Vivarium es una película 90% trasfondo 10% puesta en escena. Nos hace pensar mucho más de lo que nos ofrece visualmente, y esto no es nada malo, pero es diferente a lo que estamos acostumbrados hoy en día.
Gemma (Imogen Poots) y Tom (Jesse Eisenberg) son una joven pareja que se ha planteado la compra de su primera casa. Para ello visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño agente de ventas, que les acompaña a Yonder (una nueva, misteriosa y peculiar urbanización donde todas las casas son idénticas), para mostrarles una vivienda unifamiliar para ellos.
Lorcan Finnegan, director de Vivarium, sitúa a los personajes en un barrio que es como una pescadilla que se muerde la cola, dentro de una película que es como una pescadilla que se muerde la cola. Una meta-pescadilla.
La historia, contada sin spoilers sería esta: una pareja visita un barrio residencial para mudarse a vivir en él y cuando intentan abandonarlo vuelven al punto de partida.
Es una historia muy recomendable, que se antoja larga, pero se compensa con las interpretaciones que no están nada mal. Un planteamiento no-original, pero sí muy efectivo. Algo similar he visto en series clásicas como En los límites de la realidad (puede que no sea esta, pero del estilo).
Es verdad que la historia podría ser más corta, de hecho si recortamos podríamos reducirla a 30 o 40 minutos, pero esto restaría tedio y repetición que podríamos considerar necesarios para poder meternos en la piel de los personajes.
Imogen Poots está soberbia como protagonista y Jesse Eisenberg le hace una buena comparsa, pero el que se lleva la palma es Senan Jennings… el pvto crío hace que tengas ganas de cometer un infanticidio a cada plano en el que sale.
Os dejo el tráiler y continúo con spoilers, aunque sí queréis una experiencia 100% libre de spoilers, no veáis ni el tráiler. Me lo agradeceréis, porque hay mucho más por descubrir.
Tráiler de Vivarium
Spoilers ahead
Si no la has visto, no continúes leyendo, y si lo haces, pues bien, nos alegramos…
A un panal de rica miel
dos mil moscas acudieron,
que por golosas murieron
presas de patas en él.
Fábula de Samaniego
Vivarium es una película circular, empieza como termina, y termina como empieza. Dejando de lado la trama de «alienígena que monta una especie de realidad alternativa para cultivar otros alienígenas que sean cuidados por humanos hasta su madurez», que está guay, lo que tenemos es una crítica de la sociedad en la que vivimos y los anhelos que tenemos.
Finnegan pone como metáfora de un vivero (de ahí el título) una urbanización de casas y calles clónicas, que un vendedor nos pone como el novamás de las aspiraciones personales. Este vendedor, alienígena encubierto, envía a este barrio residencial a familias, como si de un gulag se tratase, a morir. Pero antes de llegar al final de sus vidas, les da un propósito: criar a otro de su especie, que cuando estos humanos-padres mueran, se irá a sustituir al vendedor original, pasando así a ser el nuevo captador de familias… y así cerrar el círculo, o iniciarlo de nuevo.
Qué quieres? Una casa con jardín, no preocuparte por la comida o la ropa el resto de tu vida. Dejar de trabajar? hecho. Calles limpias y cero ruidos? hecho. Un cielo perfecto? hecho.
Qué ocurre cuando tenemos esa perfección que anhelamos? Que nos damos cuenta que no es lo que queríamos realmente, sino lo que la sociedad nos intenta vender como aspiración personal. Y de esto va Vivarium, de lo que nos vende la sociedad y lo que realmente queremos.
Sputnik nada tiene que ver con la vacuna rusa del COVID-19, aunque sí va de matar a un bicho muy malo. Dirigida por Egor Abramenko es la versión extendida (y muy diferente) de su cortometraje Passazhir, que traduciremos por Pasajero, de 2017.
El único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa.
Sputnik es una película muy lenta, algo esperable en una producción rusa, pero lo que más destaca en la producción es el ambiente opresivo que consigue trasladar al espectador. Al desarrollarse en un búnker gran parte de la historia, nos sentimos tan encerrados como lo están los personajes. Sin llegar al nivel de Alien: el octavo passazhir pasajero, desde luego, pero similar. Y hasta aquí se pueden hacer comparaciones con Alien, porque el resto de la historia poco o nada tiene que ver con la producción de Ridley Scott.
[spoiler]El alienígena de Sputnik tiene más relación con el de la película Life que con Alien.[/spoiler]
Pocos efectos especiales, comedidos, discretos y bien utilizados, sin saturar al personal. Me ha encantado toda la escena que da inicio a la película, con los cosmonautas en la nave. Las tomas exteriores me parecieron de un real muy creíble.
