemencias del tiempo y las altas horas a las que se rodaba.

Dagon se basa en el relato La sombra sobre Innsmouth (1931), como ya adelantamos en el primer párrafo del artículo, pero de forma bastante libre. Hay cosas que son calcadas y que consiguieron trasladarme a la lectura y meterme de lleno en la historia, y hay otras que sólo están ahí como relleno.

El pueblo marinero de Innsmouth aquí se traduce a Invoca (Inns = In, mouth = voca… eso debieron pensar los guionistas), que tiene sentido por el verbo invocar, pero pierde la literalidad del nombre anglosajón.

La historia, aún libre, sigue manteniendo casi todos los elementos de la novela/relato. En Dagon, llegan al pueblo por accidente (literalmente), mientras que en el relato el prota (uno sólo, no una o 2 parejas) viaja a propósito al pueblo por motivos históricos y culturales.

El aspecto de Innsmouth

En ambos casos, el descubrimiento de los hombres-pez es similar. Mientras que en la película lo primero que vemos es la mano palmeada del cura, y poco después las branquias del recepcionista del hotel, en la novela se nos va describiendo el aspecto de los vecinos de Innsmouth a medida que el prota los observa desde el autobús y se denominan como «aspecto de Innsmouth».

El momento hotel es prácticamente similar en ambas historias. La película consigue transmitir muy bien la angustia del personaje abriendo y cerrando puertas. Quizá yo hubiera insistido más en este detalle, como en el libro, pero no estuvo nada nada mal.

En la película, Paul se encuentra con Ezequiel, el borracho del pueblo, de forma accidental, mientras que en el relato, es un empleado de una tienda quien le facilita al prota un mapa del pueblo y le indica que vaya a hablar con Zadok (el borracho), que es el más viejo del lugar.

En este momento viene lo segundo mejor de la cinta, que es el flashback que relata cómo el pueblo de Invoca entabló relaciones comerciales con los Profundos. Un momento 100% lovecraftiano.

Si eso era lo segundo mejor, qué es lo primero?

Escuchar a los profundos hablando gallego y adorando a un pulpo gigante. No sé si Lovecraft estuvo en Galicia, pero seguro que le hubiera molado pasar aquí una buena temporada.

El resto de la peli y comparación la dejo en vuestras manos.

Yo he de decir que en 2001 apenas había leído a Lovecraft (o nada) y hoy en día he leído todo (y me ha gustado casi todo). Digo esto porque me parece importante conocer la historia original para poder disfrutar más la película. En 2001 me pareció un zurullo ponzoñoso para ver de risas, y hoy puedo decir que la he disfrutado… tras 20 años y una pila de libros.

Así que, a día de hoy, os recomiendo ver Dagon: la secta del mar, pero sólo después de leer, o releer, La sombra de Innsmouth, que si leéis a buen ritmo, tenéis ventilada en 2 o 3 noches.

Tráiler de Dagon

Mortal (2020) – me vuelve loki

Cartel de la película Mortal

Mortal es una película dirigida por André Øvredal, de quien hace apenas dos días hicimos una review de su película Troll Hunter y tiempo atrás una de La autopsia de Jane Doe. En este caso nos presenta un thriller sobrenatural con un giro final (oh, mierda ahora sé que hay un giro final!).

Si a mitad de película buscáis el título original de la película, y hacéis la traducción del noruego os coméis un spoiler guapo.

[spoiler]El título original es «Torden», cuya traducción del noruego es Trueno. Y qué tienes cuando juntas Truenos y Noruega? Justo. Ya sabes de dónde saca el chaval sus poderes.[/spoiler]

Eric despierta un día en una montaña sin saber cómo ha llegado allí, ni por qué tiene quemaduras por todo el cuerpo. Además, parece tener la capacidad de generar calor, aunque no es capaz de controlar dicha habilidad.

La película empieza fuertecita, con la revelación de los poderes de Eric en comisaría y el siguiente viaje en helicóptero. A partir de ahí caminamos por un valle de lentitud al que nos tiene muy acostumbrado casi todo el cine nórdico, pero con ciertos elementos o situaciones que evitan entrar en el sopor o cansinidad. Al contrario, Mortal engancha y una vez lo hace no te suelta hasta el final.