La ambientación temporal, 1983, está súper lograda. Tanto que mata un poco la sorpresa del final de la película.
[spoiler]Las escenas de orfanato se nota que están ambientadas en una época anterior a la que representan en la historia principal, y si te has fijado en los detalles durante la película, sabes que el niño/niña es Tatyana antes de que lo revelen oficialmente.[/spoiler]
Oksana Akinshina
Oksana Akinshina interpreta a la prota, Tatyana Klimova, y lo hace de manera magistral. Fría como el acero lleva a cabo su investigación sin ningún tipo de barrera, hasta que la situación se pone seria y entonces empieza a recular. Es un personaje muy creíble, bien construido y mejor interpretado.
No conocía a esta actriz, pero habrá que hacerle un seguimiento. Por lo pronto la volveremos a ver en la película que sirve como respuesta rusa a la serie Chernobyl.
Economía de localizaciones que oprimen al espectador. Temporalización logradísima. Efectos donde tienen que estar. Buenas interpretaciones… Es todo tan bueno en Sputnik?
Pues no es oro todo lo que reluce, por desgracia. La segunda línea de historia que tenemos por detrás de la principal, es un completo sinsentido.
[spoiler]El enamoramiento repentino de los protagonistas no entra ni con calzador, y aunque ambos pongan todo el empeño posible en sus interpretaciones, sigue sin entrar.[/spoiler]
No obstante, esto no consigue quitarnos el buen sabor de boca que hemos estado paladeando durante todo el metraje, siendo así Sputnik una película muy entretenida y original. Desde luego es recomendable para pasar un buen rato.
Los muertos no mueren es una chorrada grande como un piano de cola, pero con unos elementos que, lejos de situarla a nivel de una masterpiece, consiguen que por lo menos no te haya parecido una total pérdida de tiempo.
En la pequeña localidad de Centerville, los muertos vuelven a la vida y un variopinto grupo de personajes tendrá que hacerles frente.
Con la explicación o excusa del fracking en el polo norte, por parte de EEUU obviamente, la tierra se ha desplazado de su eje, y ha hecho que los días y noches tengan diferente duración. Hasta aquí podríamos decir: vale, me lo puedo llegar a creer, es ciencia. Ahora, que por el desplazamiento de la corteza terrestre se provoque el levantamiento de los muertos, recientes y no tanto, pues ya no. Así que si me das una cucharada de ciencia no me des después una de chorrada.
Le pones alas y tienes un Tie Fighter
Los muertos no mueren no deja de ser una película de amiguetes con un montón de cameos que están por estar, hecha para pasar el rato, sin demasiadas pretensiones y con arreglos de guión de lo más variopinto, llegando a momentos metafísicos donde los personajes son conscientes de ser actores interpretando un papel. El primero de estos momentos sucede cuando suena la canción (que llegará a aburrir al más valiente) en la radio y Adam Driver dice que «es la canción de la película».
[spoiler]Momentos como este llegarán a su culmen cerca del final de la película con la discusión entre Bill Murray y Adam Driver sobre el guión de la propia película que están interpretando.[/spoiler]
La película pasa sin pena ni gloria por los 100 minutos que dura, y si sólo quieres una película para pasar el rato, puede ser una buena opción. Si lo que quieres es una buena comedia de terror, quizá sea mejor seguir buscando (Zombieland, con el propio Bill Murray, sería mejor).
Es una pena que Jim Jarmusch firme esta película, porque su anterior Sólo los amantes sobreviven, ahondaba algo más y de mucha mejor manera en el género sobrenatural (también con Tilda Swinton); que aunque fuera también algo chorrada, era mucho más personal. Digo que es una pena porque va a parecer que Jarmusch sólo sabe rodar mierda, y no es así (aunque se curre bastante que lo parezca).
El cameo que más llamó mi atención fue el de Selena Gómez… Entra en escena como si fuera a ser parte importante de la película, desarrollando el personaje y creando un vínculo con el espectador; «vale esta tía es maja y se porta bien, a ver a dónde llega».
[spoiler]A dónde llega? Pues poco más adelante Adam Driver tiene que decapitar su cadáver, sin mayores explicaciones.[/spoiler]
El personaje de Steve Buscemi me parece grandioso y una estupenda crítica de la sociedad rural estadounidense, pero si tengo que destacar un personaje o actor, por su genialidad, es a Tilda Swinton y su maravillosa interpretación de un forense nórdico escocés y samurai. Personaje al que no se mataron mucho al ponerle nombre, porque pasó de Tilda Swinton a Zelda Winston.