Imagen de Nat Wolff y Iben Akerlie protagonistas de la película Mortal
Nat Wolff y Iben Akerlie protagonizan Mortal

Las interpretaciones son tranquis, y comedidas, hacen lo que tienen que hacer. Los efectos especiales son pocos y efectivos. La fotografía y localizaciones son maravillosas y la dirección es brillante. André Øvredal siempre consigue hacer películas muy interesantes pero con un aspecto de normalidad que choca brutal e irremediablemente con lo que está contando. Consigue que veamos «creíble» a un tío provocando relámpagos por las manos, hacer levitar el agua o crear fuego de la nada, porque te lo cuenta de una manera tan normal que te acaba encajando.

Mortal transcurre como una revelación personal, una búsqueda de identidad del personaje (y me atrevo a decir del país entero) y saber de dónde viene, para no olvidarlo. Conocer la historia, para no repetirla, que dicen por ahí.

No diré más que Mortal es una película francamente recomendable. No me esperaba nada de ella, y me ha gustado mogollón. Os dejo el tráiler y un par de spoilers después.

Tráiler de Mortal

[spoiler]Si no has leído la traducción del nombre Noruego, pasada la mitad de la película ya se deja intuir que Eric es descendiente de Thor, lo que explica y justifica sus poderes.

El final final, saliendo de la cueva con el martillo y la venganza por la muerte el asesinato de la chavala es cojonudo. Justo cuando pensabas que ya dominaba los poderes y podría hacer cosas buenas con ellos para la gente… zasca!

Ahora ya domino mis poderes, pero os los voy a meter por el culo por ser unos putos asesinos de mierda!

Jajajajaja! Genial.

Concluyendo, Mortal pasa de ser un thriller con tintes sobrenaturales que se ve reconvertido a epopeya asgardiana. Una reimaginación de la mitología muy curuiosa y entretenida.[/spoiler]

[imdb]tt5715066[/imdb]

Land of the Lost (2009) – chorrada simpática

Cartel de la película Land of the lost

Land of the Lost, El mundo de los perdidos en España, es una película de 2009 dirigida por Brad Silberling, sobre un guión de Chris Henchy y Dennis McNicholas. Está protagonizada por Will Ferrell, Danny McBride y Anna Friel y sus pechugas (ya lo entenderéis), basada ligeramente en la serie homónima de tv de 1974 emitida hasta 1976.

He de decir que no esperaba nada en absoluto de ella. Conociendo a Ferrell, algún chiste, situación jocosa y mucha vergüenza ajena, pero que, en general, estaría bien para pasar el rato. Sin embargo, encontré poca vergüenza ajena (que la hay) y bastante comedia simpaticona. En líneas generales me lo pasé sorpresivamente bien con la peli.

Fotograma de la película Land of the lost

El doctor Rick Marshall, un científico en declive, queda atrapado en un vórtice espacio-temporal que lo transporta a un lejanísimo pasado, a un mundo lleno de dinosaurios y otras extraordinarias criaturas.

No entiendo cómo esta película no obtuvo beneficios (68 millones de recaudación sobre 100 de presupuesto), pues es bastante mejor que otras mierdas que ha hecho Ferrell. También es cierto que no termino de entender cómo esta película ha podido costar 100 millones, siendo rodada en estudio, con disfraces cuestionables y un par de bichos en CGI. Quizá inflaron el presupuesto, o le pagaron de más a alguien y no salió bien.

Pero a lo que vamos Land of the lost no es tan mala como podría parecer por la poca recaudación o la mala prensa que ha tenido. A ver, qué esperáis de una película de este actor? Si esperáis una buena película vais apañados. Como mucho hay que esperar algo para pasar el rato y si lo consigue, date con un canto en los dientes. En mi caso, esperaba poco, y obtuve más. Me lo pasé bien.

Imagen de la actriz Anna Friel
Anna Friel

La puesta en escena es de sitcom cutre, en un decorado más bien tirando a malo. Las interpretaciones son un poco lamentables, pero tampoco hay que esperar mucho de ellas. Sin embargo, en el caso de Anna Friel, no lo hace nada mal, además que cuando está en el encuadre ilumina la estancia con su presencia.

Respecto a la actriz, y en relación con el comentario del primer párrafo, en cuanto los personajes llegan a la otra dimensión, se produce una situación que involucra al pecho de la actriz que me tuvo entre la risera y la vergüenza, pero reconozco que hubo más de la primera.

Otra escena que me hizo reír bastante, es al principio de la película, cuando Will Ferrell está dando clase a unos niños e intentando responder a las preguntas de estos. Esta escena es la que inicia el tráiler más abajo. Y la escena de la garrafa de orina da tanto asco como provoca carcajadas.

En resumidas cuentas, Land of the lost es una buena opción para pasar el rato sin esperar mucho de ella. De esta manera quizá llegues, como fue mi caso, a disfrutar un rato.

Os dejo el tráiler

El final

[spoiler]Es un poco muy rancio que el paleto de autocaravana termine llegando a un poblado de bellas mujeres deseosas de complacerlo, pero en fin… Cuando llegó la escena pensé: «al menos les pondrán cara de mono» y alguno dirá el mítico -nadie es perfecto- de Con faldas y a lo loco, pero no.[/spoiler]

[imdb]tt0457400[/imdb]

Baba Yaga (2020) – folclore eslavo actualizado

Cartel de la película Baba Yaga

Baba Yaga es la nueva propuesta rusa en cine de terror, y aunque se deja ver, no es nada del otro mundo.

Recuerdo hace años, cuando se estrenó Guardianes de la noche, y se vendió casi como El Padrino del cine de terror, la película que lo va a cambiar todo… y recuerdo salir del cine con los amigos bastante cabreados por la inversión pérdida de pasta y de horas de vida. Menudo cagao’ que nos comimos. Después vino Guardianes del día y ya pasamos de todo.

Imagen de la película Baba Yaga

Una joven familia se muda a un nuevo departamento a las orillas de la ciudad. Como los padres tienen una bebé recién nacida, contratan una niñera que rápidamente gana la confianza de los adultos. El hijo mayor descubre un comportamiento sospechoso en la nueva cuidadora pero sus padres no le creen. Pero un día el hermano mayor regresa a su casa y se da cuenta que ni su hermanita ni la niñera están en el hogar. Y lo que es peor, sus padres se encuentran en un extraño trance y no recuerdan a la pequeña.

Svetlana Ustinova interpreta a Baba Yaga en la película
Svetlana Ustinova

A partir de ese momento, el crío protagonista, junto con una serie de compañeros de la escuela, tendrán que hacerse un IT para resolver el misterio, descubrir la verdad y volver a la normalidad.

Baba Yaga (Baba Yagá, o Бáба Ягá) es un personaje recurrente del folclore ruso, y la mitología eslava. También ha aparecido en series como Supernatural (última temporada, creo) o en diversos cómics y películas de Hellboy. Se la suele representar como una vieja fea que come niños, pero en el caso de esta película se personifica en la piel de Svetlana Ustinova, que ni vieja, ni fea… lo de los niños está por ver.

Cuando el personaje entra en escena, no oculta su maldad, ni al niño ni al espectador. Se muestra como una arpía manipuladora, pero consigue engatusar a todos para que bailen al son de su música.

Aunque rusa, la película toma elementos narrativos y visuales del cine de terror actual, por lo que la pesadez y lentitud de la que suele adolecer el cine ruso no la tenemos presente en absoluto. Esos préstamos podemos tenerlos como clichés del género, pero al no haber un abuso de los mismos, y ser una nacionalidad que no acostumbra a utilizarlos en su cine, no es justo decir que la película sea de plantilla.

Baba Yaga no es una película maravillosa, pero sí es entretenida, tiene sustos interesantes y se lleva muy bien durante los 90 y algo minutos que dura. No diré que es súper recomendable, pero si la tienes que ver, o si la quieres ver, creo que no te arrepentirás. Eso sí, aunque sea complicado para algunos, mírala en VO, y no con doblaje inglés, latino o castellano; con el doblaje perderás bastante intensidad en las interpretaciones.