[spoiler]Y cuando te das cuenta de que, además es alienígena, el chiste anterior del llavero de Adam Driver cobra más sentido aún.[/spoiler]
– Nice keyring.
+ It’s Star Wars.
– Ah, Star Wars. That’s good fiction.
Conversación entre Adam Driver y Tilda Swinton en la película
En fin, que la peli Los muertos no mueren si es para pasar el rato, vale, pero como muestra de cine quizá no.
Hace muy poquito reseñamos Dagon: La secta del mar (2001), y algo más atrás El color que cayó del cielo (2019), llegando a la conclusión que eran 2 grandes adaptaciones de la obra de Lovecraft. Hoy nos toca revisar una algo más antigua: En la boca del miedo (1994), dirigida por John Carpenter, pero más que una adaptación, estamos ante una rendición, un homenaje al escritor, su obra y su mitología.
El éxito de Sutter Cane, un famoso escritor de novelas de terror, no tiene parangón. Pero, inesperadamente, poco antes de entregar a su editor su última novela, desaparece sin dejar rastro. Al mismo tiempo, algunos de sus fans se están volviendo inexplicablemente violentos. Para encontrar a Cane, el editor contrata al detective John, que está convencido de que todo es un montaje publicitario para promocionar el próximo libro del novelista. Estará en lo cierto?
La crítica se comió con patatas a John Carpenter, sin razón alguna. Quizás aprovechando las horas bajas que se supone sufría en ese momento, lo que deja a la crítica como una panda de abusones.
Decimos que sin razón porque esas horas bajas que sufría Carpenter no son patentes en esta cinta, que es cojonuda, y quizá su última gran película (amén de algunos aspectos de Fantasmas de Marte). Nosotros la reivindicamos no sólo como una gran obra de por sí, sino como una genial adaptación de Lovecraft.
Pero hablemos un poco de En la boca del miedo
Decíamos arriba que más que una adaptación tenemos aquí un homenaje a Lovecraft, pues la película se inspira en la mitología creada por el escritor estadounidense. Sin ir más lejos, el título original In the mouth of madness está claramente sacado de At the mountains of madness, aunque las historias no tienen nada que ver. O sí?
At the mountains of madness nos relata un episodio de locura sufrido por una expedición, y la película de Carpenter tiene la locura como hilo conductor de toda la trama.
Locura, aparición de los profundos, historia contada como un flashback… recursos básicos Lovecraftianos.
Sin ir más allá, los títulos de las novelas del escritor Sutter Cane son calcos de las obras de Lovecraft:
The Whisperer of the Dark sale de The Whisperer in Darkness
The Thing in the Basement sale de The Thing on the Doorstep
Hunter out of Time sale de la fusión entre The Hunter of the Dark y The Shadow Out of Time
The Hobbs End Horror sale de The Dunwich Horror
Y la editorial a la que pertenece Sutter Cane? Arcane Publishing. Baia.
La locura
La peli empieza con Sam Neil siendo internado en un manicomio (eso no puede recibir el nombre de hospital psiquiátrico), en la típica «celda acolchada» y con camisa de fuerzas. Poco después llega un doctor para hacerle una visita/entrevista sobre los motivos que lo han llevado a esa situación, y comienza el flashback.
Todo comienza con el ataque de una persona, hacha en mano, hacia el personaje de Sam Neil, un investigador de una aseguradora. Poco después sabemos que ese individuo era el manager de Sutter Cane, y comenzamos a descubrir una trama rara y no tan ingenua como a priori piensa el protagonista.
La verdad es que no quiero analizar mucho la trama o la historia porque caería en más de un spoiler, y prefiero que no sea así.
Os recomiendo ver En la boca del miedo, sin duda alguna, incluso aunque ya la hayas visto. Seguro que encuentras detalles en los que no habías caído antes.
Os dejo el tráiler de En la boca del miedo
Dos spoiler para acabar
[spoiler]Llegando el final de la peli cuando cuando Sam Neil está escapando con los profundos detrás es un momento un poco mierder. Ojo, hablo la huida en si, está fatal hecha. Los bichos molan mazo y son muy acariciables, pero parece que Sam Neil esté corriendo en el sitio y queda súper cutre. Y es una pena, porque durante toda la película hace un papel espectacular y yo le daría mil premios por él, pero esa escena es una mancha dentro de una interpretación sublime en una película cojonuda.[/spoiler]
[spoiler]Sutter Cane quiere al personaje de Sam Neil fuera del manicomio, y hace que un bichoño arranque la puerta de la celda. Sam Neil escapa y llega la escena más cojonuda de la película: el cine.