El tráiler

Os lo cuelgo en inglés, porque el ruso no tiene subs.

[imdb]tt8006374[/imdb]

Psycho Goreman (2020) – salvajemente divertida

Cartel de la película Psycho Goreman

Psycho Goreman es una ida de olla salvaje y extremadamente divertida, que viene de la mano de Steven Kostanski, director de The Void (2016), una película que nos dejó muy buen sabor de boca en su momento. En esta ocasión prescinde un poco de la nostalgia ochentera que podíamos intuir en la citada para centrarse en una historia gore y con unos momentos de un humor tan negro que te sentirás mal por haberte reído.

Psycho Goreman

Las hermanos Mimi y Luke resucitan por error a un señor de la guerra alienígena. Empleando un amuleto mágico fuerzan al monstruo a obedecer sus infantiles deseos, lo que acaba atrayendo a su pequeño barrio de los suburbios a un ejército de asesinos intergalácticos.

La película se estrenó en USA en 2021, pero ya llevaba todo 2020 (y parte de 2019) rodando por festivales como Sitges (10 de septiembre 2020).

Tengo que decirlo cuanto antes: Mimi es lo más. Es la cría más odiosa y divertida que he visto en pantalla desde hace muchos años. Cómo se puede vivir entre pensar que todo es un chiste y todo es serio a la vez? Mimi lo consigue, y lo transmite. Esta actriz es cojonuda.

Desde que comprende, tanto ella como su hermano, lo que pueden controlar con la piedra, se montan unas películas cojonudas y van de situación ridícula en situación más ridícula que la anterior, sin parar. Un desmadre de tonterías divertidas que salpican tripas a cada plano.

La historia es un poco chorra pero, da igual, no quieres que termine. Es una chorrada francamente divertida y las situaciones que se crean son delirantes.

No sé si pedir una secuela, un spin-off o qué, pero algo más con esa cría, por favor!

Tráiler de Psycho Goreman

[imdb]tt11252440[/imdb]

Utopía (2013 vs 2020) – eterno dilema

Imagen promocional de Utopía

Hace unos días terminé la primera temporada de Utopía, el remake financiado por Amazon Prime de la serie homónima de 2013-2014 del Channel 4 británico. No sólo es primera sino única temporada, ya que, para mi enfado, fue cancelada en noviembre de 2020 y a día de hoy no hay visos de re-programación.

Qué sentido tiene hacer el remake de una serie cancelada tras dos temporadas, si tu remake no va a pasar de la primera?

Os preguntaréis por qué decidí empezar por el remake… no tengo mucha excusa, para ser sinceros. Digamos que mi proceso mental para darle al play en lugar de buscar la original fue algo como «esta ya está en Prime y no tengo que buscarla, y no me corre prisa alguna que no esté disponible la segunda temporada… ya se hará». Error.

Después te enteras de que la primera temporada de Utopía 2013 son 6 episodios, contra los 8 de la de 2020, y que cuentan lo mismo. Entonces, de dónde salen aprox la hora y media extra de la versión yanki? Pues de eso mismo, son yankis; o les das una trama en la que puedan hilar casi todo o no procesan. La versión 2013 es más cruda, sin rodeos y va directa al grano (como ejemplo, el episodio 1, por no entrar en spoilers… el episodio 1 de la de 2013 comienza en la segunda mitad del de la versión de 2020. Los del Channel 4 no se andan con preámbulos, presentaciones de personajes, tramas y subtramas… la primera en la frente con una tubería de hierro.

Llamemos original y remake a las versiones de Utopía, para ahorrarnos añadir los años al texto y enguarrarlo todo de forma innecesaria, aunque no va a ser durante mucho tiempo, porque con deciros que NO veáis la de 2020 es suficiente. Por qué ver un remake inconcluso cuando puedes ver el original completo? Bueno, completo a medias, porque la original fue cancelada tras 2 temporadas con un mensaje bastante contradictorio por parte de Channel4.

Utopia realmente define el canal: sorprendentemente original, impulsada por la extraordinaria voz de Dennis Kelly y traída a la vida en todo su esplendor tecnicolor a través del innegable estilo creativo y la visión de Marc Munden, el equipo de Kudos creó una serie que ha alcanzado el estatus de culto durante dos años. También tiene el honor de garantizar que el público nunca vuelva a mirar una cuchara de la misma manera. Siempre es doloroso decir adiós a los programas que amamos, pero es necesario para poder encargar un nuevo drama, muchos de los cuales se lanzarán en el canal a lo largo de 2015.

La serie es buenísima pero la quitamos

La de 2013 (que no fue hace tanto tiempo) está rodada con una calidad fotográfica cojonuda, con unos LUT’s o filtros que añaden un toque «distorsionado» en algunos puntos que pueden llegar a cargar un poco, pero con una muy buena calidad a fin de cuentas, por lo que no veo necesario una actualización de la serie a niveles técnicos, ni entiendo por qué motivo fue la propia productora del creador de la serie la que puso la pasta para hacer el remake.

Podemos resumir todo en lo dicho hace 2 párrafos: No veáis el remake de Utopía. Es más light, está más masticada y le falta el 90% de la personalidad de la original. Y además, está incompleta… bueno, más incompleta.

Inciso: sabes que la cría tiene 15 años y el crío 14? Sí, tal cual. Cómo te quedas?

Habéis llegado hasta aquí? Pues así como os digo que no veáis el remake, os invito a Sí ver la original. Aunque esté incompleta, es una seriaza como la copa de un pino, un thriller conspiranoico brutal y os dará que pensar bastante en los tiempos que corren. Ojo, pensad por vosotros mismos y nos dejéis llevar por lo que os cuenta vuestro cuñado; salvo que vuestro cuñado os haya recomendado este blog, entonces sí. Gracias cuñao!

Tráiler de la original

Tráiler del remake

Kalashnikov (2020) – simplemente correcta

Cartel de la película Kalashnikov, de 2020

Kalashnikov, lanzada al mercado internacional como AK-47, es una película biográfica del creador del fusil de asalto, de cómo y por qué llegó a él. Dirigida por Konstantin Buslov sobre guión de Sergei Gorbunov y demás comparsa. A pesar de lo que puedas presuponer, no se trata de una película bélica, sino de una biografía en entorno bélico.

Es una película muy justita en todos los aspectos, y por suerte para ella, el interpretativo no es uno de ellos, ahí sobresale por encima de la media. La cinta se sostiene sobre los hombros del protagonista, Mikhail Kalashnikov, interpretado por Yuriy Borisov, y a ratos por Katya, interpretada por Olga Lerman. El subargumento amoroso, aunque fiel a la realidad en esta película, no aporta absolutamente nada. Si a esto le sumamos que la química entre ambos actores no es la mejor, pues tienes una serie de escenas olvidables. Ojo, son buenos por separado, pero juntos baja la media; la pena es que están bastante juntos.

Kalashnikov comienza con un flashback en el que vemos al niño Mikhail apuntando maneras, creando una escopeta funcional, con trozos de chatarra de la granja en la que vive. Esta breve escena da un salto hasta mitad de la segunda guerra mundial, 1941, en la que vemos a Mikhail siendo testigo de cómo un superior muere tras encasquillarse «el arma más novedosa diseñada en la URSS». Al estudiar el mecanismo, descubre unos fallos estructurales y de diseño y se propone hacer una versión mejorada.

Mikhail Kalashnikov, el de verdad

A partir de ese momento, la película alterna la vida personal de Mikhail con Katya, delineante, y con los avances en las diferentes armas que va creando, hasta llegar al final de la película en 1949 con la creación y producción en masa del arma que creo que todos podemos dibujar en nuestra imaginación: el AK-47, más conocido por el apellido del creador, Kalashnikov.

La película se centra, como vemos en tan sólo 8 años de la vida del diseñador de armas, y no tiene en cuenta, y casi no relata, la infancia más allá del citado flashback, y nada posterior a «sus vacaciones» para ir a casa en 1947.