Me parece tan sublime que el prota asista a la película que acabamos de ver nosotros que no tengo palabras para describir lo que sentí en el momento. Me quito el sombrero, John Carpenter.[/spoiler]
Dagon es una película española de 2001 basada en un relato de H.P. Lovecraft, La sombra sobre Innsmouth (1931), que tuve la ocasión de leer hace muy poco. La película es producción de la otrora promesa del terror nacional Fantastic Factory, que tuvo en su haber una serie de producciones que resultaron bastante cuestionables, y cuestionadas. Antes de meternos en la película, tenemos que ponernos en antecedentes con esta productora.
En EEUU, por poner el ejemplo de la meca del cine, la subvención que obtienen las productoras se traduce en ventajas fiscales y devolución de costes de producción (fuente), y para obtener esas ventajas tienes que hacer la película, estrenarla y obtener beneficios para que esas ventajas se traduzcan en verdes.
En España (y Europa=, por contra, la subvención no es posterior al estreno, sino anterior… Si quieres hacer una película (y tienes background) te darán la subvención con una serie de requisitos y obligaciones, que hasta hace poco eran: estrenarla en el cine y poco más. De ahí que haya películas que sólo se estrenan en salas pequeñas y cines de segunda (sin ánimo de ofender, son los mejores putos cines). Incluso se han dado casos de estrenos con salas cerradas (y taquilla vendida entera) para justificar el estreno y el «Sold out!».
Conociendo estos datos, Bryan Yuzna (director entre otras, de parte de la saga Re-Animator, junto con Stuart Gordon, quien también es director de la actual Dagon) decide juntarse con Julio Fernández (productor de Los sin nombre, entre otros) y montar una sucursal en España, para producir sus mierdas y subvencionarse la coca. A este chiringuito lo llaman Fantastic Factory.
Su primera producción: Faust: La venganza está en la sangre, prometía más de lo que daba, pero era bastante decente. Una re-imaginación del mito de Fausto y Mefistófeles, con reparto internacional (incluyendo al actor fetiche de Yuzna, Jeffrey Combs) y una banda sonora maravillosamente nu-metalera.
Tras Faust vinieron Arachnid y Dagon, muy poco después, rodadas con los beneficios de la priemra (menos la coca consumida), y dejaban algo que desear. Un año después vino Darkness (2002), dirigida por Jaume Balagueró; quizá mi favorita de la Fantastic Factory, pero a partir de ahí la cosa fue en caída libre: Romasanta, Rottweiler, Beyond Re-Animator (Yuzna sabe que si toca la fibra Lovecraftiena tiene las lonchas aseguradas), La Monja y por último, Bajo aguas tranquilas.
Lo que comenzó con películas efectistas y de estéticas algo cuidadas, terminó en un festín de producciones low-cost con repartos de segunda y efectos de muñeco hecho con calcetín y ojos pegados. Una pena, porque siempre me moló la idea de tener una productora patria que hiciera cine interesante, y no la comedia o drama de siempre. Por suerte tenemos a Alex de la Iglesia, que de vez en cuando saca cosas muy decentes (salvo Las Brujas de Zugarramurdi).
En fin, a lo que íbamos…
Dagon: La secta del mar
Dirige Stuart Gordon (director de Re-Animator, fallecido el pasado año) y produce Yuzna. Lo que a priori puede ser un sello denominación de origen a tener en cuenta empieza a perder enteros a cada minuto, hasta quedarnos con un «no está tan mal» final. Ese «tan» es mortal.
Los efectos especiales de la casa Yuzna siempre son un poco chusteros, pero efectivos. Parece que con la versión trial del After Effects le llega y con aumentar el tamaño de pantalla para ocultar la mosca de la versión de prueba es suficiente. Ahora bien, los efectos visuales y de maquillaje son bastante guays y mucho más efectivos que los CGI. Quizá Stuart Gordon guardaba props de Re-Animator para utilizar en Dagon, o quizá entre lonchas de coca tuvieron la idea de intentar hacer algo bien.
Combarro (Pontevedra), pueblo marinero donde se rodó Dagon
Así que tenemos por un lado CGI de baratillo, maquillaje bien tirando a guay (entendiendo el tipo de producción que tenemos delante, sin comparar con otras películas que pueden multiplicar el presupuesto de esta x100) y llegamos a lo peor… el reparto.