Durante toda la película, somos testigos del ensalzamiento de la cultura y movimiento soviético, y no vemos nada feo, turbio o fuera de lugar, al contrario, es todo un camino de rosas. Cuando Mikhail se presenta en un cuartel, fusil en mano, pidiendo a voces hablar con el Coronel Nosequé (o Comandante, o Capitán), en lugar de mandarlo a criar hongos al gulag, le da una palmadita en la espalda y le asignan más proyectos.

Blanqueamientos aparte, Kalashnikov es una película biográfica interesante y entretenida. Tener a la hija del diseñador entre los asesores, entiendo que aportará algo más de realidad, en cuanto a los aspectos personales del prota. Los 110 minutos que dura me pasaron bastante rápido, en parte gracias al ritmo de a película, que no se hace nada lento, como se pueda presuponer de una película rusa, y una biografía.

Recomendarla no, pero no te vas a arrepentir si le das al play.

El tráiler de Kalashnikov

Jiu jitsu (2020) – mamarrachos vs Predator

Cartel de Jiu Jitsu, de 2020

No es hasta la hora, pasada, que empecé a entender de qué va la película. La narración no es sólo confusa, sino ineficiente, e incluso una mancha para los currículums de los actores. Tony Jaa, esa promesa que iba a resurgir el cine de artes marciales, ahora se dedica a rodar a cambio de comer, y es una pena, porque se mueve de una manera magistral. Frank Grillo nunca fue un primera línea, pero cuando le toca, como en Boss Level, lo clava. Nicolas Cage, en fin… es Nicolas Cage.

Jake Barnes, un maestro de Jiu Jitsu, se niega a luchar contra Brax, una criatura alienígena que pone en peligro el futuro de la humanidad. Herido y sufriendo de amnesia, Jake es capturado por un equipo militar que no sabe cómo luchar contra la criatura.

Imagen de Jiu Jitsu, de 2020

Si la película fuera menos irregular, supiera gestionar la tensión de forma correcta, tuviera coreografías más curradas, la narración no fuera tan lenta y confusa (insisto, de 90 minutos no es hasta pasado el 60 que empiezas a ver hacia dónde va), o si el malo tuviera algún tipo de carisma (y no fuera un autómata, o auto-mata), igual podría pasar como serie B medio entretenida, pero no.

Evítala si puedes, y si no, procura tener a mano un copazo, o dos. Ni siquiera es una película válida para ver con los colegas, o para poner de fondo durante la charla y echarse unas risas, no. Es una película que hace sufrir sin aportar ninguna clase de beneficio neuronal.

Os dejo el tráiler de Jiu Jitsu

Por decir algo positivo

El modo de presentar las escenas, estilo viñetas de cómic no es nada nuevo, pero no le queda mal. Creo que tengo esa misma plantilla en el Final Cut.

Kronos: El fin de la humanidad (2017) – juegos de guerra sale mal

Cartel de Kronos, de 2017

Kronos: El fin de la humanidad podría verse como una secuela de Juegos de guerra (1983) de tapadillo, robando elementos de otras franquicias para que sólo los muy frikis (o no tanto) puedan ver relaciones. Uno de esos cambios no es la autodestrucción nuclear (algo a lo que ya apuntaba Juegos de guerra), sino el desarrollo de una IA, Skynet, para que nos masacre, cómo te quedas?

En 2020, Elias van Dorne (John Cusack), director de la compañía más grande del mundo de robótica, presenta su invención más importante: Kronos, un superordenador diseñado para terminar las guerras. Cuando Kronos se lanza online, rápidamente determina que la humanidad es la mayor amenaza del planeta y debe ser exterminada. 97 años después, un pequeño grupo de humanos liderados por dos jóvenes, Andrew (Julian Schaffner) y Calia (Jeannine Wacker), forman una alianza para construir un nuevo mundo.

Imagen de Jeannine Wacker en la película.
Hola, soy Jeannine Wacker, una mala copia de Katniss Everdeen, arco incluido y os voy a hacer sufrir durante el resto de la película.