Raquel Meroño, de la rubia melena y moreno el… (lo siento, estoy muy arrepentido, no volverá a ocurrir), tiene la gran suerte de aparecer poco en la película. Creo que ha pasado el tiempo suficiente desde 2001 como para poder hablar con spoilers sin tener que ocultarlos, pero por si acaso…
[spoiler]Tiene no, tenemos la gran suerte de verla poco en la cinta y lo que vemos al final sea su muerte, después de unos gratuitos, y continuos, planos de tetas como este.[/spoiler]
Las cualidades interpretativas de esta chica son nulas rozando el negativo. Una fregona tendría menos atractivo físico, pero quedaría mejor en pantalla. Sólo piensa: cuántas fregonas has visto en el cine y cuántas Meroños? Fregona wins.
El alter-ego femenino está en otra actriz que me encanta (sarcasmo), Macarena Gómez. Dagon fue su primera película (y uno de sus primeros trabajos, amén de un par de apariciones en alguna serie de tv), y para consolación de los detractores aquí todavía no era tan cansina como ahora, y aún tenía algo de ilusión por intentar dejar un trabajo bien hecho. Lo consigue.
Aunque no me guste nada en absoluto, Macarena Gómez hace un papel comedido, pero muy efectivo. Su gesto peculiar y sus grandes ojos, junto con algo de interpretación, consiguen crear un personaje que sabe transmitir la locura que se supone que tiene y vive. Un 10 para ella.
No me huele a bacalao, me huele a pulpo.
Paul, el prota está interpretado por Ezra Godden, alguien completamente anónimo para mí, y del que he tenido que investigar para conocer un poco más. Ha hecho algo de tv, algo de doblaje y poco cine (y de serie B). No lo hace mal y transmite correctamente la angustia del personaje.
Como comparsa a Paul tenemos a un montón de actores y extras con mayor o menos nombre, desde Francisco Rabal, interpretando al borracho del pueblo (con un acento gallego bastante creíble) hasta un montón de vecinos de Combarro, pueblo marinero de Pontevedra, donde se rodó Dagon, a escasos 30 minutos de donde vivo. Por cierto, fue ésta la última película de Paco Rabal; dijo la mujer, tiempo después, que fue un rodaje extenuante, por las inclemencias del tiempo y las altas horas a las que se rodaba.
Dagon se basa en el relato La sombra sobre Innsmouth (1931), como ya adelantamos en el primer párrafo del artículo, pero de forma bastante libre. Hay cosas que son calcadas y que consiguieron trasladarme a la lectura y meterme de lleno en la historia, y hay otras que sólo están ahí como relleno.
El pueblo marinero de Innsmouth aquí se traduce a Invoca (Inns = In, mouth = voca… eso debieron pensar los guionistas), que tiene sentido por el verbo invocar, pero pierde la literalidad del nombre anglosajón.
La historia, aún libre, sigue manteniendo casi todos los elementos de la novela/relato. En Dagon, llegan al pueblo por accidente (literalmente), mientras que en el relato el prota (uno sólo, no una o 2 parejas) viaja a propósito al pueblo por motivos históricos y culturales.
El aspecto de Innsmouth
En ambos casos, el descubrimiento de los hombres-pez es similar. Mientras que en la película lo primero que vemos es la mano palmeada del cura, y poco después las branquias del recepcionista del hotel, en la novela se nos va describiendo el aspecto de los vecinos de Innsmouth a medida que el prota los observa desde el autobús y se denominan como «aspecto de Innsmouth».
El momento hotel es prácticamente similar en ambas historias. La película consigue transmitir muy bien la angustia del personaje abriendo y cerrando puertas. Quizá yo hubiera insistido más en este detalle, como en el libro, pero no estuvo nada nada mal.
En la película, Paul se encuentra con Ezequiel, el borracho del pueblo, de forma accidental, mientras que en el relato, es un empleado de una tienda quien le facilita al prota un mapa del pueblo y le indica que vaya a hablar con Zadok (el borracho), que es el más viejo del lugar.
En este momento viene lo segundo mejor de la cinta, que es el flashback que relata cómo el pueblo de Invoca entabló relaciones comerciales con los Profundos. Un momento 100% lovecraftiano.
Si eso era lo segundo mejor, qué es lo primero?
Escuchar a los profundos hablando gallego y adorando a un pulpo gigante. No sé si Lovecraft estuvo en Galicia, pero seguro que le hubiera molado pasar aquí una buena temporada.
El resto de la peli y comparación la dejo en vuestras manos.
Yo he de decir que en 2001 apenas había leído a Lovecraft (o nada) y hoy en día he leído todo (y me ha gustado casi todo). Digo esto porque me parece importante conocer la historia original para poder disfrutar más la película. En 2001 me pareció un zurullo ponzoñoso para ver de risas, y hoy puedo decir que la he disfrutado… tras 20 años y una pila de libros.
Así que, a día de hoy, os recomiendo ver Dagon: la secta del mar, pero sólo después de leer, o releer, La sombra de Innsmouth, que si leéis a buen ritmo, tenéis ventilada en 2 o 3 noches.
Mortal es una película dirigida por André Øvredal, de quien hace apenas dos días hicimos una review de su película Troll Hunter y tiempo atrás una de La autopsia de Jane Doe. En este caso nos presenta un thriller sobrenatural con un giro final (oh, mierda ahora sé que hay un giro final!).
Si a mitad de película buscáis el título original de la película, y hacéis la traducción del noruego os coméis un spoiler guapo.
[spoiler]El título original es «Torden», cuya traducción del noruego es Trueno. Y qué tienes cuando juntas Truenos y Noruega? Justo. Ya sabes de dónde saca el chaval sus poderes.[/spoiler]
Eric despierta un día en una montaña sin saber cómo ha llegado allí, ni por qué tiene quemaduras por todo el cuerpo. Además, parece tener la capacidad de generar calor, aunque no es capaz de controlar dicha habilidad.
La película empieza fuertecita, con la revelación de los poderes de Eric en comisaría y el siguiente viaje en helicóptero. A partir de ahí caminamos por un valle de lentitud al que nos tiene muy acostumbrado casi todo el cine nórdico, pero con ciertos elementos o situaciones que evitan entrar en el sopor o cansinidad. Al contrario, Mortal engancha y una vez lo hace no te suelta hasta el final.
Nat Wolff y Iben Akerlie protagonizan Mortal
Las interpretaciones son tranquis, y comedidas, hacen lo que tienen que hacer. Los efectos especiales son pocos y efectivos. La fotografía y localizaciones son maravillosas y la dirección es brillante. André Øvredal siempre consigue hacer películas muy interesantes pero con un aspecto de normalidad que choca brutal e irremediablemente con lo que está contando. Consigue que veamos «creíble» a un tío provocando relámpagos por las manos, hacer levitar el agua o crear fuego de la nada, porque te lo cuenta de una manera tan normal que te acaba encajando.
Mortal transcurre como una revelación personal, una búsqueda de identidad del personaje (y me atrevo a decir del país entero) y saber de dónde viene, para no olvidarlo. Conocer la historia, para no repetirla, que dicen por ahí.
No diré más que Mortal es una película francamente recomendable. No me esperaba nada de ella, y me ha gustado mogollón. Os dejo el tráiler y un par de spoilers después.
Tráiler de Mortal
[spoiler]Si no has leído la traducción del nombre Noruego, pasada la mitad de la película ya se deja intuir que Eric es descendiente de Thor, lo que explica y justifica sus poderes.
El final final, saliendo de la cueva con el martillo y la venganza por la muerte el asesinato de la chavala es cojonudo. Justo cuando pensabas que ya dominaba los poderes y podría hacer cosas buenas con ellos para la gente… zasca!
Ahora ya domino mis poderes, pero os los voy a meter por el culo por ser unos putos asesinos de mierda!
Jajajajaja! Genial.
Concluyendo, Mortal pasa de ser un thriller con tintes sobrenaturales que se ve reconvertido a epopeya asgardiana. Una reimaginación de la mitología muy curuiosa y entretenida.[/spoiler]
Troll Hunter es una película de terror noruega de 2010, escrita y dirigida por André Øvredal (La autopsia de Jane Doe, 2016 – su primera película en inglés) y rodada en formato de falso documental cámara en mano.
No me esperaba mucho de ella, sinceramente, y el formato cámara en mano me suele provocar bastante rechazo utilizado de forma contínua, como es el caso. Sin embargo, la vi entera, y la disfruté mogollón. Sorprende que con 3 millones de presupuesto, el director consiga un producto que no sólo está a la altura que otros similares como Cloverfield/Monstruoso, sino que lo supera en muchos aspectos.
Comenzamos con unos chavales que están siguiendo la pista del que creen que es un cazador furtivo de osos, y van cámara en mano tras él para dejarlo todo documentado y poner después las pertinentes denuncias. Sin embargo, en la primera incursión tras sus pasos, tienen que echar a correr tras los gritos del cazador avisando que viene un troll. A partir de ese momento, se ven obligados a creer en la mitología para no ser víctimas de ella.