Lo dicho, a John Cusack se le va la mano con la IA y el compilado le sale rana. Lo primero que hace esta IA, llamada Kronos, es lanzar petardos contra todos los edificios del planeta. Muy normal. 97 años después vivimos en la mierda y un grupo de chicos decide formar La Resistencia (ejm) para combatir a las máquinas (ejjjjm) en un entorno mal copiado de Los Juegos del Hambre.

Nada, Kronos: El fin de la humanidad es una película sólo apta para gente que tenga un deseo irrefrenable de perder el tiempo. No vale ni para entretenerte un rato, es una secuencia de 90 minutos de cosas a evitar cuando quieres hacer una película de ciencia ficción, desde el guión hasta las interpretaciones, pasando por la carente presencia de cualquier atisbo de dirección. Ni la aparición de Carmen Argenziano (DEP) te saca media sonrisa.

No es original, no está bien hecha, no tiene nada que enganche, la música está mal escogida. Kronos es un zurullo, y la hemos visto nosotros para que tú no tengas que hacerlo.

El tráiler de Kronos

Rocketman (2019) – sobresaliente

Cartel de la película Rocketman

Muchos tacharon Rocketman como aprovechada, por salir relativamente poco tiempo después que Bohemian Rhapsody, y aunque a nivel de marketing sea algo cierto y probado, el resultado es muy superior. Rocketman caga por encima de Bohemian Rhapsody a muchos niveles.

Pero antes de justificar esta afirmación, hay que aclarar que, si ciertas cosas no hubieran ocurrido como ocurrieron, Bohemian Rhapsody saldría la ganadora en esta contienda.

Bohemian Rhapsody

Tenemos que explicar unos antecedentes antes de entrar a fondo con Rocketman, y es que Bryan Singer, director de la película, abandonó a mitad de rodaje, envuelto en una serie de denuncias por abuso de menores. El montaje final es un despropósito y esta escena es sólo una pequeña muestra de ello:

Conocéis el meme de Needs more cowbell? Pues esta escena Needs more cuts!

El problema es que el montador, después de hacer esta chapuza, ganó un Óscar por ello, cómo te quedas? La broma llegó a tal nivel que alguien decidió montar su discurso de recepción de la estatuilla utilizando la misma técnica que el montador utilizó en Bohemian Rhapsody.

Después de la huida con el rabo entre las piernas (no sabemos si suyas o de otro) de Singer, sabéis quién tomó los mandos de la película -e hizo lo que pudo-? Pues Dexter Fletcher. ¿Y quién es Dexter Fletcher? te preguntarás; pues es el director de Rocketman. De hecho, cuando estaba en preproducción para Rocketman, recibió una llamada de teléfono de Rami Malek:

Te necesitamos, joder. Necesitamos a alguien. Si vienes y te cagas en el set aún estarías haciéndolo mejor que el otro.

Hollywood Reporter
Imagen de Taron Egerton como Elton John en Rocketman
Taron Egerton es Elton John en Rocketman

Fue, y no sólo no se cagó en el set, sino que consiguió terminar una película que recaudó 900 millones de dólares y recibió bastantes premios y nominaciones.

Las películas son comparables en muchos aspectos, pero no en todos. Mientras que Bohemian Rhapsody es una biografía al uso, con momentos inmensos (como la recreación del Live Aid), Rocketman es un musical camuflado de biografía, o una biografía camuflada de musical, y sea como fuere, añade un ritmo (musical y escénico) que no tiene la otra.

¿Qué hay de verdad en una y en otra?

Pues esto no creo que lo sepamos nunca, lo que sí sabemos es lo que falta, sobretodo en la de Queen. La película la produce la propia banda, los amigos de Freddy Mercury, y como tal, se ven en la obligación de defender a su hermano, y prefieren no mostrar ciertos aspectos de su vida que pueden ser considerados de lesivos para con su imagen. Hemos visto fiestas, y algún exceso, pero no hemos visto montañas de cocaína y chaperos, como está documentado. Lo entiendo y lo respeto, es tu historia y la cuentas como quieres.