Los siguientes pasos serán, ya no documentar la caza furtiva de osos, sino la existencia de los trolls en Noruega y revelar que el gobierno lo sabe y lo oculta a la población.
Aunque la película se empeñan en tildarla de terror, no lo es; quizá fantasía sería el género más acorde a la historia y acontecimientos narrados. No da miedo ninguno, pero sí tiene varios momentos de mucha tensión que provocan cierto subidón de adrenalina que, junto con el formato cámara en mano -bien utilizado-, te meten de lleno en la acción y puede que te sorprendas arañando el sofá.
La dirección es magnífica y la puesta en escena tan simple como efectiva. Las actuaciones son muy correctas, destacando que saben transmitir la tensión del momento a la perfección.
En resumidas cuentas, Troll Hunter es una estupenda propuesta para pasar el rato. En mi caso se me pasó volando y me dejó con ganas de más.
Os dejo el tráiler
[imdb]tt1740707[/imdb]
Un spoiler de Troll Hunter
[spoiler]El desliz del gobierno en una entrevista, revelando la existencia de los trolls, es brutal. Una nota de comedia acojonante en una película que no era para nada del estilo. Es para quitarse el sombrero.[/spoiler]
Una nota sobre el director
André Øvredal ya es un conocido en Zm. Hace un tiempo me sorprendió con La autopsia de Jane Doe, de 2016. Una película muy evidente y predecible, pero que consigue crear un ambiente muy atractivo, incluso para los fans más fans del género. Película tan efectiva como sencilla.
Land of the Lost, El mundo de los perdidos en España, es una película de 2009 dirigida por Brad Silberling, sobre un guión de Chris Henchy y Dennis McNicholas. Está protagonizada por Will Ferrell, Danny McBride y Anna Friel y sus pechugas (ya lo entenderéis), basada ligeramente en la serie homónima de tv de 1974 emitida hasta 1976.
He de decir que no esperaba nada en absoluto de ella. Conociendo a Ferrell, algún chiste, situación jocosa y mucha vergüenza ajena, pero que, en general, estaría bien para pasar el rato. Sin embargo, encontré poca vergüenza ajena (que la hay) y bastante comedia simpaticona. En líneas generales me lo pasé sorpresivamente bien con la peli.
El doctor Rick Marshall, un científico en declive, queda atrapado en un vórtice espacio-temporal que lo transporta a un lejanísimo pasado, a un mundo lleno de dinosaurios y otras extraordinarias criaturas.
No entiendo cómo esta película no obtuvo beneficios (68 millones de recaudación sobre 100 de presupuesto), pues es bastante mejor que otras mierdas que ha hecho Ferrell. También es cierto que no termino de entender cómo esta película ha podido costar 100 millones, siendo rodada en estudio, con disfraces cuestionables y un par de bichos en CGI. Quizá inflaron el presupuesto, o le pagaron de más a alguien y no salió bien.
Pero a lo que vamos Land of the lost no es tan mala como podría parecer por la poca recaudación o la mala prensa que ha tenido. A ver, qué esperáis de una película de este actor? Si esperáis una buena película vais apañados. Como mucho hay que esperar algo para pasar el rato y si lo consigue, date con un canto en los dientes. En mi caso, esperaba poco, y obtuve más. Me lo pasé bien.
Anna Friel
La puesta en escena es de sitcom cutre, en un decorado más bien tirando a malo. Las interpretaciones son un poco lamentables, pero tampoco hay que esperar mucho de ellas. Sin embargo, en el caso de Anna Friel, no lo hace nada mal, además que cuando está en el encuadre ilumina la estancia con su presencia.
Respecto a la actriz, y en relación con el comentario del primer párrafo, en cuanto los personajes llegan a la otra dimensión, se produce una situación que involucra al pecho de la actriz que me tuvo entre la risera y la vergüenza, pero reconozco que hubo más de la primera.
Otra escena que me hizo reír bastante, es al principio de la película, cuando Will Ferrell está dando clase a unos niños e intentando responder a las preguntas de estos. Esta escena es la que inicia el tráiler más abajo. Y la escena de la garrafa de orina da tanto asco como provoca carcajadas.
En resumidas cuentas, Land of the lost es una buena opción para pasar el rato sin esperar mucho de ella. De esta manera quizá llegues, como fue mi caso, a disfrutar un rato.
Os dejo el tráiler
El final
[spoiler]Es un poco muy rancio que el paleto de autocaravana termine llegando a un poblado de bellas mujeres deseosas de complacerlo, pero en fin… Cuando llegó la escena pensé: «al menos les pondrán cara de mono» y alguno dirá el mítico -nadie es perfecto- de Con faldas y a lo loco, pero no.[/spoiler]
Baba Yaga es la nueva propuesta rusa en cine de terror, y aunque se deja ver, no es nada del otro mundo.
Recuerdo hace años, cuando se estrenó Guardianes de la noche, y se vendió casi como El Padrino del cine de terror, la película que lo va a cambiar todo… y recuerdo salir del cine con los amigos bastante cabreados por la inversión pérdida de pasta y de horas de vida. Menudo cagao’ que nos comimos. Después vino Guardianes del día y ya pasamos de todo.
Una joven familia se muda a un nuevo departamento a las orillas de la ciudad. Como los padres tienen una bebé recién nacida, contratan una niñera que rápidamente gana la confianza de los adultos. El hijo mayor descubre un comportamiento sospechoso en la nueva cuidadora pero sus padres no le creen. Pero un día el hermano mayor regresa a su casa y se da cuenta que ni su hermanita ni la niñera están en el hogar. Y lo que es peor, sus padres se encuentran en un extraño trance y no recuerdan a la pequeña.
Svetlana Ustinova
A partir de ese momento, el crío protagonista, junto con una serie de compañeros de la escuela, tendrán que hacerse un IT para resolver el misterio, descubrir la verdad y volver a la normalidad.
Baba Yaga (Baba Yagá, o Бáба Ягá) es un personaje recurrente del folclore ruso, y la mitología eslava. También ha aparecido en series como Supernatural (última temporada, creo) o en diversos cómics y películas de Hellboy. Se la suele representar como una vieja fea que come niños, pero en el caso de esta película se personifica en la piel de Svetlana Ustinova, que ni vieja, ni fea… lo de los niños está por ver.
Cuando el personaje entra en escena, no oculta su maldad, ni al niño ni al espectador. Se muestra como una arpía manipuladora, pero consigue engatusar a todos para que bailen al son de su música.
Aunque rusa, la película toma elementos narrativos y visuales del cine de terror actual, por lo que la pesadez y lentitud de la que suele adolecer el cine ruso no la tenemos presente en absoluto. Esos préstamos podemos tenerlos como clichés del género, pero al no haber un abuso de los mismos, y ser una nacionalidad que no acostumbra a utilizarlos en su cine, no es justo decir que la película sea de plantilla.
Baba Yaga no es una película maravillosa, pero sí es entretenida, tiene sustos interesantes y se lleva muy bien durante los 90 y algo minutos que dura. No diré que es súper recomendable, pero si la tienes que ver, o si la quieres ver, creo que no te arrepentirás. Eso sí, aunque sea complicado para algunos, mírala en VO, y no con doblaje inglés, latino o castellano; con el doblaje perderás bastante intensidad en las interpretaciones.
El tráiler
Os lo cuelgo en inglés, porque el ruso no tiene subs.
Psycho Goreman es una ida de olla salvaje y extremadamente divertida, que viene de la mano de Steven Kostanski, director de The Void (2016), una película que nos dejó muy buen sabor de boca en su momento. En esta ocasión prescinde un poco de la nostalgia ochentera que podíamos intuir en la citada para centrarse en una historia gore y con unos momentos de un humor tan negro que te sentirás mal por haberte reído.
Psycho Goreman
Las hermanos Mimi y Luke resucitan por error a un señor de la guerra alienígena. Empleando un amuleto mágico fuerzan al monstruo a obedecer sus infantiles deseos, lo que acaba atrayendo a su pequeño barrio de los suburbios a un ejército de asesinos intergalácticos.
La película se estrenó en USA en 2021, pero ya llevaba todo 2020 (y parte de 2019) rodando por festivales como Sitges (10 de septiembre 2020).
Tengo que decirlo cuanto antes: Mimi es lo más. Es la cría más odiosa y divertida que he visto en pantalla desde hace muchos años. Cómo se puede vivir entre pensar que todo es un chiste y todo es serio a la vez? Mimi lo consigue, y lo transmite. Esta actriz es cojonuda.
Desde que comprende, tanto ella como su hermano, lo que pueden controlar con la piedra, se montan unas películas cojonudas y van de situación ridícula en situación más ridícula que la anterior, sin parar. Un desmadre de tonterías divertidas que salpican tripas a cada plano.
La historia es un poco chorra pero, da igual, no quieres que termine. Es una chorrada francamente divertida y las situaciones que se crean son delirantes.
No sé si pedir una secuela, un spin-off o qué, pero algo más con esa cría, por favor!