En el caso de Rocketman, el propio Elton John produce la película y asesora en todo lo que le concierne, y sólo por la cantidad de cocaína que vemos que se mete en escena, y la cantidad de vodka que traga para desayunar, ya sabemos que no puso muchos filtros respecto a esto. En cuanto a lo sexual tampoco se queda corto. Hay un par de escenas que harán que alguno termine con arcadas.

Si queréis ver un Realidad vs Ficción de la película, entrad a este enlace. No lo pongo aquí para no spoilear.

¿Y por qué es superior?

Pues para empezar, porque lo digo yo.

Para seguir, empezaré diciendo que me gusta más Queen que Elton John, así que no os toméis esta crítica como algo relacionado con lo musical, sino como algo estrictamente cinéfilo.

No soy muy fan de las películas biográficas, aunque no las rechazo de primeras. De hecho he visto hace poco Kalashnikov y no me ha disgustado en absoluto. Tampoco soy un megafan de los musicales, pero si son rockeros tampoco me producen rechazo (salvo que hablemos de Rock of ages).

La biografía está menos filtrada/censurada que en Bohemian Rhapsody, y eso suma puntos en cuanto a credibilidad. La dirección es sublime de inicio a fin, y te mete de lleno en la historia. El reparto es perfecto, y Taron Egerton está a unos niveles sobrenaturales. La única pega que le puedo poner es el maquillaje de vieja que le ponen a la madre, interpretada por Bryce Dallas Howard (Jurassic World), que es un poco del todo a cien.

Imagen de Rocketman y Bohemian Rhapsody

Y un punto no menos importante que todo lo anterior: Taron Egerton canta, no sólo hace lipsync (karaoke). Rami Malek ha demostrado en multitud de ocasiones ser un gran actor, y lo escogieron para el papel por su parecido facial, que podemos reducir a su mandíbula, pues ni eran de la misma estatura ni se asemejaban en absoluto. En Rocketman priorizaron más la puesta en escena, la caracterización del personaje y todo, por encima del parecido facial.

Pero vamos con Rocketman

Fotograma de la película Rocketman

La película arranca con un Elton John adulto, entrando a una reunión de alcohólicos anónimos, pertrechado con uno de sus estrafalarios disfraces de directo: una especie de diablo de corral, emplumado hasta los cuernos y unas ganas de corazoncitos que son muy… él. Comienza diciendo que es adicto a la coca, al alcohol, al sexo y a todo en general, para dar paso a contar su infancia.

Ahí conocemos al pequeño Reginald (nombre real de Elton John), que sufre una desafección paterna y materna brutales, pero por suerte tiene a su abuela (benditas abuelas) que lo apoya, lo anima y lo envalentona para hacer cosas. La madre hace poco por el chaval, pero al menos no le impide a él hacer.

Demuestra tener tan buen oído musical que la abuela y madre deciden ponerle un profesor particular. Esto da paso a una escena bastante simpática donde el chaval va a una audición en la escuela de música y deja a la profesora acojonada.

Adolescencia, montar una banda, conocer al que será su mejor amigo, amor platónico, y eterno letrista, Bernie Taupin. Con las primeras composiciones aceptadas en la discográfica se empieza a liar el tema, y llegamos a la espiral habitual de alcohol, drogas, malas compañías… y todo por no tener un amigo, o un manager que le supieran parar los pies. Y de esto trata, en líneas generales Rocketman, de la soledad.

No diré nada más que esto, porque no quiero spoilear innecesariamente, aunque al ser una película biográfica son datos al alcance de cualquiera.

Si te gusta Elton John, el rock, los musicales, los vestuarios estrafalarios y las buenas películas, Rocketman es necesaria. Y si no te gusta, mírala igual, porque tiene tanto atractivo y está tan bien hecha que sólo por eso merece un play. Es como ir a un museo, o al Partenon… sí, son un montón de piedras, pero maravillosas.

Os dejo el tráiler

No os perdáis los créditos!

No porque haya escena después, sino por la comparación de fotografías de la película con la realidad. Es muy simpática.

Imagen de Elton John y Taron Egerton
Genio y Figura